Газета СНТО

Новости Обзор сайта

horizontal rule

 

Web-газета Студенческого научно-творческого общества

"Академия музыки глазами студента"

 

ФЕВРАЛЬ / 2010

bullet

Академия старинной музыки – 2010

bullet

ВЕЛИЧЬЕ ИХ ВЕЛИЧЕСТВА: ОРГАНА, БАХА И ФИСЕЙСКОГО

МАРТ / 2010

bullet

Мастер-класс ТЕССЫ СУТЕР

bullet

«КАБ ГУЧАЛА БЕЛАРУСКАЯ МУЗЫКА»: канцэрт камернай музыкі ў выкананні Б.М. Бергера  

bullet

Цикл лекций профессора И.А. Кряжевой «Новое музыкальное Возрождение в Испании (конец XIX – первая половинА XX века)» 

bullet

Весенний портрет: К ЮБИЛЕЮ Т.Н. НИЖНИКОВОЙ

bullet

«МЕЛОДИЯ СЕРДЦА МЕЛОДИЯ СВЕТА»

bullet

«МУЗЫКА ЛЮБОВЬ НА ВСЮ ЖИЗНЬ»: К ЮБИЛЕЮ И.С. ШИКУНОВОЙ

bullet

«Национальная школа формируется из прошлого, из памяти...»: Концерт к 75-летию  Р.А. Лагонды

bullet

Мастер-класс американского фортепианного трио: взгляд исполнителя и взгляд музыковеда

bullet

К открытию концертного зала Академии

bullet

«ВЛЮБЛЕННЫЙ В ВИОЛОНЧЕЛЬ…»: концерт к 100-летию А.П. Стогорского

bullet

«ДуховнЫе приношениЯ»: КОНЦЕРТ ИЗ СОЧИНЕНИЙ БЕЛОРУССКИХ КОМПОЗИТОРОВ ДЛЯ ХОРА А CAPELLA

АПРЕЛЬ / 2010

bullet

«Орфей» флексихорда: мастер-класс по импровизации Г. Мюнцинга

bullet

XІХ Міжнародныя навуковыя чытанні памяці Л.С. Мухарынскай (1906–1987)

bullet

Станет ли рок «роковым»? Лекции А.М. Цукера

bullet

Мемарандум аб супрацоўніцве

bullet

Мастер-классы профессора П. Терьена

bullet

«Па струнах думак…»

bullet

МАСТЕР-КЛАСС И КОНЦЕРТ П. ЕГОРОВА

bullet

Мы познаём мир: День культуры Израиля

МАЙ / 2010

bullet

«НЕУГАСИМЫЙ СВЕТ ЖИЗНИ В МУЗЫКЕ»: КОНЦЕРТ ПАМЯТИ И.А. ЦВЕТАЕВОЙ

bullet

Музычна-паэтычны вечар, прысвечаны творчасці Чурлёніса

СЕНТЯБРЬ / 2010

bullet

Дыхание прошлого: опера В. Солтана «Дзікае паляванне караля Стаха»

bullet

ВАРИАЦИИ НА ТЕМУ «HAPPY BIRTHDAY»: юбилейный вечер профессора Л.П. Юшкевича

bullet

ПоздравлЯЕМ РЕКТОРА Е.Н. ДуловУ

ОКТЯБРЬ / 2010

bullet

Да здравствуют академии, или Молодежная музыкальная академия–2010

bullet

БРАВО, «КРЕМЕРАТА»!

bullet

15 лет и 7 дней: сотрудничество с Национальной консерваторией «Гранд-Нанси»

bullet

В мире Лоренцо Тоцци

bullet

МУЗЫЧНЫ ШЛЯХ ДА ГРУНВАЛЬДУ

bullet

Музыка для несвижа, белорусов и поляков

НОЯБРЬ / 2010

bullet

«Судьбы серебряные струны»

bullet

Концерт «Памяти Учителя»: В.В. Ровдо посвящается

bullet

Под знаком романтизма

bullet

Шапэн «тады-сёння-заўтра»

bullet

Гармония «гармонікаў»

ДЕКАБРЬ / 2010

bullet

Фантазіруйце, калі ласка!

bullet

Учитель и ученики: к 100-летию П.П. Подковырова

bullet

«ТЕНОРИНО»

bullet

ИЗДАНИЯ Академии ЗА 2010 ГОД

ЯНВАРЬ / 2011

bullet

А свадьба пела и плясала…

ФЕВРАЛЬ / 2011

bullet

Апантаны музыкай: аўтарскі вечар Я. Паплаўскага

bullet

Вялізны інструмент з таўстымі струнамі

bullet

Памяти великой певицы: к 107-летию Л.П. Александровской

bullet

Концерт цимбальной музыки «От простого…»

МАРТ / 2011

bullet

«Часовые пояса» Московской консерватории: встреча с В.В. Березиным

bullet

Композиторский детектив: бывают ли среды по пятницам?

bullet

Музыкальный мир Ф. Листа-аббата

bullet

Минск – Тбилиси: есть контакт

bullet

Беларусь – наша песня

bullet

Молодая классика. Концерт оркестра "Молодая беларусь"

bullet

Солистам, заслуженным и их концертмейстерам браво!

bullet

Концертмейстер: пианист или «оркестр»? Мастер-классы Б. Блоха

bullet

Быть русским – это культура: мастер-классы Б. Блоха

bullet

Любовь в каждом звуке. вечер вокальной лирики

bullet

Vivat fugue

АПРЕЛЬ / 2011

bullet

XIII конкурс на лучшую обработку народных тем

МАЙ / 2011

bullet

Матылькі ці трэлі д’ябла?

СЕНТЯБРЬ / 2011

bullet

Жизнь – театр: о работе театральной студии

ОКТЯБРЬ / 2011

bullet

Симфония. И не только!

НОЯБРЬ / 2011

bullet

Вулканическая энергия юбиляра: к 70-летию Е.П. Гладкова

bullet

Контрабас «с концепцией»

bullet

Памяти Педагога, Музыканта, Человека: К 90-летию В.Н. Воротникова

ДЕКАБРЬ / 2011

bullet

"Але хто ж яе пачуе?": Канцэрт да 120-годдзя М. Багдановіча

bullet

Путешествие «по романтизму»: концерт М. О'Рурка

bullet

В ансамбле с профессионализмом и новизной

МАРТ / 2012

bullet

В подарок зрителям! Беларусь - Венесуэла

bullet

Брависсимо, Мирон Иванович! Концерт к юбилею М.И. Булы

АПРЕЛЬ / 2012

bullet

белорусско-шведский ансамбль «Morph» в Мальмё

СЕНТЯБРЬ / 2012

bullet

К 90-летию со дня рождения Г.С. Глущенко

bullet

второе рождение "Седой легенды" Дмитрия Смольского

ОКТЯБРЬ / 2012

bullet

НА ПУТИ К МАСТЕРСТВУ

ДЕКАБРЬ / 2012

bullet

Vivat, Alma Mater!

АПРЕЛЬ / 2013

bullet

СНТО. МАЛЕНЬКИЕ ОТКРЫТИЯ И НОВЫЕ ПЕРСПЕКТИВЫ 

МАЙ / 2013

bullet

БЕССМЕРТИЕ АРКАДИЯ БЕССМЕРТНОГО: О ПРОФЕССОРЕ - ЗВУКАМИ СКРИПКИ

ИЮНЬ / 2013

bullet

МОЛОДЁЖНЫЙ ЛЮБИТЕЛЬСКИЙ ХОР "ВИССОНЪ"

 

Академия старинной музыки – 2010

С 15 по 21 февраля 2010 г. в Белорусской государственной академии музыки проводилась VI Академия старинной музыки. Эти курсы высшего исполнительского мастерства ежегодно организуются с целью повышения  исполнительского уровня студентов, для расширения творческих контактов с ведущими представителями в области старинной музыки. 

Вы любите слушать, играть барочную музыку? Или, может быть, хотите больше о ней узнать? Тогда добро пожаловать в Академию старинной музыки! Что это такое? Возможно, год назад я бы только пожала плечами в ответ. Как оказалось, этот фестиваль, а вернее курсы исполнительского мастерства, проводятся не первый год. В Академии уже давали мастер-классы профессора Университета музыки и искусств Граца (Австрия), Королевской консерватории Парижа (Франция), участники мюнхенской «Новой придворной капеллы» (Германия). В этом году гостем Академии стал профессор Венского университета музыки и искусств Георг Хаманн (Georg Hamann).

Георг Хаманн – первый альт Венского камерного оркестра, участник Арон квартета который признан одним из лучших в Австрии. Одним словом, настоящий мастер  струн и смычка, он даёт концерты в европейских странах, США, Израиле и Японии как скрипач (барочная и современная скрипка) и альтист. В программах его выступлений представлены произведения композиторов различных эпох – от барокко до современности. Среди них Г. Муффат, Р. Бисхоф, И.Г. Шмельцер, Г. фон Айнем, Ф.А. Хоффмайстер, Г.К. Штекель, Б. Зульцер и др.

В программу VI Академии старинной музыки вошли ежедневные мастер-классы австрийского профессора, ансамблевые занятия и самостоятельные занятия на клавесине.

Хаманну не впервые давать мастер-класс – известный профессор уже бывал в консерваториях многих стран. Очень эмоциональный, непринуждённый, он и от своих учеников требует той же естественности, раскрепощённости, подкрепляя свои слова мимикой, жестами, так что, даже не владея в совершенстве немецким, можно понять смысл сказанного. «Исполнитель не должен быть просто машиной, издающей звуки. Инструмент – часть тела исполнителя», – вот его главные пожелания.

Одной из ярких точек фестиваля стало выступление самих мастеров: Владимир Невдах (клавесин), Георг Хаманн (скрипка), Томара Рэмез (сопрано) и Жанна Варламова (ф-но). Прозвучали произведения Г.И.Ф. Бибера, Г.Ф. Генделя и Р. Шумана. Три фантастические пьесы Р. Шумана подходили по своему настроению к Сонате-мистерии Бибера из сборника «Пятнадцать мистерий из жизни Марии», каждая из которых имеет программу – гравюру с текстом из Библии. Генрих Игнац Франц Бибер – один из самых образованных людей своего времени (вторая половина XVII века). Свою «мистическую» сонату он посвятил Кеплеру, знаменитому астроному, физику, математику. Произведение пронизано барочной символикой – 2772 такта сонаты (как 27 книг Нового Завета и 72 книги Священного писания латинского варианта библии), символы Солнца и Луны (Иисус и Мария), распятия. Та же символика числа 27 (столько раз проводится тема) в Пассакалии для скрипки соло.

Голоса птиц, марширующие мушкетёры и «кошачий концерт» – и это не зарисовка художника-авангардиста, не кадр из мультфильма, а Sonata representative Бибера! Вот где исполнители смогли расслабить свои «туго завязанные галстуки», шутить и строить гримасы, намеренно «подъезжая» под ноту или на glissando «съезжая» с неё. А зрители получили удовольствие от возможности самим поучаствовать в исполнении этого произведения, отбивая ногами чеканный ритм шага мушкетёров в последней части сонаты.

Результат же недельных трудов учеников и учителей – концерт студентов Академии старинной музыки, апофеозом которого стало совместное исполнение всех участников фестиваля вместе с профессором Хаманом мотета А. Вивальди. Солировала С. Воронова, музыковед пятого курса, порадовавшая исполнением сложнейших пассажей достойным оперной примадонны.

Участники Академии не остались без подарков. Помимо дипломов, торжественно врученных В. Невдахом, гость одарил скрипачей австрийскими струнами, тщательно подбирая их под цвет глаз.

Под занавес всего действа Георг Хаманн пригласил наших студентов в Вену с ответным визитом и выразил надежду приехать в Минск в следующем году со своими студентами. Что ж, будем ждать новых совместных проектов! 

Анастасия Коновалова

(I курс, отд. музыковедения)

 

ВЕЛИЧЬЕ ИХ ВЕЛИЧЕСТВА: ОРГАНА, БАХА И ФИСЕЙСКОГО [Концерт в Белорусской государственной филармонии из цикла «Шедевры мирового органного искусства», 25 февраля 2010 г.]

Талантливый музыковед, кандидат искусствоведения, доцент Академии музыки Ольга Парфёновна Савицкая совместно с президентом Центра органного искусства им. В. Одоевского, официальным представителем Британского Королевского колледжа органистов в странах Восточной Европы, почётным членом ряда зарубежных музыкальных обществ Александром Владимировичем Фисейским в 2006 г. организовали цикл концертов «Шедевры мирового органного искусства». За эти годы состоялось более тридцати концертов, в которых приняли участие органисты мирового уровня: Иоганнес Гефферт, Марек Стефаньски, Иштван Матиаш, Пьер Дамиано Перетти, Рональд Эбрехт, Пьер-Ив Флёри, Юрген Эссль, Михаил Мищенко, Людмила Голуб, Роман Перуцки и, конечно, наш белорусский органист Константин Шаров. Александр Фисейский также отчасти «наш» – он был вторым «хозяином» органа, установленного в столичной филармонии.

Страничка истории: три «отца» одного «дитяти».

Построенный чешской фирмой Rieger-Kloss в 1963 г., орган высотой с трёхэтажный дом даже по меркам больших органов является одним из самых монументальных: 4 мануала, педаль, 6 600 труб (от 6 мм до 6 м), да ещё и редкие, так называемые испанские, горизонтальные трубы! Благодаря громадным возможностям регистровки этот «король звуков» является универсальным инструментом, на нём одинаково хорошо могут быть исполнены старинные произведения мастеров эпохи барокко, классико-романтические и современные сочинения. Константину Шарову, выпускнику Белорусской и Латвийской консерваторий, стажировавшемуся в Риге, наше «дитя» доверилось в 1985 г., а тогда, в 1963-м, «отцом», ответственным за судьбу инструмента, стал выпускник Московской консерватории, впоследствии один из ведущих мировых органистов, народный артист России, профессор, выдающийся композитор Олег Янченко.

– За 10 лет, проведенных в Минске, – рассказывает Ольга Савицкая, – этот невероятно одарённый человек, обладавший огромной трудоспособностью, сумел установить высочайшую исполнительскую планку. Выступления Янченко в качестве солиста-органиста, ансамблиста, дирижёра им же основанного и недавно отметившего свое 40-летие камерного оркестра Республики Беларусь всегда отличались исключительно интересными, новыми, хорошо продуманными программами. Его преемником стал Александр Фисейский, также выпускник Московской консерватории (между прочим, с отличием – по классу фортепиано и органа). Человек вдумчивый, основательный – за что бы ни взялся, обязательно доведёт до совершенства. Он жил и работал в Минске 8 лет.

Страничка биографии: самый долгий концерт в мире

Александр Владимирович Фисейский в настоящее время возглавляет кафедру органа в Российской академии музыки им. Гнесиных. Несмотря на огромную занятость в области педагогической работы, Фисейский ведёт активную концертную жизнь, принимает участие в таких престижных музыкальных фестивалях, как «Русская зима», «Московские звезды», «Пражская весна», «Киссингенское лето», а также органных форумах в Токио, Гамбурге, Вене, Вашингтоне, Варшаве, Эдинбурге, Париже, Люцерне. Он с блеском исполняет как сочинения прошлых веков, так и современные произведения; особой его заслугой стали циклы концертов «Все органные сочинения И.С. Баха» и «Антология органной музыки». Имя Фисейского внесено в книгу рекордов России: один из концертов, в котором были представлены все органные произведения Баха, длился практически без перерыва 19 часов! Нынешний концерт длился положенные два часа «с хвостиком», но если добавить к ним репетицию, на которой мне посчастливилось побывать, и умножить полученное на поистине огромное впечатление, то не только художественный, но и математический результат побьёт книги рекордов России и Гиннесса.

Страничка технологии: как это сделано «изнутри»?

При личном знакомстве с маэстро меня поразили его удивительная скромность, сосредоточенность и какая-то таинственная углублённость в себя. Каждое произведение, которое должно было быть исполнено на концерте (а это могучая и громогласная, нежная и неземная музыка гениального Иоганна «Себастьяныча»), Фисейский с особенной любовью воскрешал, по-новому их региструя, находя именно тот вариант, который в наибольшей мере позволял одухотворить произведение.

Следя за ювелирной работой мастера органной звукописи, я заметила маленькую дверцу, находящуюся прямо за органом. Неужели потайной ход? Почувствовав себя детективом, осторожно заглянула туда и ощутила… какое-то шевеление. «Орган – живой?» пронеслось в голове. Все оказалось гораздо прозаичней: я увидела одетого в рабочий костюм человека. И начала подробные расспросы: что и как устроено. Мой экскурсовод, надо отдать ему должное, с особой приветливостью рассказал о механизме звуковоспроизведения и показал его. Огромные меха инструмента раздуваются с помощью электронной пневматики (по-гречески рneuma означает воздух, дыхание). Для того чтобы «лёгкие» органа не пересыхали, внутри него стоит большой таз с водой, поддерживая необходимую влажность. «А зачем тут зеркало?» не удержалась я, удивившись своему отражению. Мне с улыбкой ответили «просто так», но я нашла своё объяснение: чтобы посетители не забывали о своем внешнем виде, а то король инструментов может обидеться. Поправив причёску, с волнением начала подниматься по крутым ступенькам, ведущим далеко-далеко наверх. Наконец, оказавшись на «втором этаже» органа, увидела огромное количество разноликих труб. «А можно ещё выше?» «Можно, но там больше нет ничего интересного». Однако и на третьем этаже оказалось множество удивительных вещей: во-первых, я никогда раньше не видела таких маленьких, стоящих ровной горочкой трубочек, во-вторых, сквозь этот частокол зрительный зал и сцена были словно на ладони, а звуки музыки, заставляющие трепетать сердца сидящих в зале, внутри инструмента действовали просто ошеломляюще! Я начала ощущать себя живой жилкой огромного музыкального организма. Чтобы окончательно не раствориться в этом органном зазеркалье, спустилась из горнего мира в реальность всё по той же крутой, где и двоим не разминуться лестнице, и продолжила слушать «разминку» Фисейского перед концертом, а затем и сам концерт.

Страничка впечатлений: какого «цвета» тембр органа?

Зрительный зал был заполнен до отказа. Постепенно гасли огни тысячеламповых люстр, сотни зрителей, ожидающих необыкновенного, завораживающего звучания короля инструментов, затихли. На ярко освещённой сцене появилась Ольга Савицкая. Как истинный музыковед, она эмоционально, абсолютно свободно, без традиционных шпаргалок, вложенных в красивую папку, которыми пользуются обычно ведущие, изложила интересные факты из творческой жизни органиста и истории создания баховских сочинений. Слушатели с благодарностью внимали познавательному рассказу. Но вот на сцену скромно, будто только «приличия ради», вышел маэстро, и, коротко кивнув публике, отправился к своему самому близкому многотрубному другу.

Отгородившись от мира сего, уйдя в глубь барокко, Фисейский начал концерт с Прелюдии и фуги До мажор. У слушателей органной музыки иногда бывает такое состояние, когда после первых звуков они перестают воспринимать окружающее, чувствуя и «вкушая» эти звуки каждой клеточкой организма. Приблизительно такое ощущение возникло у меня при первых аккордах прелюдии. Потрясающе подобранные регистры придали звучанию торжественность и величавость, а гулкая педаль – объём и глубину. Фантазия и фуга ля минор заворожили новым таинственно шелестящим тембром, в «цвете» которого можно было угадать звуки флейты и ксилофона. Исполняя фугу, органист применил особый интеллектуальный подход к ее прочтению, чёткость каждого звука темы прослеживалась вне зависимости от того, в каком голосе она проводилась. Программа концерта была составлена очень грамотно: монументальные полотна прелюдий и фуг сменялись камерными хоральными обработками, и вновь величественные пассакалии возбуждали дух, эффектно, по-барочному контрастируя с ними. Завершила первое отделение концерта Фантазия и фуга соль минор, в этом труднейшем для исполнения сочинении органист смог в полной мере показать виртуознейшую педальную технику.

Во втором отделении прозвучал ряд произведений, среди которых – Токката, адажио и фуга До мажор. В манере исполнения этого импровизационного сочинения возникло ощущение свободного музицирования, Александр Владимирович полностью отдавался музыке, под его мастерской рукой словно по кирпичикам выстраивалась концепция творения Баха. Благодаря Ольге Савицкой аудитория узнала о триофактурной технике, примененной Бахом в хоральной обработке «Слава в вышних Богу», когда два верхних (детских) голоса «разговаривают» с нижним педальным (родительским). Это сочинение стало замечательным интермеццо, оттенившим финальный номер программы – масштабную и глубоко философскую Пассакалию до минор. Тема и двадцать вариаций позволили в одном сочинении проявить исполнительский талант с разных сторон: смена регистровки на протяжении пассакалии говорила о многообразии творческих приёмов органиста, яркая педальная техника просто изумляла, необыкновенно продуманная, чётко выстроенная драматургия заставляла зрительское воображение рисовать образы, равные по значимости страстям Христовым. С последним аккордом, будто присоединяясь к монументальному звучанию финального произведения и продолжая его, публика начала аплодировать. Духовное сближение людей выразилось в едином потоке оваций, вызывавших маэстро несколько раз. Исполненное на бис Аllegro maestoso из Второй сонаты Мендельсона дало публике возможность ещё раз насладиться звучанием Его Величества Органа.

Следующий концерт из цикла «Шедевры мирового органного искусства» состоится 28 мая 2010 г.. Ждём вас с нетерпением!

Ирина Машковская

(III курс, отд. музыковедения)

 

Мастер-класс ТЕССЫ СУТЕР

1 марта 2010 г. в Академии музыки состоялся мастер-класс известной американской джазовой певицы, композитора, поэтессы Тессы Сутер (Tessa Souter, http://www.tessasouter.com/). Мероприятие проводилось при поддержке Посольства США в Республике Беларусь.  

Тесса Сутер родилась в интернациональной семье, ее отец – гражданин Тринидада, а мать – англичанка. Тесса поёт с трех лет, но лишь в 1996 году она приехала в Нью-Йорк, где начала посещать репетиции джазовых музыкантов. Это произвело на Тессу настолько сильное впечатление, что в 1998 году она добилась стипендии в нью-йоркской школе музыки в Манхэттене (Manhattan School of Music), параллельно занимаясь джазовым вокалом у легендарного вокалиста Марка Мэрфи.

«Вокалистка, композитор и поэтесса из Нью-Йорка привносит в американский джаз душу и вдохновение фламенко, индийской музыки и музыки Средней Азии. Нет ничего, что не смогла бы совершить Тесcа», – восхищается джазовый критик Уилл Фридвальд. Смогли убедиться в этом и  мы, побывав на мастер-классе, который прошёл 1 марта 2010 г. в Белорусской государственной академии музыки.

Уже до начала мастер-класса в концертном зале собралось огромное количество студентов из разных учебных заведений. С первых же минут своего появления Тесса зажгла всех своей эмоциональностью и непосредственностью. Ей очень быстро удалось поднять всех зрителей с места, приглашая каждого из присутствующих принять участие в различных упражнениях, актерских приемах для расслабления и раскрепощения. Вместе соединились пластика движения и зажигательность джазовой импровизации.

Певица охотно делилась своими впечатлениями об исполнении мастеров джазового вокального искусства, давала советы начинающим молодым исполнителям. В конце мастер-класса, по просьбам студентов, Тесса исполнила одно из своих произведений, которое было горячо принято публикой.

Всем зрителям надолго запомнился яркий и живой мастер-класс, который подарила нам Тесса.

Марта Данусевич

(I курс, отд. пения)

 

«КАБ ГУЧАЛА БЕЛАРУСКАЯ МУЗЫКА»: канцэрт камернай музыкі ў выкананні Б.М. Бергера

1 сакавіка 2010 года ў зале другога корпусу Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі адбыўся канцэрт камернай беларускай музыкі ў выкананні прафесара кафедры фартэпіяна, выдатнага піяніста Барыса Міхайлавіча Бергера. Гэты вечар быў прысвечаны творчасці кампазітараў, якія працуюць або працавалі на кафедры інструментоўкі і чытання партытур ў Акадэміі. Ён стаў працягам добрай традыцыі, закладзенай Барысам Міхайлавічам больш як 30 гадоў таму, – знаёміць слухачоў з родным музычным мастацтвам.

Ужо доўгі час на самых розных сцэнах (і не толькі нашай краіны!) Б.М. Бергер выконвае беларускую музыку: зацікаўлена, шчыра, з любоўю. У яго рэпертуары – творы прадстаўнікоў некалькіх пакаленняў беларускіх кампазітараў: найслыннага майстра, класіка айчыннай музыкі Анатоля Васільевіча Багатырова, яго вучняў Віктара Войціка, Мікалая Літвіна, Леаніда Захлеўнага, Ігара Лучанка, яго творчых «унукаў» Вячаслава Кузняцова, Уладзіміра Каральчука, Сяргея Янковіча і многіх-многіх іншых.

Кожны свой канцэрт, як распавядае Бергер, ён пачынае творам Багатырова – «як Настаўніка». З заснавальнікам сучаснай беларускай кампазітарскай школы Бергер не толькі быў знаёмы, але і сябраваў. «Я заўсёды любіў сачыненні Багатырова, – гаворыць Барыс Міхайлавіч, – выконваў, дарэчы, усе яго творы для фартэпіяна, а гэта каля дзвюх гадзін гучання». Менавіта з-пад пальцаў Бергера ўпершыню са сцэны прагучаў і цыкл А. Багатырова «24 прэлюдыі». Чатырма з іх пачаўся і цяперашні канцэрт: былі выкананы прэлюдыі № 1 (для левай рукі), № 12 (прысвечаная Барысу Бергеру), № 21 (памяці Міхаіла Бергера – цудоўнага музыканта, бацькі Барыса Міхайлавіча) і № 24.

Свет беларускай фартэпіяннай мініяцюры, прадстаўлены на канцэрце, аказаўся разнастайным. Як у калейдаскопе змяняюцца колеры і ўзоры, так змяняліся «падзеі» і настроі на сцэне: песеннасць, раманснасць накцюрнаў Леаніда Захлеўнага; яркасць, «народнасць» «Трох вясковых замалёвак»  Вячаслава Кузняцова; весялосць, вяртанне ў дзяцінства ў п’есах Уладзіміра Дамарацкага («Успаміны дзяцінства», «Вясёлае падарожжа», «Жарт»); разважлівасць, напружанасць у творах Валерыя Іванова («Роздум», «Крокі ў ночы»); танцавальнасць, характарнасць у «Нарвежскім танцы» Яўгена Дзягцярыка; энергічнасць, маторнасць «Ронда» Мікалая Літвіна; імпрэсіяністычнасць, вытанчанасць п’ес Дзмітрыя Лыбіна («Прэлюдыя» – на белых клавішах, «Мазурка», «Пастараль» – на чорных клавішах, «Вальс»); маляўнічасць прэлюдый Віктара Войціка; натхнёнасць і непаўторнасць Вальса і Танца з оперы Уладзіміра Солтана «Дзікае паляванне караля Стаха», складзеныя ў Парафраз самім Б. Бергерам.

Менавіта на гэтым канцэрце ўпершыню прагучалі Накцюрн Леаніда Захлеўнага, «Гумарэска» Сяргея Янковіча, Дзве п’есы Уладзіміра Каральчука. Завяршалі ж праграму тры прэлюдыі з цыклу «12 прэлюдый» Ігара Лучанка.

Барыс Міхайлавіч – тонкі музыкант, ён «малюе» шчыра і глыбока. Вельмі ўразіла і дзіўная энергетыка майстра: сяброўская, душэўная атмасфера, што ўсталявалася з пачаткам канцэрта, не пакідала залу да яго завяршэння. Таму нядзіўна, што слухачы не адпускалі выканаўцу: «на біс» прагучаў Вальс з музыкі да тэлесерыяла рэжысёра Уладзіміра Арлова «Проклятый уютный дом» (транскрыпцыя Б. Бергера).

Дзякуй, Барыс Міхайлавіч, што вы не толькі чулы настаўнік, выдатны піяніст, але і мастак, намаганнямі якога ажыццяўляецца важная творчая задача – збіранне і папулярызацыя нацыянальнай класікі.

Настасся Вікторчык

(III курс, аддз. музыказнаўства)

Цикл лекций профессора И.А. Кряжевой «Новое музыкальное Возрождение в Испании (конец XIX – первая половинА XX века)»

Начало календарной весны в Белорусской государственной академии музыки ознаменовалось радостным и замечательным событием: с серией лекцией по истории музыки из Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского прибыла Ирина Алексеевна Кряжева. Основная сфера научных интересов доктора искусствоведения, профессора И.А. Кряжевой – история музыки Испании и стран Латинской Америки. Она является автором более 30 опубликованных на русском и испанском языках работ, в том числе нотных публикаций. Отметим, в частности, участие И.А. Кряжевой в подготовке двухтомного труда «Очерки истории латиноамериканского искусства», в создании учебного пособия «История зарубежной музыки. ХХ век». Цикл лекций, прочитанный в нашей Академии 1–3 марта 2010 г.,  был посвящён занимательной и малознакомой для большинства белорусских музыкантов теме музыкальной жизни Испании конца XIX первой половины XX вв. Эта тема оказалась одинаково притягательной как для педагогов, так и для студентов самых разных специальностей: музыковедов, композиторов, пианистов, хоровиков. Студенты 3 курса отделения музыковедения зафиксировали самое интересное в своём дневнике наблюдений.

Лекция первая. Предпосылки, идеология и эстетика Нового Возрождения в Испании (Творческая и научная деятельность Фелипе Педреля. Исаак Альбенис в контексте позднего романтизма)

В первый день Ирина Алексеевна Кряжева вела разговор об эпохе Нового музыкального Возрождения в Испании, о предпосылках её возникновения и идеологии. С самого начала лекции слушатель был погружён в атмосферу самобытной музыкальной культуры Испании. Рассказ профессора дал возможность поближе познакомиться с сарсуэлой – испанской разновидностью музыкально-сценического представления, ведущей историю с XVII века и нашедшей своё продолжение уже в романтическом контексте XIX века. Особое внимание было уделено творческой и научной деятельности всемирно известного музыкального деятеля Испании, автора манифеста «За нашу музыку» (1891 г.) Фелипе Педреля. Перед слушателем также предстали фигуры знаменитых испанских композиторов последней трети XIX – начала XX века Энрике Гранадоса, Мануэля де Фальи и Исаака Альбениса, именем которого назван 2009 год в Испании. Музыка фортепианного цикла «Иберия» И. Альбениса покорила присутствующих своей красочностью, яркостью образов, экзотическим колоритом. В первый же день, как метко подметила профессор Т.С. Якименко, И.А. Кряжева смогла «влюбить в Испанию за полтора часа».

Лекция вторая. Неофольклоризм в Испании – балеты М. де Фальи 1910-х гг. («Любовь-колдунья», «Треуголка» в «Русских сезонах»)

Во второй день творческой встречи слушатели познакомились с испанской культурой в новом ракурсе – на примере двух балетов М. де Фальи. Композитор в своём творчестве синтезировал современные принципы письма и национальные традиции. Из рассказа И.А. Кряжевой стало известно, что история развития темпераментного испанского танца, который наследует древние традиции народного искусства в Европе, началась с сante jondo – жанра, в котором произошла ассимиляция византийских традиций литургического пения и цыганских напластований. В более позднем жанре cante flamenco ярко проявились и цыганский компонент, и влияние сегидильи.

Большое внимание было уделено воздействию И. Стравинского на творчество М. де Фальи, особенно в области трактовки тембра и ритма. В балете «Любовь-колдунья» (1915) подчёркивалось влияние русского ориентализма, а также своеобразное преломление идей неофольклоризма И. Стравинского и Б. Бартока. Как выяснилось, М. де Фалья был поистине знатоком русской музыки и ценителем её традиций: он изучал основы оркестровки Н. Римского-Корсакова, партитуры М. Глинки, А. Бородина, что повлияло на оркестровое мышление композитора. Близкое знакомство М. де Фальи с русской культурой произошло во время проведения «Русских сезонов» С. Дягилева. В 1916 г. Дягилев вместе со своей труппой отправляется в Испанию, где зарождается идея создания испанского балета с присущими для жителей этой страны темпераментом, страстью и энергией. Воплощением дягилевской идеи стал балет «Треуголка» (1919), который во многом предвосхитил неоклассические тенденции в испанской музыке. Лектор также изложила историю росписи П. Пикассо красочного занавеса, погружающего зрителя в атмосферу корриды, жгучей, опасной и столь притягательной Испании.

Ирина Алексеевна подарила слушателям интересную и занимательную лекцию о музыке М. де Фальи, насыщенную яркими иллюстрациями. Единственным огорчением для нас стало отсутствие видеоматериалов балетов, которыми так заинтересовала исследовательница испанской культуры.

Лекция третья. Метаморфозы национального – неоклассицизм М. де Фальи 1920-40-х гг. (опера «Балаганчик маэсе Педро», Концерт для клавесина и ансамбля инструментов, оратория «Атлантида»)

Логическим продолжением и вместе с тем прекрасным завершением испанской темы явилась третья, заключительная лекция. Раскрывая сущностные аспекты эволюции творчества М. де Фальи, И.А. Кряжева рассказала о втором этапе его творчества, который был тесно связан с принципами и стилистикой музыкального неоклассицизма. Наиболее показательным для этого периода произведением была названа опера «Балаганчик маэсе Педро» (1919). В высшей степени заинтересованное и потому увлекательное повествование всё глубже погружало аудиторию в богатый и интересный мир музыки М. де Фальи. Лектор со всей обстоятельностью и в то же время в духе живого и одухотворенного рассказа подробно осветила перед слушателями историю создания этого сочинения, глубоко раскрыв идейное и образное содержание соответствующего эпизода из романа Сервантеса, особенности его музыкально-сценической трактовки композитором. Опера «Балаганчик маэсе Педро», тесно связанная с традициями кукольного представления, является по мнению И.А. Кряжевой образцом нового для своего времени типа условного театра представления, обладающего двойной организацией сценического пространства (феномен «театр в театре»), – всё это, что немаловажно, было показано в контексте художественных исканий XX века. Предложенные музыкальные фрагменты прекрасно проиллюстрировали тезисы об обращении композитора к стилистике прошлого, в том числе к музыкальной культуре эпохи Сервантеса через использование музыкальных символов (гальярда, фанфары, цитата из трактата XVI века). Следуя повествованию лектора, слушатели смогли вникнуть в специфику музыкального языка оперы, понять составляющие сложного стилистического синтеза партии Мальчика-комментатора, проследить оперные прототипы образов Дон Кихота и других героев, раскрыть загадку тонального плана оперы.

В совершенно иной ипостаси был представлен творческий лик испанского композитора в Концерте для клавесина и ансамбля инструментов (1926). Это сочинение М. де Фальи, в отличие от предыдущих, является образцом чистого инструментализма и ярким художественным воплощением идеи дегуманизированного искусства, идеи, которая витала в воздухе и была подхвачена композитором. Многие слушатели смогли впервые ознакомиться с аудиозаписью Концерта, понять особенности его концепции, ориентированной на структуру барочного трёхчастного концерта, ощутить влияние испанского мистицизма.

Постскриптум

Экскурс в музыку Испании, осуществленный профессором Ириной Алексеевной Кряжевой, думается, оказался очень познавательным и ценным не только для студентов нашей Академии, но и для преподавателей, позволил расширить музыкальный кругозор и, возможно, открыл для кого-то новые горизонты. В проведении лекций хотелось бы отметить содержательность, безупречную логическую выстроенность материала в сочетании с блестящим свободным стилем его изложения. Эстетическое наслаждение доставлял уже сам глубокий и завораживающий тембр голоса докладчицы, превосходное произношение испанских терминов, имён и названий, которые специфически, а порой загадочно звучат для нашего уха. Помимо изложения основных вопросов, касающихся музыки Испании, интересными были стихийные дополнения и уточнения, освещающие некоторые стороны менталитета испанцев, ощущалось присущее лектору глубокое понимание нравов и обычаев носителей испанской культуры. Чрезвычайно ценным оказалось и то, что Ириной Алексеевной был использован богатый и очень редкий наглядный материал в виде старых фотоснимков, репродукций портретов, эскизов костюмов и декораций к музыкально-сценическим представлениям. И, конечно, было много ярких музыкальных иллюстраций, которые вводили слушателей в своеобразную атмосферу испанской культуры.

Дневник вели музыковеды III курса Алина Рогачёва (лекция первая),

Елена Фогт (лекция вторая),

Валерия Рыдкина (лекция третья, вступительная часть и постскриптум)

 

Весенний портрет к юбилею

9 марта 2010 г. народной артистке СССР, профессору Тамаре Николаевне Нижниковой исполняется 85 лет. От всей души поздравляем!

Певица, замечательный педагог, мать троих детей, бабушка, и, наконец, просто женщина. Есть ли что-то, чего она не может?! Родившаяся весной, она сама напоминает солнечный весенний день. Среди вереницы поздравлений у Тамары Николаевны, к счастью, нашлось несколько минут для неформальной беседы.

 О профессии

– Вы с детства мечтали стать певицей?

– Я всегда пела, любила танцевать. У моего отца был удивительно красивый славянский тенор, он был солистом в церкви, выступал по радио с украинскими песнями. Пел музыкально, выразительно! Очень хотел, чтобы я стала певицей. Да и у мамы тоже красивый голос был. А я ещё девчонкой мечтала об авиации, хотела быть инженером-конструктором. Мама боялась, что однажды я спрыгну с парашютом. Потом я заинтересовалась медициной и в 1943 году даже поступила в военно-медицинскую академию!

– А каким вспоминается сегодня Ваш первый выход на большую сцену?

– Теперь уже сложно вспомнить. Я много пела «Севильского цирюльника». Весь Союз объездила с «Севильским цирюльником» и «Риголетто».

– Розина – ваш любимый персонаж?

– Да, Розину очень люблю. Это всегда была моя визитная карточка. Даже сегодня, спустя столько лет, ночью меня разбуди – все помню! Я как-то всегда чувствовала эту роль. Очень любила и Виолетту. Это, конечно, серьезная партия. Думаю, она требует зрелости. Лакме… Лакме было петь непросто, партия огромная, сложная, три действия и во втором – ария с колокольчиками! Спасало обаяние, молодость и хорошая школа. Надежная школа!

– Сложно ли Вам было начинать педагогическую деятельность?

– Нет, не сложно. Я была к этому с юности готова. Я хорошо владела инструментом, профессор часто просила меня распеть кого-нибудь из учениц, задавала вопросы. Она всегда говорила: «Тамарочка, обрати внимание на педагогику! Из тебя хороший педагог может получиться!». Преподавать я начала, когда ещё в театре пела, где-то в 1963 году. Сначала работала на треть ставки, потом больше. Сложно совмещать было, ведь и пение и преподавательская деятельность требует полной отдачи.

– Оперу считают элитарным искусством. Как Вы думаете, выживет ли опера в современном мире и какое её ожидает будущее?

– Я считаю, у оперного искусства, безусловно, есть будущее. Как бы там ни было, всё возвращается к классике!

– Каким Вы видите современное оперное искусство?

– Честно говоря, я на распутье, даже не знаю, что и думать. Сейчас много ультрасовременных постановок, но я все-таки за классическую трактовку произведений. Хочется, чтобы на сцене все было красиво и благородно, персонажи были реалистичны и искренны. Конечно, кому-то нравится один глаз, кому-то – три, а вот мне два – в самый раз!

О жизни

– Тамара Николаевна, Вы родились в Самаре. Никогда не жалели о том, что переехали в Минск?

 Нет, я очень люблю Минск. В первый раз я приехала сюда ненадолго и почти сразу нас с мужем командировали в Албанию, где мы прожили два с половиной года. Я много путешествовала, всегда была занята. То лечу, то плыву, то еду. Мне всегда нравилась Москва, но Минск все-таки спокойнее, нет здесь такой суеты.

 Что Вы цените в людях?

 Человечность, честность, доброжелательность.

 Как-то не очень ассоциируется с театром. Чаще на ум приходит слово «интрига».

 Не знаю, я в таких вещах никогда не участвовала. Есть сцена, выходи и показывай, на что ты способна. Хочешь быть первой – пожалуйста, я буду второй. Хочешь быть второй, – я буду третьей, а там видно будет (а вдруг третья лучше первой окажется!). К тому же, я никогда не ставила себя выше других, я знала, что есть много достойных, талантливых людей, которым есть что показать. И потом, на интриги просто не было времени! У нас однажды за один год 9 премьер было. Какие уж тут интриги!

 Как бы вы описали себя в трех словах?

 Сильная, обаятельная, волевая. Для меня всегда особое значение имели честь, совесть и достоинство! Я прожила очень реальную жизнь, никогда не летала в облаках, никогда не мечтала о несметных богатствах. Мои бриллианты – это мои дети!

 У Вас за плечами долгая жизнь, а можно ли Вас сейчас чем-то удивить?

 Пожалуй, нет. Уже ничем. Я только многое теперь предвижу и часто говорю себе, что люди не меняются, продолжают наступать на одни и те же грабли.

 А как бы Вы охарактеризовали наше сегодняшнее время?

 Я счастлива, что родилась в XX веке, ведь это был век грандиозного прогресса для человечества. Могли ли мы предположить, что будем жить в таком комфорте? Хотя, кто знает, возможно именно технологии нас и погубят. А ведь Земля такая красивая! Каждую пору года все меняется, расцветает в новых красках. Сколько всего она дает людям! XXI век я бы назвала неизвестным, агрессивным, пытливым, образованным и бездушным. Духовность дает высокое искусство!

 Вы любите праздники?

 Сейчас уже нет. Нет уже тех физических сил и того запала, который был раньше.

 Какой день рождения был самым ярким и запоминающимся в Вашей жизни?

– (Смеётся). Ну, милая, захотела!!! У меня их целых 85 было!

Напутствие ученикам

 Тамара Николаевна, что бы Вы могли пожелать нынешним молодым певцам и певицам?

 Я очень люблю молодежь. Молодые музыканты должны помнить, что классика – это основа всего. Если научился петь, владеть своим голосом, тогда ты стоишь на двух ногах, можешь пробовать себя в других жанрах, ведь ты владеешь ситуацией. В музыку надо вкладывать душу. Заниматься надо целенаправленно, осваивать профессию так, чтобы быть абсолютно уверенным в том, что ты делаешь, тогда будет и покой, и нервы в порядке. Хочу пожелать молодежи здоровья. Жизнь нам дана одна, ее надо прожить красиво и достойно!

Беседу провела Ольга Перегуд

(V курс, отд. пения)

«МЕЛОДИЯ СЕРДЦА МЕЛОДИЯ СВЕТА»

Под таким названием 11 марта 2010 года в лабиринте «Галерея» Национальной библиотеки Республики Беларусь состоялся литературно-музыкальный вечер, посвященный 200-летию со дня рождения всемирно известного польского композитора Фридерика Шопена. Как известно, нынешний год объявлен ЮНЕСКО годом Шопена. Глава Национальной комиссии ЮНЕСКО В.ГСчастный в своем выступлении подчеркнул, что «деятели культуры проводят мосты между народами, а Шопен – композитор, любимый в нашей стране и известный каждому с детства».

В рамках мероприятия организовывалась художественная выставка «Мелодия света». На ней были представлены живопись, графика, фотографии, керамика белорусских, армянских, немецких художников. «На сотворение всех этих работ авторов вдохновила музыка Шопена, которая звучит во многих мастерских. Музыка и живопись не нуждаются в переводе, и эти работы совмещают цвет и музыку», – прокомментировал глава Международной гильдии художников Ф.А. Ястреб. Также открылась книжно-иллюстративная выставка «Поэт фортепиано». Здесь разместились так называемые краковские издания музыки Ф. Шопена, собранные специальной группой и выпущенные ещё при жизни композитора.

Музыкальный вечер открыл посол Польши в Республике Беларусь Генрик Литвин. В тёплых словах он выразил любовь к музыке родного композитора, который стал всемирно известным благодаря своему необычайному дару «говорить на языке мира». В том же эмоциональном ключе о музыке Шопена, которая «всегда затрагивает душу людей», говорил и директор Детской музыкальной школы № 3 им. Ф. Шопена М.А. Абражевич. Ученики этой школы исполнили ряд сочинений великого композитора: юный Александр Красота исполнил Полонез Ля мажор, а Марина Мороз – Ноктюрн ми минор. Зрители восторженно отзывались о способности детей «услышать» музыку Шопена особенно тонко и чутко.

Среди участников вечера были представлены и выпускники Белорусской государственной академии музыки – лауреат международных конкурсов Дмитрий Власюк и солист Белорусской государственной филармонии Александр Поляков, в исполнении последнего прозвучали Мазурка ля минор и Большой блестящий полонез. Оба виртуоза продемонстрировали высокий уровень мастерства в интерпретации произведений Ф. Шопена и произвели яркое впечатление на публику.

В течение всего концерта переполненный до отказа зал не уставал рукоплескать, восторгаясь музыкой Великого Гения, которая притягивает к себе каждого не равнодушного к музыке человека.

Ольга Селюжицкая

(II курс, отд. музыковедения)

«МУЗЫКА – ЛЮБОВЬ НА ВСЮ ЖИЗНЬ»: к юбилею И.С. Шикуновой

Ирина Семёновна Шикунова – народная артистка БССР (1980), Лауреат Государственной премии БССР (1980), доцент кафедры пения Белорусской государственной академии музыки. С 1964 по 1995 гг. была солисткой НАБТ оперы РБ. В 19701971 гг. стажировалась в Италии при театре «Ла Скала» у маэстро Мерлини. Ирина Семёновна известна не только как выдающаяся оперная певица, но и как исполнительница произведений камерного жанра. Выступала с сольными концертами, гастролировала в Польше, Литве, Украине, Финляндии, Германии, России. Её воспитанники – лауреаты и дипломанты международных конкурсов, солистки Национальной оперы, Белорусского государственного музыкального театра, преподаватели по классу вокала. Среди них Е. Сало, Т. Петрова, Т. Ремез, С. Стародетко, Л. Кузьмицкая, Е. Золова-Гаврильчик и многие другие.

15 марта 1940 г. на Любанщине в семье крестьян родилась маленькая девочка Ира. Как и все дети ходила в школу. Но ещё тогда никто не догадывался, что увлечение пением перерастёт в настоящую любовь к музыке, любовь на всю жизнь.

– Моей первой учительницей, – вспоминает Ирина Семёновна, – была Анна Николаевна. Уже в детстве я любила петь. Уйдут все из дома, а я открываю настежь окно и заливаюсь соловьём. Как и все девочки любила переодеваться в мамины платья. Помню, по радиоточке услышала отрывок из «Евгения Онегина» Чайковского и так мне понравилась сцена письма Татьяны, что я быстро выучила её по слуху. Можно сказать, это была моя первая партия. Кручусь перед зеркалом, представляю, что нахожусь на сцене, и пою: «Я к Вам пишу, чего же боле». Ходила в школу, пела в хоре. Как будто и недавно было: стою, пою со всеми ребятами «Амурские волны». А Анна Николаевна дирижирует, всё ближе подходит ко мне, слушает. И после занятия говорит: «Спасибо, девочки. Можете идти. А ты, Ирочка, останься». Тогда меня впервые заметили. Я стала солировать, выступать в клубах, школах. Я росла, а мой голос развивался.

– А почему Вы решили учиться в консерватории?

 Однажды отец принёс газету. Я совершенно случайно прочитала объявление: «Впервые открывается подготовительное отделение пения при консерватории». И решила: поеду прослушаться!

– И Вас приняли?

– Да. Ева Савельевна Дворина мне аккомпанировала, а я, худенькая, в красном платьице, пела «Дым фабричный плывёт…» (поёт). А зальчик такой маленький! И вдруг поднимается мужчина (я только потом узнала, что это был ректор консерватории А.В. Богатырёв) и обращается ко мне: «Вот эта девочка пусть зайдёт ко мне в кабинет». Я пришла, Анатолий Васильевич начал распевать, проверять диапазон. Не хочу хвастаться, но верхние ноты «es», «f» третьей октавы я спокойно брала. А потом сказал: «Будешь учиться в консерватории».

– Ирина Семёновна, расскажите об учёбе в консерватории. Кто был Вашим наставником?

– Я училась у У.Б. Масленниковой, педагога из Молдавии. На 3 курсе попала в оперную студию. Моими учителями были дирижёры И.А. Гитгарц, Ю.Н. Новиков, режиссёры Ю.П. Уженцев, С.А. Штейн. За 3 года я исполнила Катарину из «Укрощения строптивой» Шебалина, Сюзанну из «Свадьбы Фигаро» Моцарта, Недду из «Паяцов» Леонкавалло, Марфу из «Царской невесты» Римского-Корсакова и др. И всё благодаря моим замечательным наставникам и, конечно, моей трудоспособности. Помню, как в 410 классе Гитгарц занимался со мной над Марфой: по 4–5 раз заставлял петь арию, и всё не так, не нравится! Таким был требовательным! А у меня живот от голода крутит, так есть хочется, что нет больше моих сил! И тут долгожданный перерыв. Что Вы думаете? Я на лестницу – и дёру! (смеётся)

– А кто был Вашим  любимым концертмейстером?

– Встреча с Р.М. Рубинштейном, Е.С. Двориной, Д.А. Штыцько запомнилась мне на всю жизнь. Замечательные концертмейстеры, настоящие профессионалы! Помню, как Рафаил Максимович  со мной занимался: пока не отшлифуем каждую ноту, не отпустит. Даже, когда не было классов, умудрялся взять ключ от концертного зала. Так мы работали на сцене, и я за 5–6 уроков выучивала полностью партию.

– Так быстро?

– А что? Хочешь кем-то стать – работай! Хочешь чего-то достичь – трудись!

– Ирина Семёновна, а как Вы попали в театр? Вас кто-то рекомендовал?

– Да никто меня не рекомендовал! Просто очень хотела петь в театре. И всё тут! После консерватории меня распределяли в Гомельское музыкальное училище преподавателем пения, а я хотела в театр. Решилась и пошла прослушиваться.

– Что Вы пели на прослушивании?

– Мими, Иоланту. Д.Н. Смолич внимательно послушал и сказал: «Эту девочку я беру». Так я попала в стажёрскую группу в 1964 году.

– А как Вас приняли в театре?

– Очень хорошо. Меня сразу окружили вниманием и заботой такие заслуженные деятели культуры республики, как Д.Н. Смолич, Ю.П. Уженцев, Т.М. Коломийцева, В.А. Мошенский, С.А. Штейн. Под их чутким руководством я росла, развивалась.

– Расскажите о Вашем дебюте на сцене оперного театра?

– Шли репетиции. Все готовились к премьере «Богемы» Пуччини. Сначала партию Мими мне не давали, но я всё равно ходила на спевки слушать. Тогда я числилась Мюзеттой. И вдруг заболела Тамара Ивановна Шимко. Героини нет. Что делать? И я попросила спеть арию. Этот образ, тонкий, трогательный, душевный. Фиалка среди булыжной мостовой Монмартра – вот какая для меня Мими. И после того, как я спела арию, Татьяна Михайловна сказала: «Всё. Больше никаких Мими, Шикунова поёт премьеру!» И я пела. Правда, очень волновалась, на спектакле присутствовал сам Косыгин!

– Вы проработали в оперном театре 31 год и более 30 партий в Вашем репертуаре. Мне кажется, это достаточно много.

– Мало или много решать не мне, но все партии, которые я исполняла, мне близки и любимы. Это Юзефа («Ясный рассвет» Туренкова), Марфочка («Дзяўчына з Палесся» Тикоцкого), Оксана («Когда опадают листья» Семеняки), Клава («Тропою жизни» Вагнера), Мзия («Миндия» Тактакишвили), Наталья («В бурю» Хренникова), Ирина («Седая легенда» Смольского), за исполнение которой была удостоена звания Лауреата Государственной премии РБ. Пела Мими, Татьяну, Лизу, Амелию, Дездемону и др.

– Вспомните, пожалуйста, самые запоминающиеся спектакли.

– Их было много. Помню, когда пела Дездемону с З.И. Бабием. Что за актёр! Заводился с полуоборота. Наступает сцена удушения. Я лежу, а он идёт на меня: глаза безумные, как тигр прыгает на кровать. А я от страху начинаю молиться: «Хоть бы не задушил, хоть бы не задушил…» По-человечески боялась: такой темпераментный был! А вот ещё один случай: из оперы «Богема»  Пуччини. Сцена смерти: я лежу на полу, все надо мной стоят поникшие. И тут заходит Рудольф (В.И. Глушаков) и спрашивает: «Что случилось? Что вы все так смотрите?» Вдруг видит меня и ни с того, ни с сего как закричит: «Тьфу, кх… Мой Бог! Мими!?» Вот такие темпераментные у меня были партнёры! (смеётся)

– А каким, на Ваш взгляд, должен быть настоящий певец?

– Ну, во-первых, он должен иметь голос, быть артистичным и искренним в исполнении. Быть артистом, певцом – это призвание, дарованное Богом.

– А во-вторых?

– Ну, а, во-вторых, достойным исполнителем, чутким к окружающей жизни и способным на отклик. Для меня Мария Каллас всегда была примером для подражания. Она воплощение человеческой теплоты, редкой музыкальности и актёрского таланта. Великолепная актриса! Я до сих пор плачу, когда её слушаю (замолчала). Она божественная, гениальная певица!

– Ирина Семёновна, Вы не только яркая исполнительница, но и педагог. И я знаю не понаслышке, что со многими студентами у Вас тёплые отношения. Как вы думаете, в чём секрет успеха педагога?

– Секрета никакого нет. Взаимопонимание, вера в студента и ежедневная кропотливая работа. Главное, чтобы у ученика было бесконечное желание петь. Есть желание – будет и результат.

– А как Вы считаете, кого можно назвать настоящим педагогом?

– Наставника, который даёт правильное направление, путёвку в жизнь, а остальное зависит от студента и, конечно, от среды, в которую он попадёт. Мне всегда везло и с концертмейстерами, и с режиссёрами.

– Ирина Семёновна, в конце нашей беседы хотелось бы задать Вам самый личный вопрос. Скажите, есть ли у Вас какое-нибудь желание?

– Чтобы все мои близкие были здоровы, жили долго и счастливо, потому что благополучие тех, кого я люблю, делает меня счастливой.

– Ирина Семёновна, спасибо Вам за то, что согласились поделиться своим опытом и были откровенны в беседе.

 

И в заключение, хотелось бы сказать ещё несколько тёплых слов об Учителе. Дорогая Ирина Семёновна! Ваше исполнительское мастерство, сценическая искренность, помноженные на душевную щедрость и доброту, не могут не оставить живой отклик в душе и сердце. Ваша любовь к пению, любовь длиною в целую жизнь, передаётся и нам, Вашим ученикам. ПОЗДРАВЛЯЕМ С ЮБИЛЕЕМ И ОТ ВСЕЙ ДУШИ ЖЕЛАЕМ СЕМЕЙНОГО БЛАГОПОЛУЧИЯ, ТВОРЧЕСКИХ УСПЕХОВ, ДУШЕВНОГО ТЕПЛА И РАВНОВЕСИЯ, СЧАСТЬЯ И КРЕПКОГО ЗДОРОВЬЯ ВАМ И ВАШИМ БЛИЗКИМ.

Беседу провела Юлия Кононович

(III курс, кафедра пения)

 

«Национальная школа формируется из прошлого, из пямяти…»: концерт к 75-летию со дня рождения профессора Р.А. Лагонды

В свое время мне в душу запали слова безмерно уважаемого мною педагога: «Не надейтесь, что ваши ученики будут вас помнить. Они приходят и уходят, такова жизнь, и, как бы вы ни пытались их удержать надолго, ничего не получится; это уже традиция, норма общества». В этих словах проступала отчаянно скрываемая боль, ведь для настоящего Учителя его профессия – это нечто, заполняющее весь внутренний мир его и забирающее всю душу, поэтому педагогу тяжко перенести подобную утрату. Настоящий Ученик – тот, кто помнит и ценит, а ведь именно из памяти формируется наша история.

Концерт памяти Ростислава Анатольевича Лагонды (1935–2002), состоявшийся 15 марта нынешнего года, стал откровением для всех, кто пришел почтить память профессора. 20 февраля ему исполнилось бы 75 лет. Конечно же, было сказано много теплых слов в его адрес заведующим кафедрой, кандидатом искусствоведения, профессором Волковым Николаем Михайловичем, коллегами, учениками. Творческий путь Ростислава Анатольевича Лагонды начинался в стенах Белорусской государственной консерватории и аспирантуре Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского. После окончания аспирантуры его творческая и педагогическая деятельность была неразрывно связана с кафедрой медных духовых и ударных инструментов Белорусской государственной академии музыки. Увы, болезнь помешала ему завершить работу над «Школой игры на тромбоне» и реализовать идею о создании специального курса сольфеджио для духовиков. Однако он успел немало сделать для своих учеников.

Вот что вспоминает один из них, профессор Петр Фомич Дударенко:

– Каждому из нас он запомнился по-своему, каждый со временем понимал, что он любил всех нас, переживал за нас, по-отечески поругивал иногда, но и доброго слова никогда не жалел. Любой из нас даже через много лет после окончания консерватории в любое время мог приехать к нему просто так, что называется, поговорить о том, о сём. Всегда было внимание, неподдельная искренность, интерес, веселая шутка.

Ученики Ростислава Анатольевича – лауреаты Всесоюзных и Республиканских конкурсов, составляющие «медно-духовую элиту» большинства белорусских оркестров, музыкальных училищ и школ. Лагонда основал Ассоциацию Белорусских тромбонистов и тубистов, к сожалению, не получившую должного развития, но все ещё ожидающую продолжателей и преемников таланта преданного своему делу педагога. И музыка была для него не просто профессией – это было дело всей его жизни. Заслуживает внимания и тот факт, что сам Лагонда мог бесконечно рассказывать студентам о своем Учителе – Иване Андреевиче Рыбкине. В его честь каждый год, в День Победы, силами Ростислава Анатольевича и его студентов устраивался небольшой концерт. Так же поступил ученик, а во многом и преемник Р.А. Лагонды – П.Ф. Дударенко.

Программа концерта получилась достаточно разнообразной в стилевом отношении. Прозвучали сочинения Баха, Генделя, Дитьюйе, Стравинского, Прокофьева, Подковырова и др. Среди музыкальных коллективов были представлены ансамбль трубачей «Интрада» (худ. руководитель Н.М. Волков); квартет тромбонистов из Могилева (класс преподавателя М.Н. Михлина), в исполнении которого прозвучал один из самых ярких номеров концерта, невероятно развеселивший присутствующих Романс лягушки из оперетты В. Трояна «Соловей императора»; квартет тромбонов (Е. Войткевич, В. Каврецкий, С. Проценко, С. Фалевич), который своим выступлением совместно с Н. Ярошевичем (туба) завершил концерт.

Сольные номера были исполнены студентами кафедры медных духовых и ударных инструментов Академии музыки. Своё мастерство продемонстрировали Д. Арсенюк, К. Мазюк, П. Корзун, С. Семенов, А. Михалевич, А. Шаблыко, Д. Осипенко. А часто ли мы слышим игру на эуфониуме, этой «виолончели духового оркестра»? Его мягкий, мощный, сочный тембр, богатые выразительные возможности раскрылись в исполнении студента первого курса Д. Жука.

Своим мнением о концерте поделилась композитор Галина Горелова:

– Замечательный концерт. Я даже не думала, что у нас столько духовых коллективов, и их исполнительский уровень поразителен. Просто атлас и бархат! И музыка очень разноплановая. А как туба пела… совсем как скрипка.

Восхитительным завершением концерта стал номер в исполнении преподавателей Академии музыки, солистов ведущих белорусских оркестров, которые играли Чакону Баха настолько проникновенно, проясненно, философски углубленно, что это стало аналогом возвышенного духовного состояния минуты молчания в память о человеке, оставившим после себя столь глубокий след в сердцах учеников и коллег.

Жизнь бежит и бежит. Мы очень многим не успеваем насладиться в ней, прочувствовать, осмыслить и оценить. Ещё столько предстоит успеть, не так ли? Успеете ли вы зайти в кабинет своего Учителя, по-женски стыдливо или по-мужски сдержанно пожать его или её руку? И просто взглядом и душой выразить безмерную любовь, благодарность…

Вероника Короза

(I курс, отд. музыковедения)

 

МАСТЕР-КЛАСС АМЕРИКАНСКОГО ФОРТЕПИАННОГО ТРИО: взгляд исполнителя и взгляд музыковеда

19 марта 2010 г. в Белорусской государственной академии музыки состоялся мастер-класс по камерному ансамблю, который проводили музыканты «American piano trio» Анна Вайман (скрипка), Петер Опи (виолончель), Роберт Палмер (фортепиано). Этот мастер-класс музыканты провели накануне их концертного выступления в Белорусской государственной филармонии.

Камерный ансамбль «Американское фортепианное трио» был создан на базе университета города Болл в 1983 году. На протяжении последних четырех лет в состав коллектива входят выдающиеся исполнители, лауреаты международных конкурсов, педагоги Бостонского университета Анна Вайман (скрипка), Петер Опи (виолончель) и Роберт Палмер (фортепиано). Выступления «American piano trio» проходили в университетах и концертных залах самых разных стран мира: США, Англии, Канады, Таиланда, Кореи. В 2008 году ансамбль предпринял гастрольную поездку по городам России и успешно выступил на престижнейшем международном фестивале им. Н. Римского-Корсакова в Санкт-Петербурге. Репертуар знаменитого трио включает как зарубежную, так и русскую музыкальную классику, а также сочинения американских композиторов XX века (Л. Бернстайна, Дж. Хигдона, Д. Э. Уайта). Недавно, в 2009 году, коллектив осуществил запись компакт-диска с музыкой американских композиторов. Музыканты также занимаются преподавательской деятельностью по классу специального инструмента и камерного ансамбля в штате Индиана (США). 

Мастер-класс «Американского фортепианного трио»: взгляд исполнителя

Мастер-класс начался с прослушивания сонаты Бетховена № 3 для скрипки и фортепиано в исполнении студентки 3-го курса Екатерины Пукст (скрипка) и студентки 4-го курса Маргариты Трубкиной (фортепиано). Роберт Палмер слушал очень эмоционально: на его лице и в легкой жестикуляции отражалась радость за удачные (и не очень) моменты исполнения. После того, как прозвучала соната, он прокомментировал услышанное следующим образом:

– Вы – большие молодцы. Эту сонату трудно сыграть пианисту, в смысле, трудно сыграть хорошо. Следует обратить особое внимание на переходы между разделами формы!

После чего Роберт Палмер и Анна Вайман, отметив хорошее исполнение первой части сонаты, подошли к роялю и скрипке для демонстрации технологии работы над звуком на примере второй и третьей частей произведения.

Анна Вайман обратилась к Екатерине Пукст:

– Главное в ансамбле – это звуковой баланс. В начале второй части сонаты тема проходит у фортепиано, однако скрипка не аккомпанирует ему, а является равноправным участником дуэта. Необходимо следить за техникой звуковедения: чем ближе к подставке, тем выше струна, тем больше звука можно извлечь. Наблюдение за правильной постановкой рук закрепит необходимую привычку. Для вывода скрипки из «теневого» аккомпанемента на равноправный с роялем уровень первое время необходимо играть как бы преувеличенным звуком, представляя себя в большом зале.

Анна Вайман также отметила, что вторую часть сонаты не следует начинать активным звуком, а стоит поискать мягкий и спокойный. Для этого участники дуэта должны вместе представить звучание первой музыкальной фразы и прийти к одинаковому решению в плане фразировки и штрихов.

В процессе работы над звуком Роберт Палмер дирижировал, жестами показывая пианистке нужную интонацию, характер. Говоря о повторяющихся нотах и репетициях, он подчеркнул, что «ритм создается в момент звучания. Проходит время, пока клавиша дойдет до упора, поэтому необходимо рассчитывать нажатие клавиши». А когда прозвучали легкие стаккатные терции, маэстро засмеялся и попросил Маргариту посредством фортепиано отразить интонацию и характер смеха, а затем, в гулких октавах в басу, изобразить нарочитую серьезность, важность.

Мастер-класс продолжили участники второго ансамбля: Марта Данилович (скрипка), Люба Гордей (виолончель) и Ксения Август (фортепиано). В их исполнении прозвучало трио А. Шнитке.

И снова американские музыканты поделились секретами исполнительскими мастерства. Роберт Палмер прокомментировал:

– Очень интересное произведение. Нужно передать каждую малейшую деталь, не считая технических трудностей. Композитор точно знает, чего он хочет. Вам нужно внимательно просмотреть нотный текст – так, как будто Вы читаете книгу. В трио Шнитке первая часть – как история, начинающаяся издалека. Не следует преждевременно раскрывать финал произведения!

Затем Палмер обратил внимание пианистки на возможности поиска различных красок звучания своего инструмента. Кроме того, музыкант подчеркнул, что во время пауз пианистка должна чувствовать энергетику струнников. Поскольку в данном произведении скрипка и виолончель начинают играть раньше рояля, пианистке необходимо мысленно музицировать с ними, чтобы прочувствовать эмоциональное настроение ансамбля.

Анна Вайман проакцентировала важность динамических нюансов в партии струнных инструментов:

– Здесь фортепианный материал достаточно прозрачный, и Вам нужно найти Ваше piano. Возьмите вместе одну ноту и поищите на ней piano, pianissimo, forte и fortissimo, и когда придете к общему звуку – играйте дальше.

Петер Опи заострил внимание студентов на важности эмоциональной стороны исполнения:

– Иногда дело скорее даже не в динамике, а в эмоциональном напряжении.

Итог мастер-классу подвела Анна Вайман:

– Музыка Шнитке переполнена диссонансами. Однако при этом не следует исполнять ее, «соглашаясь» со всеми инструментами. Иногда нужно изобразить противоречие.

На следующий день, 20 марта, в Большом зале Белорусской государственной филармонии состоялся концерт «American piano trio». Исполнялись произведения композиторов различных эпох и национальных школ: Трио № 1 Л. Бетховена, Трио № 1 ре минор (соч. 63) Р. Шумана, фортепианное трио современного американского композитора Д.Э. Уайта («Элегия и экзальтация») и двухчастное трио Дж. Хигдона («Бледно-желтый» и «Огненно-красный»).

Ольга Кузавкова

(I курс, отд. фортепиано) 

Мастер-класс «Американского фортепианного трио»: взгляд музыковеда

Мастер-класс привлёк многих интересующихся камерной музыкой и, в первую очередь, студентов и преподавателей кафедры камерного ансамбля. Студентами, принявшими участие в мастер-классе, были исполнены два «контрастных» по стилю сочинения: Соната № 3 для скрипки и фортепиано Л. Бетховена и Трио для скрипки, виолончели и фортепиано А. Шнитке.

В ходе мастер-класса участники «American piano trio» А. Вайман и Р. Палмер активно высказывали замечания, касающиеся различных сторон исполнения игры наших студентов, давали ценные советы относительно динамики, артикуляции и чисто технических моментов. Терпеливо добиваясь нужного штриха, нужного звука, мастера камерного ансамбля отмечали при этом и положительные, выигрышные стороны в исполнении. Разница в опытности и профессионализме американского коллектива и наших молодых музыкантов не помешала созданию естественной и доверительной атмосферы общения равноправных партнеров. Существенные для исполнителя моменты акцентировал и виолончелист П. Опи, отметив, в частности, важность предельно внимательного отношения к нотному тексту: ведь воплощение авторского замысла напрямую зависит от максимально точного прочтения всех текстовых указаний.

В качестве переводчицы в процессе общения между нашими музыкантами и англоговорящими коллегами выступила Анна Вайман – известная скрипачка, уроженка Санкт-Петербурга. Работа над исполнением произведения Л. Бетховена протекала настолько заинтересованно и активно, что в некоторые моменты обе стороны участников мастер-класса – «скрипичная» и «фортепианная» – начинали общаться одновременно, и в условиях такого своеобразного «полидиалога» А. Вайман приходилось перемежать свои пояснения, адресованные скрипачке, с переводом реплик коллеги Р. Палмера.

Замечательно, что такие высокопрофессиональные исполнители и опытные педагоги, дающие мастер-классы в университетах разных стран мира, открыли некоторые из своих «секретов» и тонкостей игры в ансамбле для студентов и преподавателей Академии музыки. Хочется надеяться, что их опыт и мастерство передались и нашим молодым белорусским исполнителям. 

Валерия Рыдкина

(III курс, отд. музыковедения)

 

К открытию концертного зала Белорусской государственной академии музыки

25 марта 2010 г. в концертном зале состоялось выступление симфонического оркестра «Молодая Беларусь» под управлением народного артиста нашей страны, лауреата Государственной премии, профессора М.А. Козинца. Прозвучали произведения русских композиторов А. Аренского, А. Лядова, Н. Римского-Корсакова и М. Мусоргского, соло на фортепиано исполняла лауреат международных конкурсов, солистка Белорусской государственной филармонии и педагог Академии Наталья Котова. Программа, представленная студентами оркестрового факультета под руководством маэстро, была специально подготовлена к значимому и очень долгожданному событию не только в жизни учебного заведения, но и культуры столицы – к открытию концертного зала Академии после ремонта. Часть программы была составлена из симфонических миниатюр, что и дало название всему концерту – «Вечер симфонических миниатюр». Концерт, не разделенный антрактом, прошел буквально на одном дыхании. Как всегда на выступлениях этого коллектива, в зале был аншлаг, зрители очень тепло и радушно принимали исполнителей, сами же артисты остались довольны новым освещёнием и акустикой зала.

Вера Шнайдер

(II курс, отд. музыковедения)

Про «мини» и «макси» [Концерт симфонического оркестра Академии музыки «Молодая Беларусь» 25 марта 2010 г.]

Наступил долгожданный момент: открылся после ремонта концертный зал нашей Академии! И первым, знаковым событием на обновленной сцене, блистающей световым и декоративным оформлением, стал концерт симфонического оркестра «Молодая Беларусь» под управлением художественного руководителя и дирижера этого коллектива – народного артиста Беларуси, лауреата Государственной премии, профессора Михаила Козинца. Публика была счастлива вновь встретиться с этим прославленным студенческим оркестром, прекрасно зарекомендовавшим себя как на родной сцене, так и на концертных площадках других стран.

В программу были включены жемчужины русской классики – симфонические миниатюры русских композиторов. Хорошо продуманная, логично выстроенная драматургия концерта основывалась на чередовании программных произведений, связанных с русской сказочно-фантастической образностью, и непрограммных (с солирующим фортепиано). Первый музыкальный блок объединял две сказочные картины А. Лядова: «Баба Яга» послужила динамичным началом всего концерта, живописно-медитативное «Волшебное озеро» настроило на философскую созерцательность. В качестве интермеццо между ними прозвучало сочинение А. Аренского – Фантазия на темы Рябинина (солистка – лауреат международных конкурсов Наталья Котова-Громова). После Концерта для фортепиано с оркестром Н. Римского-Корсакова ярким и колоритным завершением вечера стала Фантазия для оркестра М. Мусоргского «Ночь на Лысой горе». Как видим, в избранной последовательности произведений, удобной для исполнителей и дающей возможность солистке «вздохнуть» между двумя крупными партитурами, учитывался и фактор слушательского восприятия, важный для публики.

Музыкальная драматургия каждого произведения в отдельности была воплощена не менее интересно. Можно было убедиться, что оркестр очень хорошо владеет возможностями динамики и умеет рельефно выстроить динамический профиль произведения, что важно при исполнении любой партитуры. Особенно ярко это претворилось в миниатюре «Баба Яга» А. Лядова, звучание которой поразило мощным крещёндо и, вместе с тем, тонкостью нюансировки. В Фантазии М. Мусоргского оркестр также смог блеснуть эффектными сменами динамики, мощными динамическими нарастаниями и действительно полнозвучными f и ff, здесь по-настоящему проявила свой характер и с особым блеском зазвучала группа медных духовых, поддерживаемая ударными. Роскошной палитрой красок засиял оркестр, «окунувшись» в «Волшебное озеро». Все было почти зримо: и нежные, мягкие покачивания волн с холодными лунными бликами в партии струнных, и внезапные ночные всплески на водной глади, крики ночных птиц у деревянных духовых. Разумеется, все выразительные нюансы сочетались с прекрасно сбалансированным звучанием всех партий, хорошим интонированием. Это для нашего оркестра давно стало программой-минимум, что же касается программы-максимум, то её «потолок» давно превышает учебную планку, потому и слушательские требования к нему предъявляются как ко взрослому, профессиональному оркестру. Вероятно, исполнение оркестра украсило бы более рельефное выделение главных линий в полимелодийной, столь характерной для музыки русских композиторов музыкальной ткани, а также ещё более выразительный показ мелодических подголосков, перекличек между разными инструментами и синхронность их исполнения.

Игра с солистом, его сопровождение требует от оркестра и дирижера не меньшей, а иногда и большей внимательности и слаженности, умения не только слушать солиста, но и «предслышать». Эти задачи были полностью решены благодаря прекрасному балансу звучности между оркестром и фортепиано. Можно было бесконечно наслаждаться безукоризненным исполнением Натальи Котовой-Громовой – педагога Академии музыки, солистки Белорусской государственной филармонии, особенно известной по фортепианным дуэтам с Валерием Боровиковым. Блестящее, технически идеальное и музыкально тонкое исполнение Н. Котовой-Громовой (а сочетание виртуозности и музыкальности – редкое качество!) оставило самые хорошие впечатления и заслужило бурную реакцию публики.

Валерия Рыдкина

(III курс, отд. музыковедения)

 

«ВЛЮБЛЕННЫЙ В ВИОЛОНЧЕЛЬ…»: концерт к 100-летию А.П. Стогорского

25 марта 2010 г. в Белорусской государственной филармонии состоялся концерт «Влюбленный в виолончель…», посвящённый 100-летию со дня рождения Александра Павловича Стогорского (1910–1987) – гениального педагога, блестящего виолончелиста, уникального ученого-текстолога.

Творческая судьба А.П. Стогорского сложилась непросто: были в ней и яркие моменты славы, «взлета», мирового признания, была и несправедливость, непонимание. Его уважали и ценили крупнейшие музыканты мира: Д.Д. Шостакович, А.И. Хачатурян, Г.Г. Нейгауз, Д.Ф. Ойстрах, П. Казальс, Г. Кассадо, М. Марешаль и др. Ценную часть творческого наследия А.П. Стогорского составили редакции произведений для виолончели Р. Шумана, П.И. Чайковского, Э. Лало и др. Многие воспитанники А.П. Стогорского стали известными исполнителями, педагогами, деятелями мировой музыкальной культуры. Выпускником его класса является и заслуженный артист Республики Беларусь Владимир Павлович Перлин, автор и ведущий концерта «Влюбленный в виолончель…». Глубокий и серьёзный музыкант, талантливый исполнитель и педагог, В.П. Перлин сумел сделать этот концерт поистине грандиозным событием, незабываемым музыкальным вечером, проникнутым теплой атмосферой и любовью к своему педагогу.

В концерте выступили ученики Владимира Павловича Перлина. Представители разных поколений, исполнители нашей республики и дальнего зарубежья, они продемонстрировали колоссальное техническое мастерство и высокий профессионализм. Среди них – Владимир Синькевич, Александр и Алексей Багринцевы, Иван Каризна, Лиав Кербель (Израиль-Бельгия), Джуди Фабер (Люксембург), Андрей Шинкевич, Станислав Анищенко. Многие, несмотря на свою занятость, всё же смогли приехать издалека, чтобы принять участие в концерте, выразить благодарность и признательность своему педагогу. Второе отделение украсило выступление Концертного оркестра Республиканского музыкального колледжа и ансамбля виолончелистов. В концерте прозвучала музыка И.С. Баха, Й. Гайдна, П.И. Чайковского, Э. Вилла-Лобоса и др. Высокий исполнительский уровень молодых музыкантов захватывал, поражала тонкость нюансировки, общая гармоничность игры. В зале царила необыкновенная атмосфера!

Класс Владимира Павловича Перлина рождает искренне преданных, вдохновенно служащих музыке учеников, создавая яркое сообщество музыкантов, тем самым передавая эстафету от деятелей прошлого поколения к нашему. А это значит, что благодаря таким великим педагогам искусство не умрёт, а будет жить и развиваться в наших сердцах.

Вероника Непорожняя

(учащаяся II курса Республиканского

музыкального колледжа при БГАМ)

 

«ДуховнЫе приношениЯ»: концерт из сочинений белорусских композиторов для хора a capella

29 марта 2010 г. в концертном зале Десятой музыкальной школы им. Е.А. Глебова состоялся заслуживающий особого внимания концерт: в исполнении студенческого хора Академии прозвучали произведения современных белорусских композиторов для хора a capella.

Концерт был организован совместно кафедрами инструментовки и хорового дирижирования, главным инициатором стал заведующий кафедрой инструментовки Вячеслав Кузнецов. На этой кафедре сложилась традиция проведения тематических концертов, в которых исполняются произведения для различных ансамблевых и оркестровых составов. Подготавливая каждый новый концерт, композиторы кафедры коллегиально обсуждают его идею, выстраивают концепцию и драматургию, договариваются с исполнителями, которые, в свою очередь, могут предлагать собственные идеи для расширения репертуара. Прежде были организованы несколько концертов: так, состоялось выступление камерного оркестра под управлением Петра Вандиловского в Минске, концерт из произведений для оркестра белорусских народных инструментов под управлением Александра Высоцкого проводился в Минске, Могилёве и Лиде. В них прозвучали сочинения не только композиторов, работающих на кафедре в настоящее время, но и Евгения Дегтярика, Владимира Солтана, Владимира Доморацкого. Состоялись также концерт фортепианной музыки, в котором профессор кафедры фортепиано Борис Бергер исполнил сочинения белорусских авторов, и концерт музыки для трубы, в котором прозвучали сольные произведения, ансамбли для двух, трёх, четырёх инструментов и Концерт для трубы В. Доморацкого. В исполнении ансамбля трубачей «Интрада» этот концерт повторился во многих городах Беларуси.

Хоровой концерт авторы назвали «Духовные приношения», поскольку содержание произведений связано преимущественно с духовной тематикой. Исполнением музыки В. Кузнецова и В. Войтика хор также поздравил композиторов с присвоением высокой государственной награды – медали Франциска Скорины. Программа включала следующие сочинения:

1. А. Бондаренко. Хор «Ангел» на стихи А.С. Пушкина. В качестве солистов выступили аспирант Юрий Караев и магистрант Константин Батурин;

2. В. Корольчук. «Последняя молитва Христа» на сл. С. Надсона;

3. В. Войтик. «Два молитвенных настроения»;

4. С. Янкович. «Песня песней царя Соломона». По мнению исполнителей, это произведение оказалось наиболее сложным по музыке и техническим требованиям;

5. В. Кузнецов. Три хора на сл. Л.Н. Толстого «Исповедь» («Жизнь», «Цель и смысл жизни», «Вера»). Хоры впервые прозвучали со сцены, дирижировал студент 5-го курса Даниил Франтов;

6. Н. Литвин. Хоровой цикл «Родныя вобразы» на сл. Я. Купалы и Я. Коласа в 6 частях: «Родныя вобразы», «Вясна», «Лес», «Велiчальны змрок», «Стужа зблiжаецца», «Гусляр». Даниил Франтов весьма проникновенно исполнил сольную партию.

В заключение исполнители преподнесли публике сочинение «сверх» программы «Развiтальную» Владимира Коризны-младшего на слова Владимира Коризны-старшего.

Следует отметить высокохудожественное и профессиональное исполнение студенческим хором  (художественный руководитель и дирижёр – лауреат международных конкурсов Инесса Бодяко) сложнейших партитур для хора а capella.

Как показала практика, организация подобных концертов – хорошая творческая идея кафедры, композиторы собираются её развивать, расширять рамки концертов и привлекать новых исполнителей. Подобная деятельность является большим вкладом в дело пропаганды белорусской музыки.

Любовь Петрова

(IV курс, отд. музыковедения)

 

«Орфей» флексихорда: мастер-класс по импровизации Германа Мюнцинга

 «Степень и качество импровизации зависят не столько от того, подготовлена мелодия или нет, сколько от того, смог ли музыкант освободиться от суеты и быть там, где он сейчас играет. Способность перейти от скуки и автоматизма в сверкающее, полное жизни состояние – это способность сосредоточить всё своё внимание на "здесь и сейчас", на том, что человек делает…» Чик Кориа

Preludio

Мастер-классы зарубежных исполнителей и музыковедов в Белорусской государственной академии музыки давно стали явлением частым и систематическим, что не может нас не радовать. Мастер-класс, который состоялся 7 и 8 апреля 2010 г. в стенах Академии, определенно выделялся из ряда подобных событий. В нем замечательным образом соединились «в одном флаконе» сразу три «ингредиента»: это по-своему необычная и яркая фигура музыканта, уникальный и единственный в своем роде музыкальный инструмент и бурная стихия творчества, художественной свободы и эксперимента. Центральными «персонами» этого праздника музыки стали шведский композитор Герман Мюнцинг и созданный им же экспериментальный электронный музыкальный инструмент «флексихорд». Это был уже третий визит Г. Мюнцинга в Минск, и состоялся он в рамках международного форума музыки и искусств «Intouch», организованного молодыми минскими музыкантами. По словам композитора, поводом для сотрудничества стало знакомство на одном из концертов в Гамбурге с В. Бубном, пригласившим Г. Мюнцинга полтора года назад в Беларусь для выступления в рамках программы культурного обмена. Мастер-класс по импровизации гостя из Швеции вызвал широкий резонанс не только среди студентов и преподавателей Академии музыки, но и у представителей других вузов. Многие из слушателей, по-видимому, уже были знакомы с Г. Мюнцингом по состоявшемуся накануне выступлению в Галерее современного белорусского искусства.

Путь к Себе

Перед началом мастер-класса Г. Мюнцинг рассказал о себе и своем пути к созданию флексихорда. 45-летний музыкант закончил Королевскую академию музыки и сейчас преподает класс импровизации. Развитие экспериментальной музыки и импровизации, а также проникновение их в академическую сферу в Швеции началось, по его мнению, уже в 1960-х гг., а в 1970–80-х гг. в Академии открылись отделения джаз- и рок-музыки. Г. Мюнцинг, игравший поначалу на бас-гитаре, по-настоящему увлекся импровизацией в 20 лет, когда пришел на концерт одной из рок-групп. Потрясение от услышанного в корне изменило его взгляды на музыку. Тогда для него три «краеугольных камня музыки» Ритм, Мелодия и Гармония в одночасье пошатнулись, уступив свое место в сознании Германа трём другим – Динамике, Звучанию и Энергии. Эти категории стали определяющими для его понимания музыки. «Я играю этими понятиями, как дети играют с кубиками», – сказал он. Тогда же Герман начал поиски собственного инструмента, поиски себя в музыке. По-разному экспериментируя со своей электрогитарой (к примеру, подкладывая под струны разные предметы), он пытался добиться новых, нетрадиционных звучаний. Создавая музыкальный инструмент своей мечты, он руководствовался лишь двумя обязательными параметрами: наличием струн и отсутствием чёткой тоновой фиксации. В итоге на основе составных частей двух электрогитар был создан 12-струнный музыкальный инструмент – флексихорд, звуки на котором извлекались с помощью самых разнообразных предметов: резины, металла, стекла, камня и многого другого. Отсутствие правил и абсолютная свобода – так можно определить творческое credo Г. Мюнцинга-импровизатора.

«Додекахорд» XXI века

«Голос» флексихорда поистине необычен. Выразительная палитра его звучаний, особенно если учесть разнообразие способов звукоизвлечения, весьма широка. Под руками создателя флексихорда рождались то тихие, приглушенные, зыбкие звуки, напоминающие шелест, шуршание или неясное «бульканье», то оглушительное и резкое звучание высоких обертонов, то стремительно взлетающие глиссандирующие пассажи на высоком уровне громкости. Вязкая, сгущенная звуковая материя сменялась жесткими, металлическими звучаниями. Исполнение Г. Мюнцинга вызывало множество музыкальных и внемузыкальных ассоциаций. Временами звучание флексихорда походило скорее на некое гудение-пиление, порой в музыке отчетливо угадывался мощный гул колоколов, а то слышались какие-то космические звуки.

После импровизации Г. Мюнцинга на флексихорде впечатленные слушатели могли подойти к инструменту и рассмотреть музыкальную диковинку поближе. На столе лежал инструмент, внешне очень напоминающий цимбалы, но с подключенным к струнам множеством регуляторов и проводов. Г. Мюнцинг охотно показывал инструмент, разъяснял его устройство и суть приёмов игры, отвечал на вопросы всех заинтересовавшихся. Последних оказалось немало, и вопросы сыпались один за другим. Как выяснилось, необычные звуковые эффекты были вызваны применением для звукоизвлечения разных предметов: металлических пил и спиц, щёток со щетиной из разных материалов (среди которых была даже кисточка для бритья!), а также подкладыванием под струны металлических, деревянных и резиновых трубок. Фантазия создателя инструмента в комбинировании всех этих приёмов, казалось, не знала границ.

Homo improvisus

В ходе проведения мастер-класса импровизационное начало проявлялось буквально во всём: и в способе организации занятия, и в манере общения музыканта с аудиторией, и в реакции, всегда мгновенной и непредсказуемой, на любые посылы и реплики из зала. Герман сказал: «Не удивляйтесь, если я буду непоследователен и буду перескакивать с одного на другое». И действительно, казалось, он ежесекундно следует своим, стихийно появляющимся замыслам и идеям, буквально в данный момент придумывает, что будет делать или о чём будет говорить дальше. Музыкант придавал большое значение установлению тесного контакта с аудиторией: «Для меня очень важно, чтобы вы задавали вопросы, чтобы между нами образовался настоящий диалог», – неоднократно повторял он. Языковой барьер и посредничество переводчика нимало не помешали этому. Наоборот, постоянно ощущались общительность и коммуникабельность Г. Мюнцинга, заинтересованность, горячий интерес к своему делу и творческий «запал», которого не мог остудить даже жуткий холод в аудитории. Та естественность и непосредственность, с которой Г. Мюнцинг разговаривал с аудиторией, побуждала и к ответной реакции зала. При этом разъяснение серьёзных и принципиально важных для музыканта-импровизатора вещей не только отличалось простотой и лёгкостью, но и постоянно граничило с некой «несерьезностью», игривым, а порой шутливым обращением к публике (к примеру, когда Герман стал забавно передразнивать голосом звук мобильного телефона, периодически «пищавшего» у кого-то из присутствующих в зале).

Коллективные импровизации

Творческими кульминациями мастер-класса стали, конечно, коллективные импровизации, в которых приняли активное участие студенты Академии музыки и гимназии-колледжа. По выражению Г. Мюнцинга, играющему необходимо было «забыть, для чего инструмент», т. е. здесь разрешалось делать почти всё, что угодно. Скажем, при игре на рояле можно было использовать для извлечения звука любые подручные вещи (кисточки, щётки, спицы, ключи от дверей и пр.), стучать по деревянному корпусу, ударять по струнам и т. д. Упражнения на импровизацию помогали музыкантам внутренне раскрепоститься, предоставляли широкое поле для творческой самореализации. Ведь, как говорил Г. Мюнцинг, «в импровизации интереснее и важнее сам процесс, процесс поиска, и никаких ошибок тут не может быть». По его замечанию, важно также научиться воспринимать даже «неправильные», некрасивые звуки как новую возможность, «открытые двери» для творчества. Например, когда на выступлении в Галерее современного белорусского искусства на флексихорде вдруг порвалась струна, Герман переосмыслил это с выигрышной стороны, понял это как преимущество, как средство для чего-то нового: «Важно сохранить игривое настроение, интерес и любовь к своему инструменту».

Первое занятие, на котором в дуэте с Г. Мюнцингом участвовал в качестве импровизатора пианист С. Войницкий, настолько заинтересовало остальных студентов, что на второй день организовался целый квинтет: флексихорд, фортепиано (М. Круглый, К. Яськов), контрабас (Э. Орлов), аккордеон (И. Засимович) и блок-флейта, на которой не удержалась поиграть автор этих строк. Студенты воодушевленно экспериментировали в коллективно изобретаемых формах работы. Особенно понравился слушателям дуэт флексихорда с контрабасом. Мастер-классы проходили очень весело, свежо и интересно, чему способствовало и вовлечение в процесс импровизации аудитории. Совместное рисование графических схем-композиций, обсуждение и дискуссии, дирижирование и, конечно же, музыкальная часть доставили всем и самому Герману огромное удовольствие: «Очень здорово, когда люди могут встречаться и вместе создавать музыку в реальном времени!»

Из беседы с Г. Мюнцингом

 Герман, поделитесь вашими впечатлениями от мастер-класса.

 Впечатления хорошие, я очень доволен. Все студенты хорошо работали.

 Поясните, пожалуйста, этимологию названия Вашего инструмента «флексихорд»: «chorda» по-латински – струна, а что означает первая часть слова? Какой смысл Вы вкладывали в название?

 Это от английского слова «flexy», что означает «гибкость», «гибкий». Этим я хотел подчеркнуть, что мой инструмент гибкий, нефиксированный.

– В смысле звуковысотности?

 Не только в смысле высотности, но и в плане других звуковых характеристик. Создавая этот инструмент, я прежде всего стремился уйти от обычного звучания, найти нечто новое, отличное от традиционного.

– Вы долго работали над созданием инструмента?

 Много времени заняла подготовительная работа, формирование идеи, «первообраза» инструмента, а уже само конструирование происходило быстро.

 Приспособления, которые Вы используете для извлечения звука на флексихорде, такие разные и необычные…

 Да, это резинки, металлические спицы для вязания, полотно, пилы и многое другое… Для меня важно все время заменять предметы, которые я использую для игры, на новые, чтобы я не успел привыкнуть к одному приёму, к одному звучанию. Всегда должно присутствовать чувство творчества.

 Герман, где Вы видите сферу применения Вашего инструмента? Возможно ли его использование в академической музыке? В музыке для кино?

 В музыке для кино – да! Я вообще изначально создавал этот инструмент для себя и под себя, а вот академическую музыку, зафиксированную в нотах, на флексихорде играть неуместно. Для меня создание флексихорда – это прежде всего возможность находить новые звучания.

– А другие композиторы писали музыку для флексихорда?

 Нет, пока еще нет. Никто другой кроме меня не писал, хотя я не раз принимал участие в различных фестивалях и играл сочинения других композиторов, написанные для разных инструментов, например, для тубы.

– Какие ощущения Вы испытываете перед выходом на сцену? Волнение?

 Да, есть определенное напряжение, но беспокойство – никогда, чаще всего я испытываю огромное желание играть!

 Вы говорили, что для импровизации очень важно пребывание исполнителя в теперешнем моменте, в «здесь-и-сейчас», погружение в сам процесс. Каковы другие основные составляющие хорошей импровизации?

 (задумывается) Это очень непростой вопрос, на него сложно с ходу ответить... Могу сказать, что всегда должен присутствовать некий элемент неожиданности, непредсказуемости, игры, превращение каких-то незапланированных вещей в нечто творческое. При этом постепенно, со временем нужно подходить к импровизации более экспериментально, чем вначале, поначалу же можно использовать различные подготовительные упражнения, например, играть тонально и ритмически, играть медленно и немного, не ожидая огромного результата в конце. Можно сначала долго повторять какие-либо заданные простые рисунки, а затем, возможно, в вас возникнет нечто новое, то, за чем вы сможете пойти дальше...

 Нужно ли вводить такой учебный предмет, как импровизация, в программы всех музыкальных вузов?

 Да, если на это есть должное понимание со стороны руководства.

– Еще приедете в Минск?

 Да, конечно! Если меня пригласят, обязательно приеду!

Postludio

Г. Мюнцинг, словно современный Орфей с 12-струнной электронной «лирой», открыл для многих многогранный и необычный мир звучаний флексихорда, одновременно «посвятив» студентов в таинство импровизации. Творческое общение с этим очень интересным человеком и музыкантом всё время наводило на мысль, что внутреннее психологическое состояние в процессе импровизации напоминает то, которое испытываешь при духовном озарении или медитации, приходило понимание, что в при рождения музыки необходимо непрерывно находиться в текущем моменте, быть постоянно открытым не столько для Музыки или для Слушателя, сколько для Самого Себя…

Валерия Рыдкина

(III курс, отд. музыковедения)

 

XІХ Міжнародныя навуковыя чытанні памяці Л.С. Мухарынскай (1906–1987)

14‑16 красавіка 2010 г. у Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі адбыліся XІХ Міжнародныя навуковыя чытанні памяці Л.С. Мухарынскай (1906–1987) «Музычная культура Беларусі ў суквецці нацыянальных культур».

Гэты навуковы праект с кожным годам набывае ўсё большы рэзананс, прыцягвае ўвагу музыказнаўцаў і этнамузыколагаў блізкага і далёкага замежжа. У выбары назвы сёлетніх чытанняў вызначальнымі сталі не толькі насычаныя шырокім колам праблем даклады, агучаныя на секцыйных пасяджэннях, але і Фестываль этнамузычных культур, у рамках якога гледачы мелі магчымасць пазнаёміцца з музычным фальклорам Беларусі, Латвіі, Расіі, Індыі, Японіі, Кітая. Вялікую зацікаўленнасць таксама вызвалі прадстаўленыя стэндавыя даклады выкладчыкаў, аспірантаў і студэнтаў Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі, Беларускай дзяржаўнай акадэміі мастацтваў, Беларускага дзяржаўнага педагагічнага універсітэта імя М. Танка.

Праблемнае поле Міжнароднай навуковай канферэнцыі ўключыла ў сябе шматлікія актуальныя пытанні: музычная культура Беларусі ў яе сувязях з культурамі іншых краін, гісторыя і тэорыя беларускай музыкі, традыцыйная музычная культура Беларусі, музычныя культуры свету і іх прадстаўнікі, праблемы творчасці, выканальніцтва, музычнай педагогікі ў Беларусі і свеце. У праграму навуковых чытанняў увайшлі 33 даклада навукоўцаў з Санкт-Пецярбургскай дзяржаўнай кансерваторыі імя М.А. Рымскага-Корсакава, Маскоўскай дзяржаўнай кансерваторыі імя П.І. Чайкоўскага, Латвійскай музычнай акадэміі імя Я. Вітала, Ерэванскай дзяржаўнай кансерваторыі імя Камітаса, Львоўскага нацыянальнага універсітэта імя І. Франко, а таксама прадстаўнікоў айчыннай музыказнаўчай школы. Работа чытанняў мела накіраванне на рашэнне прыярытэтных праблем сучаснага музыказнаўства, што стала крокам наперад у вывучэнні новых тэндэнцый, якія назіраюцца ў сучаснай музычнай навуцы краін свету.

Першы дзень Навуковых чытанняў, цалкам прысвечаны воблаці традыцыйнай музычнай культуры, уразіў сваёй насычанасцю. Чытанні былі адкрытыя прывітальным словам да ўдзельнікаў доктара мастацтвазнаўства, прафесара, прарэктара БДАМ па навуковай рабоце К. Дулавай. На пленарным пасяджэнні з дакладамі выступілі і знакамітыя, і маладыя этнамузыколагі з Расіі, Латвіі, Беларусі: Г. Лабкова («Гісторыка-тыпалагічны метад вывучэння народных песенных традыцый»), Я. Радзькова («Асаблівасці ўвасаблення плачавай інтанацыі ў жанрах дзіцячага музычнага фальклору Пскоўскай вобласці»), Я. Бяссонава («Раяльны гармонік у народнай традыцыйнай культуры Поўдня Расіі»), А. Палякова («Стылявыя асаблівасці паўночнарускіх хараводных песень»), А. Бейтане («Рэгіянальныя стылі латышскай традыцыйнай музыкі»), Т. Якіменка («Эпіка ў каляндарна-песенных зборах Р. Шырмы»), І. Назіна («Аб функцыянальным полі перазвону ў Беларусі»), Л. Касцюкавец («Песня “Гэта крык, што жыве Беларусь” – айярчэйшы ўзор беларускай мужчынскай харавой лірыкі»), Т. Канстанцінава («Велікодныя псальмы ў песенан-абрадавых традыцыях Беларускай Поўначы»), Т. Бярковіч («Карагодна-гульнявыя песенныя традыцыі ў каляндарна-земляробчай культуры Беларусі (праблематыка даследавання)»), В. Яшчанка («Карагодныя версіі «Стралы» на тэрыторыі Магілёўскага Падняпроўя»). Кожны даклад з агульнага «суквецця» прадставіў сабой актуальнае і перспектыўнае даследаванне ў кірунку этнамузыкалогіі, меў тэарэтычную і практычную каштоўнасць. Амаль усе даклады былі забяспечаныя матэрыяламі ў выглядзе мультымедыйных файлаў (аўдыёзапісы, прэзентацыі, відэаролікі), што яшчэ болей ажывіла зацікаўленнасць публікі.

Пасля пасяджэння на навуковай секцыі адбылося адкрыццё выставы народных інструментаў, на якой былі прадстаўлены беларускія народныя інструменты з калекцый І. Назінай і А. Лася і індыйскія народныя інструменты з калекцыі БДАМ. Прафесар І. Назіна пазнаёміла гледачоў з калекцыяй беларускіх народных інструментаў (сярод якіх былі свістулькі, парныя дудкі, дуда, скрыпка, цымбалы, гармонік, бубен і інш.), а таксама расказала аб распаўсюджаных на Беларусі музычных інструментах, іх асаблівасцях. Аб індыйскіх інструментах, калекцыя якіх была падаравана Акадэміі пасольствам Індыі, захопленым наведвальнікам выставы паведаміла дацэнт А. Гарахавік. Большую частку экспанатаў склалі інструменты, якія рэпрэзентуюць калекцыю Хіндустані (Паўночнай Індыі), дзе інструментальнае музіцыраванне развіта ў найбольшай ступені як самастойная вобласць творчасці. Сярод інструментаў – ударныя мрыданг, пахавадж, табла; шчыпковы сітар, індыйская скрыпка; духавыя флейта бансуры, габой шахнаі і іншыя. Уразіла ўдзельнікаў чытанняў выступленне ансамбля народнай музыкі «Рада» (Беларусь). Гэты калектыў, які адраджае спрадвечныя беларускія традыцыі выканальніцтва на народных музычных інструментах, парадаваў слухачоў выкананнем найгрышаў на дудзе, парных дудках, скрыпцы, танцавальных мелодый ансаблямі скрыпкі і бубна, скрыпкі і басэтлі.

Вельмі прыемна, што ўдзельнікі ўжо ў першы дзень адзначылі творчую і добразычлівую атмасферу, якая панавала ў час чытанняў, а таксама высокі ўзровень іх арганізацыі.

Настасся Вікторчык

(III курс, аддз. музыказнаўства)

Третий день 16 апреля 2010 г. XIX Международных научных чтений памяти Л. С. Мухаринской был посвящён неевропейским музыкальным культурам. Ведущие секции доктор искусствоведения, профессор кафедры белорусской музыки Инна Дмитриевна Назина и кандидат искусствоведения, доцент кафедры истории музыки Елена Маратовна Гороховик акцентировали значимость и малую изученность данной проблемы в современном музыковедении.

Московские гости, сотрудники центра «Музыкальные культуры мира» Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского, представили различные направления в изучении внеевропейской музыки. Кандидат искусствоведения, доцент кафедры теории музыки Маргарита Ивановна Каратыгина в своём докладе «Звучащий мир как предмет музыковедческого исследования» затронула вопрос европоцентризма, некоторой замкнутости и ограниченности круга проблем в отечественном музыковедении. Исследовательница рассказала о деятельности созданного при московской консерватории центра «Музыкальные культуры мира», о направлениях его исследований, в число которых входит практическое овладение навыками игры на разных национальных инструментах.

Аспирантка М.И. Каратыгиной Марина Вавилова в своей научной и практической деятельности изучает корейскую музыку, о которой она рассказала в своем докладе «Время как персонаж звуковой драмы в корейской традиции каягым санджо». Во время доклада М. Вавиловой была представлена презентация с изображениями ландшафтов Кореи, национальных инструментов и музыкантов, прозвучали образцы корейской традиционной музыки.

Консультант центра «Музыкальные культуры мира» Хосейн Нуршарг выступил с докладом «Традиция аваза в иранской классической музыке». Днём ранее прошла презентация альбома иранской классической музыки «Родина моя» (ансамбль «Фераг»), в котором автор доклада выступил в роли солиста. Во время выступления Хосейн Нуршарг «вживую» продемонстрировал слушателям приёмы пения в иранской музыкальной традиции.

Музыкальная культура Индии была представлена в докладах Е.М. Гороховик («Звук как культурообразующий фактор: опыт южноазиатской цивилизации») и ассистентки кафедры театроведения и актерского мастерства факультета культуры и искусства Львовского национального университета им. И. Франко Ольги Коломиец («К вопросу о понятии гхарана в традиционной профессиональной музыкальной культуре Хиндустани (на примере школы Кирана)»). Оба доклада были дополнены звучанием ярких образцов индийской классической музыки, в выступлении О. Коломиец были показаны фрагменты видеозаписи, сделанной исследовательницей во время экспедиции в Индию.

После небольшого перерыва состоялся видеопросмотр оперы А. Тертеряна «Землетрясение» (1987). Перед полуторачасовым просмотром прозвучало вступительное слово кандидата искусствоведения, доцента Ереванской государственной консерватории им. Комитаса Нарине Аветисян. Исследовательница рассказала об истории создания и постановки оперы, о тематике и литературном первоисточнике произведения, о стиле и личности композитора.

Ольга Лойко

(IV курс, отд. музыковедения)

«Познай самого себя – и ты познаешь весь мир!», – говорил Гёте. «Познай весь мир – и ты познаешь самого себя» – хочется воскликнуть, когда соприкасаешься с удивительной восточной культурой. Недавно нам посчастливилось побывать на концерте японской традиционной музыки и танца, который прошёл 16 апреля в рамках Международных научных чтений памяти Л.С. Мухаринской. Наши российские гости, сотрудники Центра изучения музыкальных культур мира, возглавляемого Маргаритой Ивановной Каратыгиной, познакомили слушателей с традицией исполнения на японских музыкальных инструментах цитре кото, лютне сямисэн, флейтах сякухати, хотику, кётаку, а многолетний консультант Центра госпожа Хитоми Сомата продемонстрировала чайную церемонию и танец в традициях японского театра Но.

Инструмент кото – 13-струнную японскую разновидность цитры – представила исполнительница Марина Пак. От неё мы узнали старинную японскую легенду, повествующую о происхождении этого древнего инструмент:

– Однажды бог морей дракон вышел на берег отдохнуть и заснул под ярким палящим солнцем. Нашедшие его люди сделали из панциря инструмент, который назвали кото, по форме своей напоминающий лежащего дракона.

Кото был одним из самых любимых инструментов в Японии, ведь сама лучезарная богиня солнца Аматерасу с удовольствием играла на этом инструменте! Кото стал необходимой принадлежностью аристократической традиции музицирования и частью придворного церемониала. Как раньше в России каждая молодая девушка из дворянской семьи должна была уметь играть на фортепиано, так и каждая молодая японка должна была владеть искусством игры на кото. При записи музыки для кото используется иероглифическая нотация. Тембр этого инструмента обладает искрящимся, тающим звуком.

Публике была продемонстрирован и японская бамбуковая флейта сякухати. Инструмент этот используется прежде всего для медитации, и основная цель исполнителя – погрузить слушателя в особое состояние духа, примирить с самим собой, поэтому исполнитель на инструменте Александр Ивашин и предупредил зрителей:

– Я буду играть на флейте, но это не музыка. Вы можете заниматься чем угодно, своими делами, спать.

Звук сякухати, вначале гулкий и ясный, как раскат грома, постепенно угасает словно эхо, отражающееся от склонов Фудзи. Звучание инструмента отражает характерное для японской философии и эстетики стремление слушать и созерцать тишину. Игру на семисене – трехструнном музыкальном инструменте, наиболее известном за переделами Японии, – продемонстрировала Марина Вавилова.

Кото, сякухати, семисен – инструменты, которые издревле были основой музыкального ансамбля, сопровождавшего спектакли традиционного японского театра Но. Фрагмент спектакля, основанного на традициях театра Но, продемонстрировала японская гостья Хитоми Сомата. Спектакли театра Но проходят всего лишь с одной декорацией – ширмой с изображением одиноко растущей сосны, затерявшейся на каменистых склонах горы Фудзи. В основе спектакля положен сюжет японского средневекового мистического романа, главная идея которого – беззащитность человека перед силами рока и кратковременность счастья, увядающего как цветок полевого вьюнка. Необыкновенная пластика Хитоми Сомата, позволяющая без единого слова передать тончайшие движения души, мимолетные впечатления жизни, самые сокровенные чувства, поистине удивила и вызвала восхищение.

Хочется надеяться, что подобные музыкальные события в Академии будут случаться как можно чаще, ведь знакомство с разными национальными культурами расширяет наше мировоззрение, обогащает слуховой опыт.

Юлия Тарануха

(I курс, отд. музыковедения)

 

Станет ли рок «роковым»?: лекции доктора искусствоведения, профессора А.М. Цукера

С 19 по 21 апреля 2010 г. в Белорусской государственной академии музыки с лекциями выступил Анатолий Моисеевич Цукер – заслуженный деятель искусств России, доктор искусствоведения, профессор, академик РАЕ, проректор по научной и концертной работе, заведующий кафедрой истории музыки Ростовской государственной консерватории им. С. Рахманинова. Он является автором шести монографий (в их числе «Н.П. Раков», «Микаэл Таривердиев», «Григорий Фрид. Путь художника», «И рок и симфония»), сборника статей «Единый мир музыки», более 140 статей в научных журналах и сборниках. С 1977 г. – руководитель Ростовского музыкального клуба «Рондо».

Массовая культура XX  начала XXI вв. – это пёстрый, многообразный и до конца не изученный материал. Его рассмотрению были посвящены три лекции профессора Анатолия Моисеевича Цукера. Раскрыть сложнейшую тему за столь короткое время невозможно, поэтому исследователь акцентировал внимание на роли массовой музыкальной культуры в социуме, рассмотрел рок-музыку как социомузыкальный феномен и затронул проблематику массовой песни ХХ века.

В первой лекции исследователь разграничил понятия академической и массово-бытовой музыки. Он отметил факт «бесцеремонного вовлечения академической музыки в массовую музыку» и, в частности, подчеркнул:

– Не утрачивает ли при этом профессиональная музыка своего высокого статуса? С одной стороны, нет, если академическая музыка проникает в массовую культуру естественно и органично. С другой стороны, может произойти упразднение академической музыки, и она потеряет свой высокий статус.

Профессор обосновал необходимость специального исследования массовой культуры и предложил ввести в учебные заведения дисциплину, которая будет заниматься её изучением.

Рок-музыка, которой была посвящена вторая лекция, рассматривалась как социомузыкальный феномен. Чем исследователя привлек к себе именно рок? Уже самим возникновением этого специфического жанра. Рок пришел на смену джазовой музыке (поскольку джаз перешел в полуфилармоническую сферу), появился новый электронный инструментарий, активизировались новые молодежные движения, – все эти факторы повлияли на возникновение рок-музыки. Интересна позиция, занимаемая исследователем: при долгом изучении рок-музыки он приходит к выводу о том, что эта культура содержит в себе все те же тенденции, что и академическая музыка, но в другом, «обработанном» виде. Такой сравнительный подход, на мой взгляд, может быть очень полезен, поскольку способствует возникновению большего интереса к профессиональной музыке со стороны широкого круга слушателей и исчезновению существующего разрыва между массовой и академической музыкой.

Третья лекция была посвящена проблеме массовой песни и её эволюции в ХХ в. Анатолий Моисеевич рассмотрел следующие этапы эволюции: советская массовая песня – эстрадная песня – поп-музыка. Советская песня всегда выражала политику страны и, по мере изменений в политической сфере и во внутреннем положении страны в целом, менялась и сама песня, её содержательная направленность, кроме того, изменялись потребности и взгляды самих слушателей. Это не говорит о том, что исчезает профессиональная музыка, но о том, что что она становится открытой лишь для определенного круга людей, и этот круг намного меньше того, который завоевала массовая культура. Не случайно исследователь говорит о том, что жанрообразование в ХХ в. сместилось в область массовой музыки, потребность в которой была выше, чем в профессиональной музыке. «Массовая культура – это барометр социума», – подчеркнул профессор.

Проблематика лекций Анатолия Моисеевича Цукера нова, глубока и интересна. Можно предположить, что для многих слушателей открылась возможность по-иному взглянуть на массовую музыку, найти новые ракурсы её изучения.

Татьяна Лесько

(III курс, отд. музыковедения)

Каждый день, соприкасаясь с шедеврами классического музыкального искусства, мы забываем о весьма необычной для академического музыкознания проблеме массовой музыки. Основная идея лекций профессора А.М. Цукера заключалась в трактовке массовой музыки как социокультурного явления. Автор очень чётко разграничил понятия академического музыкального искусства и массового, подробно остановился на полифункциональности последнего, его условиях и формах бытования. Приводя яркие жизненные примеры, цитаты из различных источников, А.М. Цукер увлёк и заинтересовал публику, общение с ним было непосредственным и живым на протяжении всех лекций. Отдельный разговор профессор посвятил рок-музыке – интереснейшему явлению, возникшему в ХХ в., подробно рассмотрел факторы её возникновения. В уникальности рок-музыки автор убеждал, подкрепляя рассуждения яркими музыкальными иллюстрациями: были представлены композиции групп «Deep Purple» и «Lacrimosa», ставшие «классическими». Судя по реакции публики, занимающейся проблемами «шедевроведения» (так А.М. Цукер назвал академическое музыковедение), впечатление от экспрессивного жёсткого характера рок-музыки осталось ярким и незабываемым.

Дарья Иванова

(курс, отд. музыковедения)

 

Мемарандум аб супрацоўніцве

Разнастайныя вандроўкі, творчыя сустрэчы з замежнымі калегамі, удзел у конкурсах і фестывалях... Пра што яшчэ можа марыць звычайны студэнт музычнай навучальнай установы? А калі гэта падмацавана яшчэ афіцыйнымі пагадненнямі і дамоўленасцямі паміж рознымі ВНУ – тады часам цяжкае падарожжа пераўтвараецца ў сапраўднае свята: некаторыя праблемы вырашаюцца самі сабой, а некаторыя і ўвогуле не ўзнікаюць.

20 красавіка 2010 г. «крок насустрач» зроблены паміж Беларускай дзяржаўнай акадэміяй музыкі і Нацыянальнай музычнай акадэміяй Украіны імя П.І. Чайкоўскага. У канцэртнай зале Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі сустрэліся рэктары навучальных устаноў – Аляксандр Рашчупкін і Уладзімір Ражок, ва ўрачыстай цырымоніі яны падпісалі Мемарандум аб супрацоўніцтве. Дарэчы, перад падпісаннем дакумента афіцыйнымі асобамі, гледачы мелі магчымасць пазнаёміцца з жыццём абедзвюх акадэмій па відэаматэрыялах: на вялікім экране дэманстраваліся невялікія фільмы пра гісторыю і сучасны стан навучальных устаноў.

Рэктар Нацыянальнай музычнай акадэміі Украіны імя П.І. Чайкоўскага Уладзімір Ражок прыехаў да нас з Кіева не адзін. Пасля афіцыйнай часткі на сцэну выйшла асістэнт-стажор Нацыянальнай музычнай акадэміі Украіны Кацярына Кулікова (клас прафесара В.Дз. Ліфарэнкі). Сур’ёзнае афіцыйнае мерапрыемства адразу пераўтварылася ў цёплую сустрэчу старых знаёмых. Той, хто не прысутнічаў на канцэрце Кацярыны Куліковай, згубіў шмат: яна прапанавала слухачам цікавую, арыгінальную інтэрпрэтацыю твораў Сяргея Рахманінава, Фрыдэрыка Шапэна і Ферэнца Ліста. Слухачоў уразіла не толькі выканальніцкае майстэрства Кацярыны Куліковай, але і яе поспех у шматлікіх міжнародных конкурсах: піяністка – лаўрэат больш чым дваццаці міжнародных конкурсаў, сярод якіх Міжнародны музычны конкурс імя М. Лысенкі (Кіеў, 2007 г, II прэмія), Міжнародны конкурс піяністаў імя А. Рубінштэйна ў Ізраілі (Тэль-Авів, прэмія), Міжнародны конкурс піяністаў імя Э. Гілельса (Украіна, Адэса, 2009 г., прэмія).

Урачыстая цырымонія падпісання Мемарандуму аб супрацоўніцве паміж БДАМ і НМАУ імя П.І. Чайкоўскага і канцэрт Кацярыны Куліковай, што праходзіў ў яе рамках, завяршыліся, але наперадзе яшчэ шмат прыемных сустрэч і сур’ёзных праектаў.

Кацярына Круглінская

(IV курс, адз. музыказнаўства)

 

Мастер-классы профессора Паскаля Терьена

Белорусская государственная академия музыки на протяжении многих лет поддерживает связи с зарубежными музыкальными вузами и исследователями. Одним из них является профессор Западного Католического университета в Анже и Парижской Высшей национальной консерватории музыки и танца Паскаль Терьен (Pascal Terrien). 2123 апреля 2010 г. он прочитал уникальные по содержанию лекции, которые сопровождались эксклюзивными музыкальными материалами и иллюстрациями.

Первая лекция: Взгляд на музыку во Франции критиками журнала «Эспри» (1932–1940)

Журнал «Эспри» объединял не только представителей искусства (музыкантов, литераторов, театральных критиков), но и политических деятелей. Основатель журнала Эмманюэль Мунье (1905–1950) придерживался идей гуманизма и персонализма, что отразилось на деятельности сотрудников журнала. Одним из них был французский литератор Жак Маритен (1883–1973), во многом повлиявший на взгляды И. Стравинского и Ж. Кокто. Размышляя о культуре в период с 1932 по 1940 гг., Ж. Маритен в своей книге «Религия и культура» отмечает недостаточную глубину содержания музыкальных произведений, нехватку в них гуманистических идей. Другой сотрудник журнала Жан Лакруа пишет о том, что искусство является лучшим способом коммуникации, а роль художника заключается в объединении людей. Коллективную ответственность за колонку в журнале «Эспри» с 1934 г. несли известные композиторы Морис Жобер, Артур Лурье, Морис Тирье, и также художник Марсель Дёлянуа. С 1940 по 1946 гг., на протяжении Второй мировой войны, журнал «Эспри» был закрыт, затем деятельность его была возобновлена благодаря Пьеру Шефферу. В качестве музыкальных иллюстраций прозвучали произведения Мориса Жобера (псалом № 163 для женского голоса, фортепиано и арфы /1940/; «Большие глаза на этом лице» для сопрано и камерного оркестра /1939/, написанные под влиянием традиций Г. Берлиоза, Ш. Гуно, К. Дебюсси; музыка к кинофильму «Набережная в тумане»), Мориса Тирье (3-я часть Концерта для флейты с оркестром; Концерт для флейты и струнных, в котором также чувствуются традиции К. Дебюсси), «Баллада о 20-ти шахтерах» Марселя Дёлянуа и соната Артура Лурье, не лишенная влияния джаза.

Уже в первый день профессор Паскаль Терьен подарил публике увлекательную лекцию, насыщенную новой информацией, интересным музыкальным материалом и тёплой атмосферой творческого общения.

Вторая лекция: Спектральная музыка во Франции: итоги и перспективы

Характеризуя спектральную музыку, исследователь определил её основные признаки: «оперативную непрерывность» звука (один звук порождает другой) и «динамическую непрерывность» (спектральный звук имеет более или менее протяжённую вибрацию). Благодаря спектральным опытам появилась возможность осуществлять сеть взаимодействий, благодаря чему один звук заменяя другой порождает не существующий в природе тембр. Направление это возникло вследствие синтеза науки и музыкального искусства. Среди основателей французской спектральной музыки П. Терьен выделяет Жерара Гризе (1946–1998) («Частица», «Черная звезда») и Тристана Мюрая (р. 1947) («Дезинтеграция» для 17 инструментов). Их последователями становятся Микаэль Левинас (р. 1949) («Увертюра для странного праздника») и Юг Дюфур (р. 1943) («Белая ель»). Ко второму поколению музыкантов-спектралистов относятся Филипп Урель (р. 1955) («В память о Жераре Гризе») и ученик Ж. Гризе Жан-Люк Эрве (р. 1969) («В тени ангелов»). Эти композиторы в своем творчестве опираются преимущественно на преобразование звуков природы. П. Терьен отметил, что в настоящее время в исследовательском институте IRCAM продолжаются работы над изучением внутренней структуры звука, проходят исследования в области электронной музыки и её сочетания со звучанием акустических инструментов, не прекращаются поиски новых динамических принципов строения спектральных композиций.

Третья лекция: Сравнительный подход к феномену музыкального образования в свете работ Ж. Пиаже, Л. Выготского, А. Валлона

Сравнивая Ж. Пиаже и Л. Выготского, двух выдающихся психологов и педагогов, общественных деятелей разных стран (Швейцарии и России), П. Терьен отметил некоторые общие подходы к музыкальному образованию. Так, традиционный постулат «заставить учиться» оба ученых заменяют поиском сотрудничества между ребенком и взрослым, во время которого и происходит передача знаний от старших к младшим, от мастера к ученику. П. Терьен также провёл аналогии между педагогическими приёмами в обучении детей у Л. Выготского и Ж. Пиаже, выделяя т. наз. «спонтанное понятие» у Л. Выготского и «сенсо-моторную схему» («schéme») у Ж. Пиаже. Обсуждая дидактический подход Л. Выготского, П. Терьен апеллировал к опыту французского психолога и педагога Ж. Вернё, отмечая некоторые противоречия в подходе российского исследователя. В своей обширной и интересной лекции П. Терьен оценивал влияние работ Ж. Пиаже и Л. Выготского на развитие музыкального образования во Франции.

Нам остается поблагодарить П. Терьена и переводчицу, преподавателя кафедры иностранных языков Ю. Шестерову за проведение увлекательных и познавательных лекций, которые способствовали новым открытиям белорусских слушателей в области французской музыкальной культуры ХХ века.

Студентки III курса отд. музыковедения

Елена Фогт (первая и третья лекции),

Вероника Усачева (вторая лекция)

 

«Па струнах думак…»

Пад такой назвай прайшла літаратурна-музычная вечарына, якая адбылася 23 красавіка 2010 года ў Дзяржаўным літаратурным музеі імя Янкі Купалы. Гэта быў ужо трэці буйны сумесны праект Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі і музея.

Дыялог мастацтваў – паэзіі, музыкі, жывапісу – такую мэту паставілі арганізатары гэтага вечара: кафедра агульнага фартэпіяна БДАМ у асобе дацэнта Наталлі Валянцінаўны Сазановіч і супрацоўнікі музея – дырэктар Алёна Раманаўна Мацевасян, вучоны сакратар Ала Станіславаўна Дражына, загадчык аддзела культурна-адукацыйнай работы Вольга Пархімовіч. У рамках праекта была падрыхтавана выстава партрэтаў Я. Купалы, яго лістоў, рарытэтных выданняў твораў паэта і інш. На працягу вечара дэманстравалася прэзентацыя, у якую ўвайшлі фотаздымкі Мінска пачатку ХХ стагоддзя, рэпрадукцыі партрэтаў і фотаздымкі Я. Купалы, яго сям’і і сяброў – мастакоў Дз. Полазава і К. Елісеева. Глядачы і ўдзельнікі шмат пазналі пра асабістыя якасці Янкі Купалы, пра яго бліжэйшае асяроддзе, пра эпоху, у якую жыў і ствараў свае літаратурныя шэдэўры народны паэт Беларусі.

Музычную частку вечарыны склалі творы рускіх кампазітараў канца XIX – пачатку ХХ стагоддзя, якія Янка Купала мог чуць ў Мінску і Пецярбургу. У выкананні студэнтаў Акадэміі, якія вучацца на розных курсах і факультэтах, прагучалі фартэпіянныя мініяцюры П. Чайкоўскага («Восеньская песня», вык. М. Авадок), А. Скрабіна (Мазурка, Накцюрн, Прэлюдыі, «Нюансы», вык. Н. Жыткевіч, І. Лоўчая, Т. Трафімчук, І. Арыштаева, М. Саламаха), С. Рахманінава (Элегія, Эцюд-карціна cis-moll, вык. В. Шыцько, Н. Вікторчык), А. Глазунова (Прэлюдыя, вык. Т. Клемянкова), А. Лядава («Балада пра старыну», Прэлюдыя, «Музычная табакерка», вык. А. Шараева, М. Янушкевіч, Н. Шуман), М. Мэтнера («Казка», вык. К. Жураўская). На заканчэнні праграмы прагучаў раманс М. А. Рымскага-Корсакава «Не вецер, веючы з вышыні» у пералажэнні для скрыпкі і фартэпіяна (партыя скрыпкі – Г. Кісялеўская, партыя фартэпіяна – В. Лойка).

Музычна-літаратурная вечарына у гасцінным купалавым доме паказала, як часам пераплятаюцца лёсы мастакоў, паэтаў і музыкантаў. Удзельнікам і гледачам атрымалася акунуцца у атмасферу культурнага жыцця Беларусі і Расіі пачатку ХХ стагоддзя дзякуючы намаганням арганізатараў гэтага сумеснага праэкта. Спадзяёмся на новыя творчыя праекты студэнтаў і супрацоўнікаў Акадэміі музыкі і Літаратурнага музея імя Янкі Купалы.

Вольга Лойка

(IV курс, адз. музыказнаўства)

 

МАСТЕР-КЛАСС И КОНЦЕРТ ПАВЛА ЕГОРОВА

23 и 24 апреля 2010 г. в Белорусской государственной академии музыки состоялся мастер-класс профессора Санкт-Петербургской консерватории имени Римского-Корсакова Павла Егорова. Павел Григорьевич Егоров – народный артист России, профессор кафедры специального фортепиано Санкт-Петербургской консерватории имени Римского-Корсакова. Родился в Ленинграде, окончил Московскую государственную консерваторию им. П.И. Чайковского (1975), где обучался под руководством Татьяны Николаевой и Веры Горностаевой. Победитель Международного конкурса имени Р. Шумана в Цвиккау (Германия, 1974). Тогда же дебютировал в Больших залах Московской консерватории и Ленинградской филармонии. Выступает в лучших залах мира, гастролировал почти во всех странах Европы, а также в Канаде, США, Китае и Японии. Работал приглашенным профессором и провел мастер-классы в Республике Корея, Голландии, Италии, Тайване, Швеции. Записал на российских и зарубежных студиях («Мелодия», Sony, Columbia, HWA EUM, Intermusica) болеё сорока сольных, камерных и симфонических программ. Музыкальный исследователь и научный редактор, Почетный член Шумановского общества (Дюссельдорф) и Филармонического общества Санкт-Петербурга, удостоен Международной Шумановской премии (1989), награжден Орденом правительства Республики Польша «За заслуги в культуре» (2003), избран действительным членом Российской академии естественных наук по Санкт-Петербургскому отделению образования и развития науки (2007) (Информация сайта Санкт-Петербургской консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова).

Мастер-класс

В первый день мастер-класса вниманию аудитории была представлена Фантазия ор. 17 Р. Шумана в исполнении студента I курса нашей Академии Дмитрия Горбача (класс профессора В.В. Шацкого). После исполнения первой части Фантазии маэстро похвалил студента:

– Молодец. Много хорошего. Играете очень увлеченно, горячо.

Профессор высказал свое мнение относительно нотной редакции данного произведения:

– В редакции выписана чуждая пьесе аппликатура, к тому же в уртексте практически нет педальных обозначений. Автор поместил краткое указание относительно педали в начале произведения, Шуман доверял исполнителю. В те времена педаль невозможно было применить так часто, как её выписывают многие редакторы, в данном случае – Гольденвейзер. Далее, я бы хотел обратить внимание на фрагменты произведения, которые написаны Шуманом для одной левой руки: композитор специально поместил арпеджио в левую руку для того, чтобы исполнитель сыграл его медленнее, перехватив материал в правую руку, Вы теряете тот эффект, который имел в виду автор. В данном случае переделки (так называемая «пианистическая помощь») идут вразрез с мыслями композитора, вредят смыслу музыки.

Павел Егоров возвратился к началу произведения и посоветовал студенту играть болеё длинными фразами, сделать бас болеё звонким и протяженным по звучанию на фоне бурлящего сопровождения, а в мелодии, изложенной октавами, играть в полную силу не только пятым пальцем, но и первым для болеё резкого звучания и прослушивания пластов фактуры. Далеё маэстро обратил внимание на стилевые моменты:

– В романтической музыке нельзя быть рабом времени, смену гармонии не следует исполнять ровно по временным рамкам такта, иначе она не произведет должного эффекта. Смену баса нужно расставить агогически, распределить равномерно оставшуюся часть аккомпанемента, и, затем, послушать правую руку.

Профессор обратил внимание на темпы и порекомендовал в эпизодах с насыщенной фактурой не торопиться, а спокойные, лирические места играть строже. Форшлаги в одном из разделов маэстро предложил Дмитрию сыграть медленнее, пропеть их на инструменте, так как это делают вокалисты.

Особое внимание Павел Егоров уделил одному из обозначений в нотах:

– У Шумана встречается знак, который относится к одной ноте, или аккорду <>. Он обозначает филировку звука. Филировать звук можно на любом инструменте симфонического оркестра, кроме ударных. В музыковедении этот знак не имеет определенного названия. Впервые я встретил такое обозначение в сонате Моцарта. Гольденвейзер писал, что это неисполнимый на рояле знак. У Шумана такое обозначение встречается в знаменитом «Карнавале» в номере «Паганини» на последних аккордах.

Маэстро озвучил эти аккорды и добавил:

– Редакторы часто расширяют «вилочки» знака, превращая его в обычные динамические оттенки.

Профессор нарисовал в нотах фантазии это обозначение и объяснил, в чем секрет: ноту с таким знаком нужно особенно выделить, домысливая сrescendo и diminuendo.

Отметив некоторые образно-смысловые особенности музыки Шумана, Павел Егоров перешел к работе над второй частью Фантазии. Вторая часть фантазии начинается с аккордов арпеджиато. Маэстро попросил студента подчеркнуть в них ладотональную основу, то есть сильнеё извлекать те звуки, от которых зависит мажорное или минорное звучание. Профессор обратил внимание на умеренный темп, указанный в нотах перед началом части и добавил:

– Немцы знали толк в маршах. Они их много писали и по разным поводам.

Он наиграл маршеобразный финал «Симфонических этюдов», затем «Марш Давидсбюндлеров» и прокомментировал:

– Роберт Шуман даже трёхдольные марши писал. В этих первых аккордах не нужно суетиться. Здесь Вы сопоставляете несколько простых гармоний, аккорды должны быть исполнены с теми штрихами, которые указал автор. Чтобы всё это выполнить, нужно сразу взять удобный для исполнения темп и связывать аккорды руками: пианисты привыкли доверять соединения «ноге», поэтому это место нужно вначале выучить без педали.

Далее Павел Егоров сосредоточил внимание на ровности, чеканности ритма и на ровности звучания аккордов. Когда студент начал играть следующий музыкальный эпизод, маэстро остановил его и сказал:

– Перед новой долей есть ауфтакт. Пианистам полезно походить на занятия к дирижерам, исполнители любят стучать пальцами по клавишам, но не расставлять смысловые акценты. Есть такой анекдот: когда Бог раздавал музыкантам интеллект, пианисты в это время занимались. Если Вы хотите исполнить этот марш эффектно, Вы должны быть еще и дирижером.

Затем профессор остановился на полифонических моментах – наиграл отрывок из «Крейслерианы» и посоветовал не сильно выпячивать перекликающиеся голоса, но аккуратно подчеркнуть наличие полифонического приёма, показав только начало мотива в обеих руках. Далее последовал эпизод, в котором левая рука совмещала мелодическую линию и аккомпанемент. Для достижения четкой дифференциации фактуры Павел Егоров дал такой совет:

– Здесь Вы должны как бы разделить руку на две половины и каждой из них поочередно равномерно ударять, как заяц на барабане, а далее в мелодии появляется залигованная нота, требующая более тихого разрешения и фиксации слухом. На эту ноту накладывается секунда – самая сильнодействующая эмоция.

Маэстро проиллюстрировал свой комментарий несколькими фрагментами музыки Баха с большим количеством наслаивающихся секунд, и продолжил мысль:

– В этом эпизоде нужно подчеркнуть каждую деталь, составляющую путь к кульминации. Здесь нельзя торопиться, перед началом следующего крупного раздела нужно расширить временные рамки каданса, а насколько – это уже дело вкуса.

Сделав еще некоторые замечания, маэстро перешел к работе над кодой второй части «Фантазии», подчеркнув:

– Каждый аккорд нужно исполнять tenuto.

Затем Павел Егоров обозначил основные смысловые моменты финала Фантазии и завершил первый день мастер-класса.

Второй день начался с прослушивания «Крейслерианы» Р. Шумана в исполнении студентки II курса Марины Климович (класс профессора И.В. Оловникова). После исполнения первого номера Павел Егоров обратил внимание на бас:

– Бас должен быть лёгким, он должен дышать.

Во втором номере маэстро поработал над педализацией, стилевыми нюансами, отметив, в частности, особенности арпеджиато:

– Арпеджиато может исполняться не только снизу вверх, но и наоборот. Иногда композиторы указывали конкретные направления в ту или иную сторону, но в данном случае для того, чтобы не разрывать мелодическую линию, нужно сыграть арпеджиато сверху вниз. В тех случаях, где звучат длинные ноты, уже являющиеся звуковыми связками, постарайтесь не применять педаль. Бас должен звучать с указанными штрихами, используйте меньше педали, так как она «замазывает» штрихи.

После прослушивания третьего номера маэстро сконцентрировался на воспроизведении сказочного, таинственного звучания, секрет которого заключался в тихой динамике, ритмической точности и ровности, мягкости разрешений.

В четвертом номере Павел Егоров уделил много внимания штриху совершенного legato:

– Очень важно создать иллюзию пения на инструменте.

Профессор долго и тщательно объяснял студентке смысл, остроту музыкальных фраз, подчеркивая:

– Для того, чтобы понять шумановские фортепианные произведения, нужно знать Шумана вокального.

Для примера маэстро наиграл первые такты романса «Слышу ли песен звуки» из цикла «Любовь поэта», и посоветовал поработать с вокалисткой над каким-нибудь шумановским произведением.

В следующем номере Павел Егоров обращал внимание на ясность мелодии, гармонического плана, выявление интонационных зёрен:

– В этом номере много залигованных нот. Каждую такую ноту нужно агогически расставить, тогда номер не будет сумбурным потоком бессмысленных звуков.

Маэстро заметил:

– Очень трудно играть мелкие ноты четко и на два пиано, однако, такова задумка автора.

В шестом номере Павел Егоров говорил о верхней длинной ноте как о главной, а о мелодическом нижнем голосе как о наполнении.

После исполнения Мариной Климович следующей части профессор сказал:

– Не исполняйте этот номер так шумно и грузно. Здесь должна быть слышна и понятна каждая мелкая нота, педаль нужно брать коротко, чтобы не создавать грохота.

Маэстро похвалил студентку за восьмой финальный номер и указал на некоторые моменты, касающиеся темпа и ритмических фигураций:

– В последних тактах не следует замедлять. Ещё я бы хотел обратить внимание на часто повторяющуюся пунктирную ритмическую фигуру в середине финала, которая находится в басу: её необходимо проинтонировать и подобрать удобную для этого аппликатуру.

После небольшого перерыва класс снова наполнился слушателями. Их вниманию были представлены «Бабочки» Шумана в исполнении студентки I курса Академии Елены Виннель (класс профессора Ю.Н. Гильдюка). Когда студентка исполнила произведение, маэстро похвалил её исполнение и выбор нотной редакции, затем перешел к работе над оттенками:

– В «золотом» ходе валторн не играйте такое осторожное forte. Эта тема должна звучать сильно, здесь нужно добавить grand pedale, тогда следующий момент эффектно прозвучит на mezzo forte, и потом – на piano.

Также Павел Егоров указал на три октавы в басу и объяснил, почему их нужно исполнять громко и чеканно:

– В дальнейшем на это тематическое зерно Шуман напишет свое «Allegro».

Затем профессор обратил внимание на раздел moderato, посоветовал Елене играть его спокойнее по темпу. В синкопах с вальсовым аккомпанементом и разделе, похожем на полонез, посоветовал добавить польского колорита. Павел Егоров ещё раз похвалил девушку и поблагодарил слушателей за внимание.

Концерт 

23 апреля 2010 г. в концертном зале состоялся концерт Павла Егорова и его учеников. Маэстро вышел на сцену после небольшого вступительного слова конферансье и обратился к слушателям со словами:

 Наша сегодняшняя встреча посвящена двум гениям, 2010 год знаменуется не только различными катаклизмами, но также и замечательными музыкальными событиями: 1 марта исполнилось 200 лет со дня рождения Фридерика Шопена, а 8 июня исполнится 200 лет со дня рождения Роберта Шумана. Я счастлив, что нахожусь в городе Минске, в центре Европы, рядом с Россией, Польшей и Германией и имею возможность выступить здесь с моими учениками. Первое отделение концерта состоит из произведений Фридерика Шопена, а во втором прозвучит музыка Роберта Шумана.

Павел Егоров представил свою ученицу Наталью Чернову, учащуюся IV курса средней специальной музыкальной школы при Санкт-Петербургской консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова, которая открыла концерт исполнением Экспромт-фантазии, затем прозвучал шутливо-лукавый Этюд ор. 25 № 5.

Студент III курса Кирилл Марков исполнил Сонату № 2. В четырёх частях сменяли друг друга эмоциональный смерч, сладкое воспоминание, хрупкая надежда и её крушение, заставившие зал затаить дыхание. После заключительных аккордов сонаты зазвучали громкие продолжительные аплодисменты, сопровождаемые возгласами «браво!». Затем на сцену вышел профессор:

– Сейчас я позволю себе исполнить Ноктюрн Фа мажор, Балладу Фа мажор и четыре мазурки.

Ноктюрн звучал с импровизационной непринужденностью, одновременно просто и гениально. С первых звуков баллады маэстро превратился в писателя, ведущего свой удивительный рассказ, кульминация которого захватывала дух и полностью погружала слушателя в музыкальный мир этого сочинения. Прозвучавшие мазурки будто словно оживили образы четырёх польских девушек, одна из которых – шаловлива, кокетлива (мазурка До мажор), вторая – предельно изящна, хрупка, но прихотлива, как подобает ослепительной красавице (ля минор), третья увлеченно повествовала о богатом, пышном бале (Фа мажор), четвертая была овеяна грёзами любви.

После небольшого антракта сцена Академии наполнилась звуками шумановской музыки. Наталья Чернова открыла второе отделение концерта циклом «Бабочки». Аспирант Алексей Глазнов исполнил первую часть Фантазии ор. 17, в которой отразились самые различные образы и настроения: томные, лирические, изящные, любовные, мечтательные, щемящие, тревожные, драматические и даже трагические. В заключении концерта Павел Егоров исполнил две «Новелетты» (№ 7 и № 8) Роберта Шумана, на бис прозвучал «Романс».

Великолепная исполнительская школа Павла Егорова пополнила мировую музыкальную коллекцию новыми индивидуальными трактовками произведений Ф. Шопена и Р. Шумана.

Кузавкова Ольга

(I курс, отд. фортепиано)

 

Мы познаём мир: День культуры Израиля

29 апреля 2010 г. в Белорусской государственной академии музыки состоялся концерт, посвящённый культуре Израиля.

Открыл вечер ансамбль «Дилижанс-jazz» под руководством Андрея Лобчевского, в исполнении которого прозвучала лёгкая музыка, сопровождающая видеоряд живописных мест Израиля. Затем наряду с творениями Н. Паганини, Ф. Шопена, Ж. Бизе, К. Дебюсси, Д. Шостаковича прозвучали сочинения израильских авторов. Порадовали высоким уровнем профессионализма исполнение песни Наоми Шемер «Золотой Иерусалим» Кириллом Старостенко и израильской песни «Яхад» Анной Шалютиной. Украшением концерта стало выступление ансамбля флейтистов Академии музыки «Сиринкс», завораживающее мастерством безукоризненной совместной игры: таинственная и пленительная нега «Послеполуденного отдыха фавна» К. Дебюсси околдовала буквально весь зал. Не менее захватывающей, нежели сама концертная программа, стала замечательная фотовыставка «Улицы Израиля». В холле второго этажа Академии под волшебные звуки арфы открылись удивительные виды городов Израиля, зовущие зрителей посетить Землю Обетованную.

Ирина Машковская

(III курс, отд. музыковедения)

 

«НЕУГАСИМЫЙ СВЕТ ЖИЗНИ В МУЗЫКЕ»: концерт памяти профессора И.А. Цветаевой

5 мая 2010 г. в Малом зале им. Г. Ширмы Белорусской государственной филармонии состоялся концерт камерной музыки "Сохранение традиций" памяти профессора Ирины Александровны Цветаевой.

В концерте выступили замечательные музыканты: Елена Алексеева (фортепиано), Екатерина Бутько (фортепиано), Анна Карпук (скрипка), Анна Красная (скрипка), Наталья Березина (сопрано), Артур Сейфуллаев (фортепиано), Наталья Бушкова (виолончель), Устина Мартинчук (фортепиано), Александр Аврамчик (виолончель), Евгений Галанов (фортепиано), Лидия Кузьмицкая (сопрано), Эльмира Сейфуллаева (фортепиано) и Полина Шупилова (скрипка).

С именем Ирины Александровны Цветаевой (1917–1992) связано становление белорусской фортепианной школы. Она отдала делу музыкального просветительства всю свою энергию и взрастила целую плеяду талантливых музыкантов, среди которых Игорь Оловников, Юрий Гильдюк, Елена Алексеева, Сергей Микулик, Константин Шаров, Галина Драговец, Наталья Степанцова и многие другие. Неудивительно, что имя Ирины Цветаевой носит международный конкурс пианистов, проводимый в Беларуси.

На протяжении нескольких лет сохраняется традиция чтить память Ирины Александровны «музыкальным приношением», не стал исключением и нынешний год. 5 мая в Малом зале им. Г. Ширмы Белорусской государственной филармонии царила невероятно тёплая, одухотворённая атмосфера, звучали добрые слова и воспоминания, часть из которых нашла отражение в напечатанной программе концерта:

«Имя Ирины Александровны Цветаевой для музыкальной культуры республики очень значительно, ибо вбирает в себя не только традиции русского фортепианного исполнительства, связанного прежде всего с игумновской эстетикой звучания рояля, но и открывает эру белорусской пианистической школы» (Ю. Гильдюк).

 «Память об Ирине Александровне для нас, её учеников, это не просто размышление о дорогом для нас всех человеке и учителе. Это руководство к действию, к поиску цели, к творческой отваге… Неисчерпаемая жизненная энергия нашей учительницы не признавала никакой самоуспокоенности, настойчиво звала вперед через борьбу и преодоление к новым горизонтам. “Покой нам только снится”, – эта крылатая фраза, которую Ирина Александровна так любила повторять, как нельзя более точно иллюстрировала состояние ее великой человеческой души, направленной с любовью и надеждой к юным воспитанникам. Идут годы, но с нами её неугасимый, притягательный образ. Память бережно сохраняет его как идеал духовного горения, что дает ни с чем несравнимое ощущение полноты жизни. Жизнь в Музыке! Счастливая принадлежность к этому останется для нас надолго неисчерпаемым источником жизненных сил и творческих достижений» (И. Оловников).

В первом отделении в исполнении фортепианного дуэта Екатерины Бутько и Елены Алексеевой ярким калейдоскопом пронеслись сочинения Р. Шумана (Andante и вариации ор. 42), П. Чайковского («Вальс цветов» из балета «Щелкунчик»), М. Равеля («Моя матушка-гусыня») и С. Рахманинова («Романс» и «Тарантелла» из Сюиты для двух фортепиано № 2, ор. 17). Сама Ирина Александровна, как отметила ведущая концерта музыковед Алла Агаркова, с удовольствием останавливалась в своей практике на сочинениях этих композиторов, в особенности на опусах русских классиков: П. Чайковского, С. Рахманинова, Н. Метнера, С. Прокофьева, произведения которых составили почти половину концертной программы.

Большой творческий интерес Цветаевой вызывала и концертмейстерская деятельность. В память о её любви к камерному ансамблевому исполнительству во втором отделении концерта прозвучали красочные и разнообразные по стилистике и характеру миниатюры в исполнении различных по составу дуэтов. Музыканты представили яркую палитру инструментальных и вокально-инструментальных сочинений А. Даргомыжского, И. Брамса, П. Чайковского, Г. Вольфа, С. Рахманинова, Н. Метнера, С. Прокофьева, Г. Кассадо, Дж. Гершвина, Д. Смольского.

Концерт ещё раз подтвердил успех белорусской фортепианной школы, огромный вклад в развитие которой внесла Ирина Александровна Цветаева – талантливый педагог и пианистка, вдохновившая своей жизненной энергией, творческим горением и энтузиазмом учеников и последователей.

Анастасия Буряк

(III курс, отд. музыковедения)

 

Музычна-паэтычны вечар, прысвечаны творчасці Чурлёніса

«И здесь уж нет ни Чайковского, ни Шопена, ни  Штрауса, а звучат какие-то новые, свои слова…

Чувствуется, что еще один шаг – и композитор  найдет себя,

отыщет новые возможности для проникновения живописной стихии в музыку,

подобно тому, как обратных отношений ему удалось достигнуть в живописи…»

У. Каратыгін

«І музыкай, і фарбамі, і паэзіяй» быў прасякнуты музычна-паэтычны вечар, прысвечаны творчасці Мікалоюса Канстанцінаса Чурлёніса. Гэтымі ж мастацтвамі ўсё жыццё захапляўся і сам майстар – выдатны літоўскі дзеяч канца XIX – пачатку XX стагоддзяў, кампазітар еўрапейскага і мастак сусветнага ўзроўню. І сапраўды, той, хто аднойчы пачуў гэта імя, назаўсёды пакіне яго ў сваёй свядомасці.

Так адбылося і з тымі, хто 18-га мая 2010 года у Міжнародны дзень музеяў прыйшоў у Беларускі дзяржаўны літаратурны музей Янкі Купалы. Гасцінна сустракалі тут прадстаўнікоў Літоўскага пасольства, студэнтаў Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі, а таксама простых наведвальнікаў, неабыякавых да высокага мастацтва. Музыка, жывапіс і паэзія ў гэты вечар суіснавалі ў непарыўным адзінстве, адкрывалі наведвальнікам чароўны свет, імя якому – мастацтва. У выкананні прафесійных музыкантаў гучалі музычныя творы Чурлёніса: прэлюдыі, фугі, апрацоўкі народных песень ігралі студэнты Акадэміі музыкі і іх выкладчык – дацэнт кафедры фартэпіяна Наталля Сазановіч. На імправізаваную музейную «сцэну» па чарзе выходзілі М. Дабралёт, А. Пілатаў, І. Свіціч, К. Круглінская, Х. Кушнер, А. Мельнікаў, Т. Лясько, А. Карагіна, М. Несцерава, Н. Анціпава. А тое, што творчасць Чурлёніса, яго асобныя ідэі маюць паслядоўнікаў і прадаўжальнікаў, пацвердзіў выхад М. Латушкі – ён выканаў уласныя творы, якія арганічны «упісаліся» у агульны кантэкст вечара.

Паралельна дэманстраваўся і відэарад: на вялікім экране адна за адной ішлі «музычныя карціны» Мастака, якія літаральна «гучалі» і разам з музычнымі творамі стваралі адзіную сінтэтычную прастору. Не абыйшлося, дарэчы, і без літаратурнага напаўнення – супрацоўніца музея Ала Дражына словам пагружала удзельнікаў у асаблівую атмасферу, адкрывала новыя грані асобы і творчасці Чурлёніса. Сярод цікавых і малавядомых фактаў – знаёмства Чурлёніса і беларускага Песняра – Янкі Купалы, іх творчыя сустрэчы і ўзаемадзеянне.

Фінальным акордам вечара стала выступленне удзельнікаў хору Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі. Калі дагэтуль гучала фартэпіянная музыка Чурлёніса, то напрыканцы канцэрта наведвальнікі пачулі яго харавыя творы, а дакладней – літоўскія народныя песні ў харавой апрацоўцы.

«І музыка, і фарбы, і паэзія» суіснавалі ў непарыўным адзінстве на гэтым вечары – прыкладна так, як і прага да іх жыла ў выдатным Мастаку – Чурлёнісе.

Кацярына Круглінская

(IV курс, адз. музыказнаўства)

 

Дыхание прошлого: опера В. Солтана «Дзікае паляванне караля Стаха»

22 сентября 2010 г. на сцене Национального академического Большого театра оперы и балета Республики Беларусь прошёл спектакль «Дзікае паляванне караля Стаха».

Собираясь в пурпурно-золотом зале Большого театра оперы и балета, пёстрая разноликая публика, возможно, не сознавала, что здесь и сейчас непременно свершится великое таинство: на отреставрированной сцене будет показана единственная белорусская опера, продержавшаяся в репертуаре театра вот уже 21 год среди таких шедевров мировой оперной классики, как «Евгений Онегин» Чайковского, «Царская невеста» Римского-Корсакова, «Князь Игорь» Бородина, «Свадьба Фигаро» и «Волшебная флейта» Моцарта, «Травиата» и «Набукко» Верди, «Кармен» Бизе. Двухактная опера Владимира Солтана, написанная на либретто Светланы Климкович по повести Владимира Короткевича, – образец сочетания стилистических черт белорусской народной песенности с традициями неоромантизма, которые проявляются в первую очередь в выборе сюжета и характере музыкального материала. Сценическая судьба оперы на протяжении всех этих лет складывалась весьма удачно: произведение ставилось в Большом академическом театре оперы и балета практически каждый сезон, кроме того, «Паляванне» было представлено зрителям под открытым небом в минском Троицком предместье, природные декорации которого как нельзя лучше воздействовали на восприятие романтического сочинения. Даже в тяжёлые для театра времена капитального ремонта король Стах не покидал сцены: дважды опера прошла в Доме офицеров и была доброжелательно принята публикой. И вот эта национальная реликвия вновь обрадовала белорусских зрителей своим появлением на сцене обновлённого театра.

Лишь только занавес распахнулся, раздались первые звуки оркестра: сначала едва слышные унисоны контрабасов, обрисовывающие лейтинтонацию дикой охоты, затем глухие, чуть уловимые мерные удары литавр. Надвигающийся словно сквозь туманную завесу топот десятков конников, изображаемый колокольным, почти «мусоргским» пиццикато струнных, огромное оркестрового crescendo вместе с эффектным мерцающим световым оформлением зримо рисуют потустороннюю силу – дикую охоту короля Стаха. Вообще в опере оркестр предстаёт во всём многообразии тембровой палитры: это и мощное оркестровое tutti, и контрастная ему лёгкая звенящая челеста, рисующая заколдованный, спящий в вечном оледенении замок, а вместе с ним и замёрзшее сердце главной героини – юной Надежды Яновской.

Замечательный сценический дуэт вокалистов Елены Бунделевой и Владимира Громова на протяжении всего спектакля радовал зрителей высокопрофессиональным исполнением ролей Яновской и Белорецкого. В. Громов стал достойным преемником своего учителя Виктора Скоробогатова: хочется отметить его отменное владение голосом и способность к тонкой фразировке. Талантливая певица Е. Бунделева блеснула не только своим вокальным мастерством, но и отличной хореографией: в паре с Дубатовком она эффектно прошла тур вальса. Заслуженный артист РБ Александр Кеда ярко исполнил сложнейшую роль Дубатовка, обрисовав неоднозначный образ опекуна Яновской; полны подлинной экспрессии его арии – рассказ о дикой охоте и признание в преступлении. Одним из самых запоминающихся номеров, как музыкальных, так и сценических, является знаменитый вальс на балу, посвященному дню рождения Яновской: впечатляет и оркестровое мастерство композитора, развившего начальную прозрачную тему в партиях гобоя и флейты до громогласного tutti оркестра в кульминации, и сценические решения. Отличная режиссёрская находка Вячеслава Цюпы: перед самым напряжённым моментом номера Дубатовк становится на одно колено и протягивает руку Яновской, приглашая её на танец; не знакомых с содержанием оперы слушателей этот ход призван натолкнуть на подозрения относительного «добрых» намерений опекуна по отношению к своей подопечной и её гостю. Убедительны в исполнении своих партий были народный артист Беларуси Ярослав Петров (Рыгор) и Юрий Городецкий (Светилович): глубокий бас Я. Петрова и воодушевлённый тенор Ю. Городецкого глубоко тронули души зрителей.

Хор Большого театра многосторонне раскрылся в массовых сценах: и в роли буйствующих пьяных гостей на вечеринке у Дубатовка, и в хоре девушек, возвращающихся с работы с весёлыми песнями, и в образе утомлённых вечным страхом перед дикой охотой крестьян, исполнивших за сценой едва слышный, но потому ещё более впечатляющий напев «Ой, ляцелі гусі з-пад Белай Русі». Этот хор и завершает оперу, становясь своего рода символом любимой Родины.

После заключительного эпизода – разрушения дома главного злодея Дубатовка – публика долго не отпускала артистов со сцены, неустанно аплодируя им, хору, оркестру и дирижеру маэстро Вячеславу Воличу.

Далёкий таинственный король Стах, наше загадочное прошлое, тебя воспели в своих воистину талантливейших произведениях выдающиеся белорусы, спасибо тебе! 

Ирина Машковская

(IV курс, отд. музыковедения)

 

ВАРИАЦИИ НА ТЕМУ «HAPPY BIRTHDAY»: юбилейный вечер профессора Л.П. Юшкевича

29 сентября 2010 г. в концертном зале Академии прошёл творческий вечер, посвященный 70-летию профессора кафедры специального фортепиано Леонида Петровича Юшкевича.

Ни один юбилей не обходится без тёплых искренних поздравлений, радостного настроения, приятных сюрпризов и цветов. И особенно, если это юбилей творческого человека, одарённого артиста и педагога. Этот концертный вечер не стал исключением, поддержав прекрасную традицию «музыкальных чествований» преподавателей-юбиляров, которая давно сложилась в нашем учебном заведении. Ещё до начала вечера впечатлила его «сценография»: по обе стороны сцены были  расположены стенды с коллекцией афиш, которые отражали путь творческого становления музыканта. Было весьма любопытно ознакомиться с непосредственным содержанием этих документов: их временные рамки (от 1960-х до 2000-х годов!) охватывали этапы богатой событиями и достижениями исполнительской и педагогической деятельности Леонида Петровича.

Программа концерта также раскрывала все стороны музыкальной деятельности профессора Л.П. Юшкевича как прекрасного одаренного пианиста, выступающего сольно и в составе ансамбля, как замечательного вдохновенного педагога, воспитавшего не одно поколение музыкантов, а также как чуткого концертмейстера. В концерте принимали участие ученики юбиляра (как нынешние студенты, так и те, кто уже сами являются преподавателями Академии музыки), представители других исполнительских специальностей и, конечно, сам «виновник торжества». Главным стержнем концерта стала фортепианная музыка в разных её ипостасях: сольном и дуэтном исполнении, в ансамблевых сочетаниях.

Первыми свое музыкальное поздравление преподнесли юбиляру его бывшие ученики: солистка Белгосфилармонии, дипломант международных конкурсов (и, одновременно, преподаватель Академии музыки) Наталья Котова и доцент кафедры специального фортепиано Сергей Тургель. В их исполнении прозвучал целый калейдоскоп разножанровых вариаций на известную тему «Happy Birthday» – оригинальное начало для праздничного вечера! Это сразу придало событию непринужденное, праздничное настроение, которое не покидало присутствующих на протяжении всего концерта. Радостный тон пьесы подчеркнули такие исполнительские тонкости, как детализированность нюансировки, ясность имитационных перекличек между партиями, не говоря уже о безупречном владении виртуозной техникой исполнителей и большой слаженности дуэта.

Музыкально-поздравительную эстафету подхватило младшее поколение студентов класса Л.П. Юшкевича. Своё исполнение посвятили преподавателю лауреаты международных и республиканских конкурсов, стипендиаты специального фонда Президента РБ по поддержке талантливой молодежи Михаил Елецкий и Юлия Старостенкова. Первый выступил с двумя виртуозными произведениями: Этюдом № 23 Ф. Шопена и Этюдом «Метель» Ф. Листа – известными сочинения, без которых, пожалуй, не обходится репертуар ни одного пианиста. Темпераментное, эмоциональное исполнение Михаила, продемонстрировавшего свободное владение сложной техникой, динамические «всплески» и «волны» (бурные скатывающиеся лавины звуков в первом сочинении, завывания метели во втором) никого не оставили равнодушным. Студентка III курса Юлия Старостенкова исполнила первую часть Второго концерта для фортепиано С. Рахманинова, при этом в роли оркестра за вторым роялем выступал сам юбиляр. Игра студентки отличалась уверенностью, мощью и свободой, органичной физической пластикой, явно чувствовалось её наслаждение от исполнения. Колокольность, русская распевность, насыщенность фактуры звуковыми «потоками» – все эти характерные черты стиля С. Рахманинова (кстати, любимого композитора Л.П. Юшкевича) были переданы дуэтом мастерски и с воодушевлением. Воистину, успехи учеников – лучший подарок для учителя!

Затем на сцену вновь вышли Наталья Котова и Сергей Тургель теперь уже с более «серьёзными», «официальными» музыкальными поздравлениями (их совместное выступление в начале концерта воспринималось лишь весёлой настройкой на праздник), когда несомненная виртуозность, опытность этих музыкантов смогли проявиться со всей очевидностью. В прекрасном исполнении Натальи Котовой прозвучало Скерцо № 3 Ф. Шопена. Великолепен был дуэт Сергея Тургеля с доцентом кафедры народных инструментов, лауреатом международных конкурсов Мариной Ильиной. Весёлый, игривый тон обработки русской народной песни «Камаринская» А. Шалова подчеркнул мажорные оттенки в общем настроении вечера, а звучание балалайки привнесло в «монохромность» фортепианного темброво-фонического пространства концерта новые краски.

В концерте прозвучало и «музыкальное приношение» имениннику от артистов Национального академического Большого театра оперы и балета Беларуси в лице солистки Анастасии Москвиной, которая исполнила известную арию Лауретты из оперы «Джанни Скикки» Дж. Пуччини (концертмейстер – Елена Олимпиева). При этом обращение Лауретты к отцу («O mio babbino caro» – «О, мой отец дорогой») невольно воспринималось как полное душевной теплоты признание, адресованное юбиляру.

Яркой и ожидаемой кульминацией вечера явилось выступление самого Леонида Петровича. Пианист свободно и мастерски исполнил два сочинения Ф. Шопена – Фантазию f-moll и блестящий Полонез As-dur. «Счастливый пленник музыки!» – хотелось повторить вслед за ведущей этого вечера, музыковедом Инной Зубрич.

Кроме самых светлых и радостных впечатлений юбилейный вечер оставил и ещё одно, поначалу едва уловимое ощущение, которое становилось отчетливее с ходом концерта: ощущение чего-то в высшей степени закономерного и символичного, ощущение некого этапного свершения, когда в знаковый момент не знающее случайностей Время расставляет всё по своим местам. Символично, что именно в концертном зале Академии музыки, в зале, который был свидетелем становления Л.П. Юшкевича как исполнителя, свидетелем его успехов как пианиста и педагога, в зале, подарившем юбиляру столько волнительных мгновений и горячих аплодисментов, проходил теперь и юбилейный вечер Леонида Петровича. Весьма символичной казалась и связь поколений, идея творческой преемственности «учитель–ученик», воплощенная в программе концерта. Причём совершенно органично влилась в это русло и непосредственная родственная связь: неожиданным и приятным сюрпризом стало выступление маленького внука Леонида Петровича – Василия Батенина, ученика подготовительного класса Республиканского колледжа при БГАМ, который сыграл небольшую пьесу. Музыкальные задатки мальчика, которые уже ощущались в его исполнении, живая детская пластика и непосредственность тронули самые нежные струны слушательских сердец.

Поздравлениям не было конца. С тёплыми пожеланиями и словами благодарности выступили заведующая кафедрой фортепиано БГПУ им. М. Танка Наталья Подголина, профессор Белорусской государственной академии музыки Владимир Кокушкин и многие другие. Оба рояля на сцене расцвели от ярких букетов! И это море цветов, которые преподносили маэстро друзья, коллеги, поклонники творчества и даже, что особо трогательно, маленькие дети, будто символизировало очередной этап «цветения» творческой деятельности юбиляра. Пожелаем и мы Леониду Петровичу хороших учеников, неиссякаемой энергии и новых творческих встреч с публикой! 

Валерия Рыдкина

(IV курс, отд. музыковедения)

 

ПОЗДРАВЛЯЕМ!

30 сентября 2010 г. Президент Республики Беларусь дал согласие на назначение ректором УО "Белорусская государственная академия музыки" доктора искусствоведения, профессора Екатерину Николаевну Дулову, ранее занимавшую должность проректора по научной работе. 6 октября состоялось представление нового ректора Министром культуры Павлом Павловичем Латушко.  

Поздравляем с назначеньем,

Очень рады мы за Вас!

Звуков новых пробужденья,

Добрых дел, счастливых глаз.

Разных творческих свершений,

А в дальнейшем – и наград,

Верных ректорских решений,

Личных Вам в семье отрад!

Яркий свет пусть Вам подарит

Ежедневный славный труд.

Музыка пусть БГАМ прославит,

!И в сердцах найдёт приют!

Студенты отделения музыковедения  

 

Да здравствуют Академии, или Молодежная музыкальная академия – 2010

2–9 октября 2010 г. Белорусская государственная академия музыки во второй раз принимала участников Молодежной музыкальной академии стран СНГ. Целую неделю проходили мастер-классы, творческие встречи, концерты студентов и профессоров музыкальных вузов разных стран. В сравнении с прошлогодней нынешняя Вторая Молодёжная музыкальная академия (ММА)  приобрела самостоятельность и больший размах: теперь она является не частью уже пятого по счету Международного фестиваля Юрия Башмета, а отдельным проектом Межгосударственного фонда гуманитарного сотрудничества стран СНГ, организованном при поддержке Министерства культуры Республики Беларусь. Артистическим директором ММА по-прежнему остаётся Юрий Башмет, который так определил «взаимоотношения» фестиваля и академии: «Считайте, что они братья-близнецы, поэтому просьба их не разделять, но и не путать».

А вас посчитали?

Статистика – дело серьезное. И хотя музыканты обычно с математикой не очень «дружат», цифры иногда бывают действительно красноречивы: Молодежная музыкальная академия собрала 30 молодых участников из 10 стран. Самой представительной, естественно, была «команда хозяев», включившая шесть студентов нашей Академии: это Алексей Багринцев (2 курс, виолончель), Александра Иванова (2 курс, альт), Андрей Иванов (1 курс, фортепиано), Андрей Кущенков (5 курс, вокал), Ольга Перегуд (магистратура, вокал) и Екатерина Пукст (4 курс, скрипка). Пятеро участников приехали из Украины, по четыре – из Армении, России и Узбекистана, по двое – из Азербайджана и Казахстана, по одному – из Молдовы, Таджикистана, Туркменистана.

Исполнительский состав был таков: четыре виолончелиста, пять альтистов и пять вокалистов, по восемь пианистов и скрипачей. Учитывая, что с пианистами занимались два педагога (Мурад Адыгезалзаде из Азербайджана и Сергей Эдельман из Бельгии), а с представителями других специальностей – по одному (со скрипачами – Александр Тростянский из Московской консерватории, с альтистами – Виталий Астахов, также из МГК, с виолончелистами – Христофор Мирошников из Греции, с вокалистами – москвич Дмитрий Вдовин), нетрудно предположить, что тем же скрипачам времени катастрофически не хватало: из четырёх часов, предусмотренных ежедневно на индивидуальные занятия, на одного студента приходилось всего полчаса. Учитывая, что к этой ММА каждый участник должен был подготовить достаточно развёрнутую обязательную программу, нетрудно подсчитать, что за отведённое время можно было успеть лишь проиграть скрипичный концерт, но не поработать на ним. Естественно, постепенно проблема разрешилась, но в первые дни подобных «накладок», не предусмотренных организаторами, хватало. Администрация нашей Академии всячески шла навстречу участникам (маленький класс для занятий скрипачей был заменён на концертный зал первого корпуса, который действительно вмещал всех желающих), но улучшить положение дел не всегда удавалось.

Мастер-классы: мастера и классы

Начнём с классов. По просьбе московских профессоров все мастер-классы, в отличие от прошлогодней ММА, проходили в главном корпусе. Аудитории для самостоятельных занятий выделялись также и во втором корпусе, однако туда многие участники так и не дошли. Связано это не в последнюю очередь с тем, что действовал принцип «естественного отбора»: кто первый, у того и ключ от класса. А классов, как всегда, не хватало – это наша вечная, увы, проблема. Если ММА и дальше будет расширяться в количественном составе (что совершенно естественно!), проблема, соответственно, усугубится. В расширении ММА заинтересованы все. Если до сих пор в центре внимания оказывались преимущественно струнники, то в дальнейшем, по заверениям организаторов во главе с Юрием Башметом, количество специальностей будет расти. Уже сейчас среди творческих встреч с ведущими мастерами было заинтересованное общение с итальянским флейтистом Массимо Мерчелли и с российским трубачом Владиславом Лавриком.

В целом, все творческие встречи, проходившие и по принципу традиционных мастер-классов, и в режиме вопросов-ответов, были очень разными со столь же разным КПД (коэффициентом полезного действия). Другими словами, полезными были все, но по-разному. Труднее всех пришлось, вероятно, Сергею Эдельману, который открывал эту серию 3 октября в воскресенье: студенты попросту не успели сориентироваться, потому и было их маловато. Да и сам профессор поначалу, казалось, не совсем представлял, что ему делать с собравшимися, однако начал с работы над бетховенским стилем (за роялем была молодая украинская участница ММА), а затем перешёл к рассказу о себе и ответам на вопросы. В результате мы узнали, что он впервые в Минске, родился в семье музыкантов, потому и вырос «вместе с музыкой рояля», встречался с легендарным Владимиром Горовицем в домашней обстановке: играл ему полтора часа, после чего тот загорелся, сам начал играть и рассказывать. Интересными были замечания о системе музыкального образования в Японии, где С. Эдельман профессорствовал в Академии музыки в Токио. Построив систему высшего музыкального образования по принципу немецкой модели, ориентируясь на лучшие европейские и славянские образцы, японцы, оказывается, труднее всего преодолевают барьеры, связанные с пониманием музыкальной фразы: фразировка, как известно, зависит от речевой интонации, на японском же фразы звучат ровно, фонетически выверено, и проявление эмоций на людях считается дурным тоном.

Массимо Мерчелли, лауреат международных конкурсов, артистический директор фестиваля в Реджио-Эмилия, с помощью переводчика провёл флейтовый мастер-класс, где основное внимание обращал на качество звучания, умение играть, строго придерживаясь стиля, учитывая особенности инструментария эпохи.

Юрий Башмет работал со студентами не час, как планировалось, а два. При этом не только давал указания и советы нашей Александре Ивановой и Льву Лойко, приехавшему из России, но и в свойственной ему манере частенько модулировал в «интерактив» с залом. То, как следует играть, он показывал и на рояле, и совместно со студентом (студенту – альт, себе – смычок), беспрестанно курил, нарушая самые строгие распоряжения ректора о «зоне, свободной от курения», и даже танцевал. В завершение он получил собственный портрет, выполненный молодым художником: тот специально пришёл на встречу, чтобы вручить подарок.

Встреча с Дмитрием Вдовиным, художественным руководителем молодёжной оперной программы Государственного академического Большого театра России, превратилась в его вдохновенный монолог. Обращаясь преимущественно к студентам-вокалистам, оперный критик и профессор Академии музыки им. Гнесиных призывал их вступать в молодёжные оперные программы. Своё выступление он предварил словами об этом фестивале, давшем прекрасную возможность международного взаимодействия музыкантов, затем коротко рассказал о собственном творческом пути. Перейдя к основной теме, Д. Вдовин говорил о необходимости для молодых исполнителей знать языки, уметь общаться с людьми для установления творческих связей, правильно подбирать певческий репертуар, участвовать в конкурсах, учитывать особенности при работе с агентами. Пламенные призывы выступающего были не голословными, а сопровождались множеством живых примеров из собственной творческой практики, рассказами о своих учениках, сделавших значительную карьеру в области оперного искусства (В. Ладюк, Д. Корчак, К. Сюрина, М. Миронов, С. Романовский и др.). Дмитрий Юрьевич высказал также несколько пожеланий и предложений по улучшению ситуации в оперных театрах, затронув вопросы акустики, взаимоотношений певцов и дирижёра, певцов и оркестра и т.д.

Знаменитый скрипач Виктор Третьяков, увлекательная встреча с которым была и в прошлом году, на этот раз не только провёл собственно мастер-класс, но и подробно рассказал о своей педагогической деятельности в Кёльне. Тамошняя система обучения близка российской консерваторской программе, однако за все годы обучения (кроме вечеров класса, которые проводятся один раз в семестр), студенты играют перед комиссией всего дважды. Первый раз – двадцать минут на экзамене, второй – час при получении диплома. При этом в репертуаре скрипача должна быть соната, фуга, обязателен концерт Моцарта (часть – по выбору экзаменатора) либо Гайдна, реже – Бетховена, а также оркестровые tutti. Последнее особенно важно, т. к. на Западе готовят, в основном, оркестрантов, у нас же всё обучение направлено на сольную деятельность. К тому же, там считают, что детей нельзя перегружать в школе: если ученик занимается музыкой всего один час в день, это считается уже очень хорошо. В. Третьяков заметил, что вопреки такой системе бывают и хорошие результаты.

Профессор Высшей школы Ханса Эйслера, альтист Берлинской филармонии Вальтер Кюсснер обратился к широко распространённой на Западе проблеме работы музыканта в ансамбле и оркестре. Известно, что даже блестящие музыканты, гастролирующие солисты вызывают непонимание со стороны коллег при выступлении в ансамбле. По словам В. Кюсснера, все хотят стать «Юриями Башметами». Это похвально, но осуществить на деле не так-то просто. В отличие от скрипачей, которые прекрасно могут проявить себя в сольном исполнительстве, для альтистов гораздо больше возможностей заложено именно в камерной музыке большого состава. На это и нацеливал публику выступающий. Затем он провёл мастер-класс, продемонстрировав работу над правильной позицией рук, особенностями звукоизвлечения, технологией штриха. В творческий процесс были вовлечены все присутствующие, активно задавались вопросы.

Много интересного можно было услышать и на творческой встрече с лауреатом международных конкурсов, руководителем мастер-классов во Франции, Мексике, США, греческим виолончелистом Христофором Мирошниковым, а также на мастер-классе знаменитого российского трубача Владислава Лаврика. Дополнением к официально утвержденной программе ММА стали мастер-классы других участников фестиваля: всемирно известных пианистов Пауля Бадуры-Шкоды (Австрия) и Алексея Любимова (Россия), виолончелиста Марио Брунелло (Италия). Отметим, что встречи продолжались и после отъезда представителей стран СНГ для наших молодых музыкантов в Республиканской гимназии-колледже при БГАМ и в самой Академии. П. Бадура-Шкода провёл блистательную двухчасовую лекцию (в качестве переводчика, кстати, выступил наш пианист Александр Музыкантов) об интерпретации Моцарта, Шопена, другой музыки от барокко до ХХ века, сопровождая свои высказывания исполнением наизусть огромного количества произведений. В завершение он подарил нотные издания Моцарта с собственными каденциями.

Вместо каденции: от теории к практике и далее

В целом, повторим, яркими, запоминающимися были все встречи. Много прекрасной музыки в великолепном исполнении прозвучало на трёх концертах в рамках ММА: на первом, в Большом зале Белорусской государственной филармонии, «экзамен сдавали» сами профессора, второй концерт, проходивший непосредственно в нашей Академии, стал презентацией участников ММА, а на заключительном гала-концерте в филармонии молодежь, получив дипломы, выступала не только на одной сцене, но и в совместных ансамблях со звёздами. Отметим, что белорусские молодые исполнители были на высоте и, в сравнении с некоторыми участниками из других стран, действительно стремились получить от ММА максимальный результат, активно откликаясь на любые творческие предложения. Особый поклон – нашим концертмейстерам, которые поддерживали всех участников музыкально и, зачастую, морально. И это при том, что кое-кто из «подающих надежды» умудрился… забыть дома ноты.

Уровень участников действительно был разным. Иногда настолько, что это мешало созданию совместных ансамблей, хотя среди молодых музыкантов были и настоящие будущие звёзды, различимые уже сегодня. Пикантное продолжение имела одна из творческих встреч. Воспряв духом от услышанного и увиденного на ней, один из особо рьяных, жадно тянущихся к знаниям первокурсников решил тут же претворить теорию в практику. Усвоив изложенную лектором первую и главную заповедь молодого музыканта «стучите в двери – вам откроют», назавтра он постучался (в прямом смысле слова) на мастер-класс приезжей знаменитости, и тут же получил классический «от ворот поворот»: маэстро проводил индивидуальные занятия исключительно при закрытых дверях. Другой студент, уговорив мастера прослушать его и дать совет, так и не сумел добиться повторной встречи, чтобы убедиться, правильно ли были поняты полученные указания, и оценить результаты.

Всё это лишний раз доказывает, что без базового музыкального образования, без постоянной работы с педагогом, что обеспечивается Академией музыки и другими вузами культуры, никакие мастер-классы не помогут. Но и «вариться» исключительно в собственном соку нельзя – необходим свежий воздух извне. Так что выход, как ни банально, заключается не только в максимально большом количестве мастер-классов, но также в их продолжительности и искренней заинтересованности приезжих профессоров. Огромную пользу приносят не столько кратковременные разовые встречи со звездами, сколько нацеленность творческого общения на пусть маленький, но результат. Другими словами, недостаточно сказать участнику мастер-класса о необходимости добиться того или иного качества, важно показать конкретные шаги, как это сделать, и проследить хотя бы за первым результатом, чтобы убедиться, что ученик на правильном пути. Всё это возможно лишь при неспешной и, главное, кропотливой работе. Поэтому, всячески поддерживая ММА, нельзя игнорировать и другие формы приглашения к нам зарубежной профессуры. Как показала практика, наибольший эффект приносят те музыканты, которые приезжают «по знакомству», т. е. по приглашению наших педагогов: они и заниматься готовы не только в отвёденные часы, но и дополнительно, и прослушать стремятся всех, кто к ним обращается, и на повторные встречи, о необходимости которых речь шла выше, обычно соглашаются без дополнительных уговоров.

Таким образом главным девизом остаётся: «Больше мастер-классов, хороших и разных!». И проходящих, в том числе, в рамках Молодежной музыкальной академии стран СНГ и других проектов, финансируемых как из белорусских, так и зарубежных источников.

Александра Беть, Мария Нестерова, Татьяна Осейко

и другие студенты III курса отделения музыковедения

 

БРАВО, «КРЕМЕРАТА»!

13 октября 2010 г. в Минске завершился V Международный фестиваль Юрия Башмета, в рамках которой проводилась II Молодёжная музыкальная академия стран СНГ.

Отзвучали шедевры мировой музыки в исполнении легендарных музыкантов, собранных в белорусской столице усилиями неутомимого «Паганини альта». Схлынули первые впечатления от увиденного и услышанного. Настало время оценок, размышлений и воспоминаний. Очередной праздник Высокого Искусства стал страничкой музыкальной истории. В обращении к участникам фестиваля маэстро Юрий Башмет отметил, что «встречи в Минске стали уже традицией – живым и вдохновляющим диалогом». С этим трудно спорить. Ежегодный мировой форум проводится в Беларуси с 2006 года. Как отметил автор идеи фестиваля и его художественный руководитель, известный белорусский пианист Ростислав Кример, за эти 5 лет фестиваль смог обрести настоящий размах и стать одним из самых значимых событий в культурной жизни не только нашей республики, но и всего СНГ.

Юбилейный фестиваль порадовал ценителей классики созвездием имён. В течение недели на сцене Белорусской государственной филармонии выступили звёзды мирового исполнительского искусства. В их числе – обладатели престижной музыкальной премии «Грэмми» камерные ансамбли «Солисты Москвы» Юрия Башмета и «Кремерата Балтика» Гидона Кремера; один из самых знаменитых в мире ансамблей аутентичного исполнения старинной музыки «Хортус-музикус» Андреса Мустонена (последний раз этот уникальный эстонский коллектив приезжал в Минск 20 лет назад!). В качестве солистов на филармоническую сцену вышли народный артист России пианист Алексей Любимов и итальянский виолончелист Марио Брунелло, удостоенный первой премии на конкурсе Чайковского, музыканты выступили в сопровождении Государственного академического симфонического оркестра Республики Беларусь под управлением выдающегося немецкого дирижёра Юстуса Франца. В исполнении Гидона Кремера и литовской виолончелистки Гиедре Дирванаускайте прозвучала мировая премьера сочинения Виты Полевой для скрипки и виолончели «Гольфстрим», посвящённого этим исполнителям.

В рамках фестиваля проводились мастер-классы и творческие встречи с профессорами Второй Молодёжной музыкальной академии стран СНГ. Как не вспомнить их громкие имена: Юрий Башмет, Виктор Третьяков, Сергей Эдельман, Виталий Астахов, Дмитрий Вдовин и многие другие. А как не сказать о ярчайших выступлениях студентов Молодёжной академии и в качестве солистов, и в ансамбле со своими педагогами – легендарными исполнителями! И это далеко не все имена и не все мероприятия, проводившиеся в рамках этой масштабной культурной акции.

Не претендуя на целостный показ панорамы фестиваля, хочу поделиться своими впечатлениями от одного из самых запомнившихся мероприятий, которые мне удалось посетить. Это было выступление 8 октября в Большом зале Белгосфилармонии камерного ансамбля «Кремерата Балтика» под управлением Гидона Кремера. Молодёжный камерный гастрольный ансамбль был организован Гидоном Кремером в честь своего 50-летия в 1997 году, в него вошли наиболее яркие молодые музыканты прибалтийских стран. Этот оригинальный коллектив быстро завоевал популярность и любовь слушателей во всех странах мира, стал лауреатом ряда престижных музыкальных премий. Ансамбль успешно сотрудничает с крупнейшими дирижёрами и солистами, такими как В. Ашкенази, К. Эшенбах, К. Нагано, сэр С. Рэттл. Репертуар ансамбля обширен и разнообразен, большую его часть составляют сочинения современных композиторов. И это не случайно. Как сообщается на одном из интернет-ресурсов, «... Гидон Кремер с ранних лет тяготеет к исполнению современной музыки и сотрудничеству с композиторами своей эпохи. Он стал первым исполнителем ряда произведений А. Шнитке, Э. Денисова, С. Губайдулиной, Г. Канчели и других, ему посвящены многие произведения современных композиторов» [www.classic-music.ru/kremer.html]. Сам Кремер всегда считал, что нужно идти в ногу со своим временем, и «перенёс, наверное, эту задачу на музыкантов "Кремераты Балтики"».

Музыканты убедительно доказали свой интерес к современной музыке исполнением произведения «Мосты к Баху» Г. Канчели и «Солнечного триптиха» для скрипки, виолончели и камерного оркестра Д. Табаковой (солисты – Г. Кремер и Г. Дирванаускайте). Оба сочинения посвящены Гидону Кремеру и его коллективу. Бурными аплодисментами встретила публика исполнение Трёх танго для скрипки, вибрафона и оркестра А. Пьяццоллы. Творчество знаменитого аргентинского тангеро в настоящий момент является одной из основных сфер внимания Г. Кремера, не так давно «Кремератой» была записана оперетта А. Пьяццоллы «Мария из Буэнос-Айреса». Астора Пьяццоллу часто называют автором популярных эстрадных аргентинских танго. Позволю себе не согласиться: композитор, получивший в юности профессиональное музыкальное образование, в своём творчестве удивительным образом балансирует на грани эстрадной и академической музыки, это и делает его творчество таким популярным. Музыка Пьяццоллы вобрала в себя некий драйв массовой культуры и стала по-настоящему высоким искусством, при этом доступным широкому кругу слушателей. Тем более ни капли эстрадности не было в исполнении «Кремераты»: это была музыка, наполненная глубоким содержанием, страстная и экспрессивная, яркая и впечатляющая, порой остро драматическая, как и то время, в которое творил Пьяццолла.

Делая акцент на исполнении современной музыки, «Кремерата» в равной мере блестяще озвучивает и классические партитуры. В минском концерте прозвучали Квартет ор. 131 Л. Бетховена и Концерт «Лето» А. Вивальди из цикла «Времена года». «Универсальность музыки – для меня самое важное», – подчёркивает Гидон Кремер. И разве можно назвать эту музыку несовременной? Если она привлекает внимание исполнителей и находит отклик у слушателей, значит, она современна человеку наших дней, хотя и создана столетия назад. Классики в «чистом виде» в концерте и не было: квартет Бетховена был представлен в переложении для струнного оркестра, а концерт Вивальди и вовсе был обработан талантливым украинским вибрафонистом Андреем Пушкарёвым для своего инструмента и ансамбля, так что в афише можно было указывать двойное авторство – Вивальди-Пушкарёв. Музыка Вивальди осталась, но в своих виртуозных каденциях Пушкарёв уходил далеко от текста первоисточника и, как мне показалось, говорил уже о своём времени. Это был некий межэпохальный диалог между представителем итальянского музыкального Барокко и нашим современником.

В исполнении «Кремераты» меня прежде всего поразила глубина проникновения в музыку. Впечатлила удивительная слаженность и взаимопонимание между артистами, казалось, они даже дышат синхронно. Это был действительно ансамбль, где каждый участник равноценен, но при этом главенство «папы Гидона», как его называют участники коллектива, неоспоримо. Его личность обладает неким магнетизмом и приковывает к себе внимание и исполнителей, и слушателей.

Теснясь с друзьями на ступеньках переполненного публикой балкона филармонии, мы вбирали в себя это подлинно Великое Искусство подлинно Великих Музыкантов, «...слушали, как эта вечность в нас перетекала». Хочется верить, что «пятилетний ребёнок, крепко стоящий на ногах» (такой образ привёл Ю. Башмет на пресс-конференции по случаю открытия V Международного фестиваля), в будущем «подрастёт», «возмужает» и ещё не раз порадует всех нас, любителей классического искусства, незабываемыми встречами с Высокой Музыкой.

 Вячеслав Петько

 (I курс, отд. музыковедения)

 

15 лет И 7 дней: сотрудничество с Национальной консерваторией «Гранд-Нанси»

16–22 октября 2010 г. Белорусскую государственную академию музыки с визитом посещала делегация из Национальной консерватории региона Нанси (Франция). 20 октября в Молодечненском государственном музыкальном училище им. М. Огинского и 21 октября в Белорусской государственной филармонии состоялись концерты Молодёжного белорусско-французского оркестра, в состав которого вошли студенты оркестра  «Молодая Беларусь» Белорусской государственной академии музыки и студенты Национальной консерватории региона Нанси. Дирижировал объединённым оркестром ректор консерватории Нанси, профессор  Жан-Филипп Наварр. Концерты состоялись в рамках 37-го Международного фестиваля искусств «Белорусская музыкальная осень».

Нашу Академию и Консерваторию музыки и танца региона Нанси во Франции связывает уже почти 15-летнее творческое сотрудничество. На протяжении всех лет белорусская сторона была неоднократно удостоена визитами французских коллег – Жана-Филиппа Наварра, который является ректором Консерватории Нанси, а также педагогов и студентов этого учебного заведения. Аналогичным образом Францию посещали Михаил Козинец с пианисткой Натальей Котовой и другими нашими музыкантами, участвуя в совместных концертах. Визиты эти, однако, были «точечными», с участием одного-двух человек. Недавний же приезд Ж.-Ф. Наварра, завершившийся двумя концертами Молодёжного белорусско-французского оркестра под его руководством, выделялся своим размахом. Впервые он прошёл при поддержке Министерства культуры Республики Беларусь и спонсорской помощи от фирмы «Пежо».

Ректор консерватории Нанси приехал в этом году в сопровождении делегации из семнадцати человек, причем пятнадцать из них были французскими студентами-оркестрантами. Французские гости пробыли в Минске неделю, в течение которой они не только каждый день репетировали, но и совершали экскурсии по белорусской столице, побывали в Большом театре на постановке оперы «Богемы» Дж. Пуччини. Наши студенты и юные исполнители из Нанси довольно быстро нашли общий язык не только музыкальный, но и разговорный (то французский, то английский), наладили активное дружеское общение, творческие связи.

20 октября белорусско-французский оркестр выступил с готовой программой в Молодечно, а уже на следующий день – на сцене Большого зала Белорусской государственной филармонии. Этот концерт стал поистине кульминацией всего мероприятия. В программе были три произведения: «Прелюдия к послеполуденному отдыху Фавна» К. Дебюсси, Концерштюк для арфы с оркестром (ор. 39) Г. Пьерне, «Симфония на тему песни французского горца» G-dur для фортепиано и симфонического оркестра (ор. 25) В. д’Энди. К сожалению, зал филармонии был практически полупустым, однако это нисколько не умалило достоинства и значимости концерта. Вступительные слова ректоров Екатерины Николаевны Дуловой и Жана-Филиппа Наварра создали атмосферу знаменательного события и радостного предвкушения предстоящего выступления.

Исполнение первого произведения сразу продемонстрировало высокий уровень оркестра. Можно только догадываться об огромной работе и напряжённых репетициях, которые позволили коллективу, «слепленному» буквально за неделю, звучать очень слаженно и аккуратно, и восхититься профессионализмом Ж.-Ф. Наварра. В Концерштюке для арфы и оркестра Пьерне солировал французский студент Лео Домен. И хотя это произведение прозвучало у оркестра не столь удачно, как первое, после исполнения публика долго восклицала «браво!», заворожённая не только редкой возможностью услышать соло на арфе, но и обаянием юного исполнителя, который показал прекрасное владение инструментом. Симфония для фортепиано и оркестра д’Энди стала ярким завершением вечера. На сцене теперь блистала пианистка Наталья Котова, в очередной раз поразившая слушателей своей великолепной игрой, идеальным балансом и слаженностью соло и оркестра. Восторг и многочисленные просьбы публики сыграть на бис были вознаграждены: оркестр вместе с солисткой ещё раз исполнили окончание этой концертной симфонии.

С ответным визитом во Францию группа белорусских музыкантов, в том числе студентов Академии, отправится уже в марте следующего года, и если в Беларуси звучала французская музыка, то во Францию наша делегация повезёт сочинение белорусского автора – Симфонию № 14 Дмитрия Смольского. Дирижировать объединённым оркестром будет М. Козинец, а Ж.-Ф. Наварр в одном из исполняемых произведений выступит в качестве солиста на клавесине. 

Нестерова Мария

(II курс, отд. музыковедения)

 

В мире Лоренцо Тоцци

С 18 по 22 октября 2010 г. в Белорусской государственной академии музыки проводилась VII Академия старинной музыки, которая подарила нам незабываемые творческие встречи.

Главным гостем Академии стал Лоренцо Тоцци – итальянский музыковед, профессор консерватории Святой Цецилии в Риме, музыкальный критик крупнейшего в Италии журнала «Il Tempo», художественный руководитель ансамбля «Roma barocca Ensemble», кавалер Итальянской Республики в области культуры. В день открытия Академии маэстро прочитал лекцию об итальянской музыке барокко. Речь шла о музыкальных театрах Италии, об интерпретации органной и клавирной барочной музыки, рассматривались вопросы музыкальной нотации. Итальянский музыковед иллюстрировал рассказ музыкальными фрагментами, знакомил слушателей с партитурами произведений эпохи барокко. Встреча прошла в тёплой дружеской атмосфере. Затем в течение недели Л. Тоцци проводил мастер-классы со студентами и аспирантами. Он поделился профессиональным опытом, продемонстрировав высокий уровень исполнительского мастерства. Активное участие в мастер-классах принял Баховский кружок, художественным руководителем которого является доцент Владимир Невдах. В исполнении студентов этого творческого коллектива прозвучали сочинения А. Вивальди, А. Скарлатти, А.  Корелли.

Заключением удивительных встреч с маэстро Л. Тоцци стал концерт «Итальянское музыкальное барокко», который состоялся 22 октября в Национальном художественном музее Беларуси. В исполнении Баховского кружка прозвучали арии и ариозо из опер и кантат К. Монтеверди, Г.Ф. Генделя, Дж. Перголези, А. Чести, С. Ланди, а также токката Дж. Фрескобальди и соната g-moll Б. Галуппи для клавесина, флейты и виолончели. Благодаря прекрасному вокальному и инструментальному исполнению слушатели погрузились в мир музыки барокко. По окончании концерта исполнителям были выданы дипломы участников VII Академии старинной музыки.

Мы благодарим маэстро Лоренцо Тоцци за доставленное удовольствие насладиться звуками барочной музыки.

Екатерина Вахтина

(1 курс, отд. музыковедения)

Творческая встреча с Лоренцо Тоцци и мастер-класс

Лоренцо Тоцци – профессор консерватории Св. Цецилии в Риме, известный итальянский музыковед и критик. В начале своей лекции, которая состоялась 18 октября 2010 г., он затронул вопрос об историко-политическом положении Италии XVII века, обратив особое внимание на господство римско-католической церкви, раздробленность территории страны на мелкие города-государства, огромное влияние известных итальянских аристократических династий и нестабильность в отношениях различных социальных групп. Главным достоинством выступления профессора стало создание достаточно полной картины становления и развития оперного искусства в Италии эпохи барокко. Подробно были описаны условия формирования различных видов итальянских театров (в первую очередь, конечно, драматического и оперного) и осуществления первых оперных постановок, охарактеризованы музыканты, в творчестве которых совершенствовался оперный жанр, и особая роль личности Клаудио Монтеверди. Характеристика жанровой палитры, сюжетов и репертуара спектаклей того времени, важная роль импресарио, на котором лежала большая ответственность за оперные постановки, – всё это также нашло отражение в лекции.

Говоря об итальянском инструментальном искусстве XVII – начала XVIII веков, Л. Тоцци особо подчеркнул значимость и влияние на Дж. Тартини, А. Вивальди, Г.Ф. Генделя, И.С. Баха творчества Арканджело Корелли, ставшего «отцом» скрипичной музыки Западной Европы. Известно, что Корелли был учителем многих известных исполнителей и композиторов, среди которых П. Локателли, Ф. Джеминиани, Дж.Б. Сомис. Как сказал лектор, на родине его и сегодня называют «Паганини своего времени». Важнейшим явлением в сфере инструментальной музыки профессор назвал импровизацию, ибо нотная запись музыкального текста и его звучание в процессе исполнения – две совершенно разные вещи. Интересно, что по этому поводу итальянские мастера той эпохи говорили следующее: «Я знаю, как ты играешь. А теперь покажи мне, как ты сочиняешь». Особый акцент был сделан на рассмотрении проблемы, связанной со сложностью прочтения нотных рукописей эпохи барокко и их печатных вариантов. Здесь лектор ещё раз подчеркнул условность записи, ибо «одно дело – как произведение записывалось, но совсем другое, как оно исполнялось».

В ходе своего выступления профессор также ответил на ряд вопросов слушателей, касающихся итальянской музыки эпохи барокко. В целом, лекция получилась информационно насыщенной, раскрывшей широкий тематический спектр. Выражаем огромную благодарность маэстро Лоренцо Тоцци!

Алина Рогачёва

(IV курс, отд. музыковедения)

 

МУЗЫЧНЫ ШЛЯХ ДА ГРУНВАЛЬДУ

Менавіта так можна пазначыць музычнае прысвячэнне вялікай падзеі айчыннай гісторыі, якое адбылося на канцэрце 24 кастрычніка 2010 г. ў Малой зале імя Р. Шырмы Беларускай дзяржаўнай філармоніі.

«Грунвальд-1410» – музычны праект, натхнёны юбілейнай датай перамогі Вітаўта над ордэнскімі войскамі ў ХV ст., які абудзіў слых сучаснай эпохі, адгукнуўся ў памяці нашчадкаў гордасцю і пакланеннем перад верай, духоўнай моцай, мужнасцю і мудрасцю далёкай эпохі – эпохі часоў «залатога века» гісторыі і культуры Беларусі.

Сваё гукавое афармленне «Грунвальд» атрымаў у шэрагу твораў сучасных беларускіх кампазітараў, якія былі выкананы ансамблем салістаў «Класік-Авангард» (мастацкі кіраўнік – Уладзімір Байдаў), салістамі і мужчынскай групай Дзяржаўнай акадэмічнай харавой капэлы РБ ім. Р. Шырмы (галоўны дырыжор – Людміла Яфімава).

Скразная ідэя вечара – дыялог часоў, часоў далёкіх і зусім розных, але запатрабаваных адзін у адным, пачала ўвасабляцца ўжо напачатку канцэрта, калі, як быццам з абшараў векавой памяці, да слухачоў з далечыні стаў даносіцца Гімн Багародзіцы – старажытны і знакавы спеў Сярэднявечча ў апрацоўцы Кірылы Насаева. Сцэнаграфічнае вырашэнне – поўная адсутнасць «сцэнічнасці» (хор спяваў па-за межамі канцэртнай залы) – узмацняла эфект паступовага паглыблення ў далячыні Часу.

Галерэя яркіх вобразаў і падзей ХІІІ – ХІV стагоддзяў была адкрыта класікай сучаснага Сярэднявечча – кантатай Вячаслава Кузняцова «Спевы даўнейшых ліцьвінаў. Хроніка мінуласці» для салістаў, мужчынскага хору і ўдарных інструментаў (1996). Выкананне твора пад кіраваннем дырыжораў Аляксандра Кірыенкі і Паўла Сопата разгарнула старажытныя палотны не толькі ў часе, але і ў прасторы. Перамяшчэнне харавых груп, іх стэрэа-ўзаемадзеянне адна з другой, з інструментальнай партыяй, з залам падкрэслівала і дапаўняла ўнутраную дынаміку, вобразную яркасць, кантраснасць і рэльефнасць твора Кузняцова.

Наступным музычна-гістарычным палатном стаўся твор Галіны Гарэлавай, напісаны, як адзначыла музыказнаўца, вядучая канцэртнага вечара Святлена Немагай, у 2010 г. спецыяльна да музычнага святкавання перамогі пад Грунвальдам. «Тры малітвы перад Грунвальдскай бітвай» для голасу і ўдарных (салістка – Марына Змітровіч) скіравалі ўвагу і свядомасць гасцей вечара ў псіхалагічную сферу пачуццяў – драматычных, гераічных, лірычных, малітоўных. Шырокі штрых і ўнутраная тонкасць, узвышанае і зямное, філасофскае, мудрае і надзённае, непазбежнае – усё спрэсавалася ў такім лаканічным і такім шматзначным сачыненні Галіны Канстанцінаўны.

У другім аддзяленні канцэрта адбыўся своеасаблівы анонс-прэзентацыя новага твора Уладзіміра Байдава «Грунвальд-1410» пад кіраўніцтвам самаго аўтара. Як было адзначана, прэм’ера яго патрабуе больш «маштабныя формы» (сродкі і месца выканання) і запланавана на пачатак наступнага году. На кастрычніцкім жа вечары была выканана сюіта, музыка якой пазнаёміла слухачоў з асновамі творчай задумы аўтара. Музыка сюіты, гучанне якой чаргавалася з разгорнутымі і вобразнымі эпіграфамі-партрэтамі, эпіграфамі-замалёўкамі, эпіграфамі-расповядамі, раскрыла яшчэ адзін творчы варыянт бачання і адчування далёкай эпохі ва ўсёй яе шматстайнасці.

«...половину немецких знамен и половину ободранных бород магистра и всех комтуров его взяли ... и с великой честью и несказанной победой, заслужив на весь свет необыкновенную славу, поехали в свои земли...» (паводле тэкста Хронікі Быхаўца). Гісторыя, якая натхняе, перамога, якая ўзмацняе, постаці, якія вабяць і аблагароджваюць... Шмат істотнага, вечнага, мудрага было сказана, пераказана, прадсказана і адчута ў словах і гуках «Грунвальда 1410 / 2010».

Таццяна Трафімчук

(V курс, адз. музыказнаўства)

 

МУЗЫКА ДЛЯ НЕСВИЖА, БЕЛОРУСОВ И ПОЛЯКОВ

27 октября 2010 г. в Большом зале столичной филармонии прошёл заключительный польско-белорусский концерт в рамках фестиваля "К 200-летию Фридерика Шопена".

Этот замечательный проект стал возможен благодаря поддержке и содействию Польского Института в Минске и Института Адама Мицкевича в Варшаве. Главными действующими лицами прошедшего концерта, несомненно, стали выдающийся польский дирижёр Роман Ревакович и прекрасный польский пианист, лауреат престижных международных конкурсов Ян Кшиштоф Броя. Программа концерта включала три масштабных произведения, в числе которых два польских, и одно – белорусское. В первом отделении прозвучали «Музыка для города Несвижа» (1996) Дмитрия Лыбина и Концерт № 1 e-moll для фортепиано с оркестром (1830) Фридерика Шопена, второе отделение концерта было целиком посвящено интересному и необычному произведению Витольда Лютославского – Концерту для большого симфонического оркестра (1954).

Сразу же привлекла внимание глубоко индивидуальная, необычная, несколько угловатая и жёсткая манера дирижёра Р. Реваковича, попытавшегося воплотить творческий замысел сочинений не только близких ему польских композиторов, но и белорусского. Сам автор «Музыки для города Несвижа» Д. Лыбин выразил благодарность дирижёру, поднявшись после исполнения произведения на сцену и вскинув руки в поощрительном жесте, однако игра Государственного академического симфонического оркестра Беларуси, несмотря на все усилия дирижёра, всё же была далека от совершенства. Возникавшие иногда неточности в исполнении мешали восприятию этого очень интересного по замыслу четырёхчастного сочинения, заставляя задаваться вопросом, где есть воплощение необычной творческой идеи, а где – ошибки оркестрантов.

Исполнение Первого концерта Ф. Шопена не оставило у слушателей ни малейшей нотки неудовольствия, т. к. нет ничего лучше бесподобной музыки в безупречном исполнении. Блестящая техника пианиста Я.К. Брои и его прекрасное чувствование музыки Шопена заставили публику наполнить зал долгими аплодисментами, после чего польский пианист исполнил на бис две шопеновские миниатюры.

Завершило концерт произведение В. Лютославского, отличающееся особой драматургической концепцией, необычностью инструментального состава (например, включением в симфоническую партитуру гонга), а также своеобразием музыкального языка. Это яркое сочинение поставило в завершение всего фестиваля даже не жирную точку, а скорее восклицательный знак, не оставив равнодушным ни одного человека в зале.

Мария Нестерова

(II курс, отд. музыковедения)

 

«Судьбы серебряные струны»

В ноябре 2010 г. открылась музейная экспозиция и состоялась презентация книги о жизни и творчестве белорусского композитора, профессора Е.А. Глебова (1929–2000).

Народный артист СССР, лауреат Государственной премии Беларуси Евгений Александрович Глебов вошел в историю национальной культуры не только как знаменитый композитор, но и как профессор, воспитавший в своем классе более 40 студентов-композиторов. С 1971 года он преподавал в Белорусской государственной консерватории, и не случайно аудитория № 104, в которой проходили занятия, отмечена его портретом и мемориальной доской. О композиторе и его творчестве теперь можно узнать гораздо больше благодаря музейной экспозиции и книге «Евгений Глебов. Судьбы серебряные струны».

В Государственном музее истории театральной и музыкальной культуры открылась экспозиция, воспроизводящей атмосферу рабочего кабинета композитора. Директор музея Зинаида Кучер отметила: «Евгений Глебов внёс огромный вклад в белорусскую культуру. Нам бы хотелось, чтобы в музее было отдельное помещение для каждого выдающегося белорусского композитора, где размещались бы его личные вещи. Мы очень счастливы, что удалось создать мемориальную комнату Евгения Глебова».

Презентация книги «Евгений Глебов. Судьбы серебряные струны» состоялась 2 ноября 2010 г. в Минском государственном музыкальном училище имМ.И. Глинки. Книга вышла в издательстве «Мастацкая літаратура», автором концепции и редактором-составителем является вдова композитора Лариса Васильевна Глебова. На презентации выступили также соавторы книги, в исполнении учащихся музыкального училища прозвучала его музыка. В чём особенности этого масштабного издания? Здесь впервые опубликованы литературные произведения композитора, содержащие мысли о музыке и музыкантах, о современном технократическом мире. И всё же, что вполне естественно, главное место занимают многочисленные воспоминания, интервью, посвящения и эссе родных и близких, соратников и друзей Евгения Глебова. Среди них большую часть составляют высказывания и воспоминания учеников мастера. Как вспоминает Л.В. Глебова, к педагогической деятельности композитор подходил с особым трепетом: «Ко всем он относился одинаково, никого не выделял, но ему было очень приятно, когда человек старался получать знания, серьёзно относился к выбранному делу». Многие из учеников Евгения Александровича продолжили педагогическую деятельность, в том числе, в стенах Белорусской государственной академии музыки.

Книга очень содержательна, но, конечно, не может претендовать на полноту сведений о композиторе и его произведениях. Публикации ожидают и другие исследования творчества этого и других белорусских композиторов. В будущем хотелось бы, чтобы появилась целая серия монографий о белорусских композиторах – как можно больше!

Вера Епремян

(V курс, отд. музыковедения)

 

Концерт «Памяти Учителя»: В.В. Ровдо посвящается

17 ноября 2010 г. в Большом зале Белорусской государственной филармонии состоялся уникальный концерт памяти патриарха хорового искусства, человека, заложившего традиции хорового пения Беларуси и просто любимого учителя Маэстро Виктора Владимировича Ровдо. В результате совместной творческой работы художественного руководителя и дирижёра студенческого хора Белорусской государственной академии музыки, доцента Инессы Бодяко и профессора Московской государственной консерватории им. П.И.Чайковского Алексея Рудневского широкой публике были представлены духовные сочинения русских и белорусских композиторов в исполнении студенческого хора Академии. В рамках концерта состоялась премьера хоровых сочинений В. Агафонникова и Е. Бутузовой, посвящённых Виктору Владимировичу.

Ещё в фойе Белорусской государственной филармонии у меня сложилось впечатление, что зрители, пришедшие почтить память Мастера, если и не знакомы, то, по меньшей мере, связаны между собой нитями духовного родства. В жизни каждого из них личность Виктора Владимировича имела своё значение: для кого-то он был мудрым наставником и любимым учителем, для кого-то – уважаемым и богатым на творческий опыт коллегой, с кем-то он дружил и жил бок о бок на протяжении многих десятилетий, а кто-то знал его только по рассказам современников и из литературных источников. Но частичка светлой памяти о нём присутствовала в каждом, кто хоть раз соприкоснулся с ним и с его творчеством.

Личность народного артиста СССР и Беларуси, обладателя почётных званий, грамот и государственных премий за деятельность в области хорового искусства, церковных наград, профессора Виктора Владимировича Ровдо поистине феноменальна. Отдать дань уважения Учителю собрались его ученики из Минска, Витебска, Бреста, Гомеля, Лиды, Баранович (к слову, общее число учеников профессора достигает 800) и, конечно же, гости из Москвы дирижёр концерта профессор Алексей Рудневский, его супруга Нина Рудневская, исполнявшая партию органа, и композитор Владислав Агафонников. Каждый из присутствующих с любовью и уважением вспоминал самые яркие моменты жизни, связанные с великим мастером.

– Виктор Владимирович был для меня не только Учителем, но и примером Человека с большой буквы, вспоминает организатор и дирижёр концерта, ученица В.В. Ровдо Инесса Бодяко, – Поступки, действия, слова профессора были настоящими. Это были уроки жизни. Нашим концертом сегодня мы отдаём своего рода долг, который каждый ученик имеет перед своим учителем.

В жизни Алексея Рудневского Маэстро также оставил незабываемое впечатление:

– Для меня встреча с Виктором Владимировичем имела достаточно большое значение, хотя была непродолжительной. Она состоялась в 2000 году на XIX Международном фестивале церковной музыки в польском городе Хайнувка, где мне довелось выступать в качестве руководителя с Государственным академическим московским хором под управлением А.Д. Кожевникова (тогда коллектив был удостоен высшей награды в категории профессиональных смешанных хоров. – Е.С.). Виктор Владимирович был членом жюри. Для меня было очень важно соприкоснуться с человеком, который является носителем таких глубоких традиций, которые не на бумаге существуют, а реально слышны в звучании хора. Когда я впервые услышал запись хора Национальной государственной телерадиокомпании РБ (этим коллективом В.В. Ровдо руководил около полувека. Е.С.), то сразу почувствовал, что Виктор Владимирович – это великий мастер хорового искусства. Поэтому мне было очень интересно общаться с ним и слушать его рассказы, тем более, что он работал в Московском хоровом училище, которое я заканчивал. Знакомство было дорого ещё и тем, что Виктор Владимирович сказал много ценных и приятных слов в адрес хора и его звучания. Это было очень важно и почётно, потому что хором мне дирижировать довелось в отсутствие художественного руководителя, а это большая ответственность.

Тёплые слова памяти и уважения приходили из самых разных уголков. Композитор, педагог, заслуженный деятель искусств России, лауреат международного и всероссийских конкурсов Анатолий Иванович Киселёв передал такие слова благодарности и светлой памяти великого Мастера:

– С Виктором Владимировичем мы по-родственному дружили 52 года. Мой архив переписки, фото и записей огромен. Он был для меня и отцом, и наставником, и лучшим исполнителем! Я глубоко благодарен ему за это!

Концерт «Памяти Учителя» готовился совместными усилиями Белорусской государственной академии музыки и Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского. Творческая работа над концертом велась художественным руководителем и дирижёром студенческого хора Академии, лауреатом международных конкурсов, доцентом Инессой Бодяко и лауреатом международного конкурса, профессором Московской консерватории Алексеем Рудневским. Студенческим хором БГАМ, которым профессор В.В. Ровдо руководил 45 лет, была подготовлена концертная программа из духовных хоровых сочинений русских и белорусских композиторов, состоялась премьера хоровых произведений «Софийский собор» Е. Бутузовой и «Молитва перед учением», «Песнь Пресвятой Богородице», «Молитва за Отечество» В. Агафонникова, посвященных Виктору Владимировичу. Сам Владислав Германович восхищенно отозвался об исполнении своей музыки:

 Потрясающий коллектив! Я бы сравнил исполнение хора с айсбергом, когда видишь только прекрасную верхушку, но чувствуешь, что там, внизу, есть огромная музыкальная и культурная база. И это, безусловно, передаётся в исполнении. Дело не только в чистоте интонации, а в эмоциональном «переваривании» исполняемой музыки. Я полностью удовлетворён!

По словам Алексея Рудневского, который принял активное участие в выборе репертуара и подготовке выступления, для концерта подбирались такие сочинения, которые были бы не только интересны для исполнителей и слушателей, но и стали бы данью памяти. В программу вошли произведения отчасти заупокойного чина, отчасти концертного плана: «тот же "Кондак и Икос" А. Кастальского, своего рода шедевр духовной музыки, по жанру, безусловно, является заупокойным сочинением, но по духу жизнеутверждающим». Основная задача заключалась в том, чтобы «линия поминовения сквозь концертное исполнение перешла в линию жизни как память о великом учителе и продолжение традиций».

Интерес к концерту был огромный: полный аншлаг и десятки проданных входных билетов. По окончании концертной программы овации не утихали несколько минут: кто-то кричал «Браво! Бис!», кто-то шептал «Гениально!». Словом, исполнение смогло донести до зрительного зала ту положительную энергетику, которой наполнена духовная музыка. Исполнение на бис, конечно же, состоялось, однако, не это было главной задачей. Важно то, что каждый зритель смог понять, с какой глобальной и ценной частью музыкального искусства ему довелось соприкоснуться.

Дирижер концерта Алексей Рудневский высоко оценил концертное выступление хорового коллектива:

 Я очень рад, что состоялось событие, которое для меня очень важно как в человеческом плане, так и в плане прикосновения к дорогим для меня традициям. Я доволен тем, что хор предстал перед зрителем именно в той форме, к которой мы шли несколько дней. В эмоциональном плане все также были полностью готовы, поэтому результат исполнения меня полностью удовлетворил.

Концерт получил положительные отзывы и от представителей духовенства:

 Действительно, сегодня замечательное событие, призванное почтить память человека, который оставил глубокий след в хоровом исполнительстве, – отмечает клирик Минского Свято-Духова кафедрального собора, дьякон Виталий Дубяго, – Отрадно, что этот след отмечен и в духовной культуре. Скажу откровенно: я сегодня молился. Мне как человеку, принадлежащему к священному сану, было очень приятно и трогательно слышать песнопения и видеть продолжение замечательных традиций, которые заложил Виктор Владимирович Ровдо.

Виктора Владимировича нет с нами уже три года, но душа его иногда покидает небеса, чтобы быть ближе к нам, подавать новые идеи и с благодарностью следить за тем, с каким трепетом и любовью продолжаются заложенные им традициями. Вот и на концерте он словно сошёл с портрета и занял своё место в зрительном зале.

Елена Соловьёва

(V курс, отд. хорового дирижирования)

 

Под знаком романтизма

2010 год в культурном сообществе прошел под знаком 200-летия со дня рождения Ф. Шопена и Р. Шумана – выдающихся представителей музыкального романтизма. Студенты Белорусской государственной академии музыки отметили это событие участием в научно-практической конференции «Романтизм в музыке: взгляд молодых исследователей», проводившейся 16 ноября.

Уже само название конференции предполагало освещение широкого круга вопросов. Помимо музыкальной проблематики, программа включала выступления, в которых романтизм рассматривался как художественно-эстетический феномен. Заседание открыли доклады о культуре, искусстве эпохи романтизма и, в частности, живописи, профессиональных искусствоведов – заведующей сектором музейной педагогики Национального художественного музея РБ Н.Г. Красуцкой и преподавателя истории искусств Академии М.В. Таракановой. В следующих докладах авторы коснулись вопросов романтического мировоззрения, философских идей, представленных в проекции на музыкальную жизнь того времени и композиторское творчество (О. Кузовкова, И. Филимович).

Большой блок выступлений был посвящен Р. Шуману. Внимание молодых исследователей привлекли различные сферы творчества композитора – камерная музыка и концерты, вокальные и инструментальные сочинения (М. Сысоева, А. Беть и др.). Музыкальная интермедия, включившая исполнение произведений Ф. Шуберта, Ф. Шопена и Р. Шумана студентами Академии (М. Добролёт, С. Гелда, Е. Машковская, К. Карпенко, А. Сидорова), внесла приятное разнообразие в череду докладов.

Достаточно многосторонне была освещена музыкальная культура Беларуси эпохи романтизма: затрагивались темы белорусско-немецких связей в XIX веке, творческой деятельности таких композиторов, как Я. Карлович и Я. Тарасевич (А. Рогачёва, С. Чёрная). Особенно интересным показался доклад В. Драпало, посвященный Я. Дроздовичу – выдающемуся белорусскому художнику, писателю, этнографу, фольклористу, жившему в XX веке, но явившемуся основоположником романтизма в белорусской живописи. 

Завершали конференцию выступления, касавшиеся проявления неоромантических тенденциях в музыке ХХ века, в частности, в произведениях А. Караманова и В. Солтана (Ю. Тарануха, И. Машковская). Среди стендовых докладов были представлены статьи о сочинениях И. Брамса, Г. Берлиоза, Р. Карнисера студентов Российской академии музыки им. Гнесиных Н. Актёршевой, А. Сырейщиковой и А. Поспеловой.

Алина Вяткина

(V курс, отд. музыковедения)

 

Шапэн «тады-сёння-заўтра»

Тры лістападаўскія дні, з 17-га да 19-га 2010 г., былі адзначаны ў Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі чарговым святкаваннем 200-гадовага юбілею Ф. Шапэна. На гэты раз – у межах Міжнароднай навукова-практычнай канферэнцыі  «Ф. Шапэн і шляхі развіцця еўрапейскага рамантызму».

Асаблівасцю канферэнцыі быў не толькі яе папраўдзе шырокі міжнародны разгорт і ўдзел вядучых спецыялістаў, але і сам фармат іх выступленняў. Калі звычайна рэгламент усталёўваецца не больш за 10–15 хвілін, дык тут кожны выступоўца меў паўгадзіны. І мог, вобразна кажучы, прачытаць ледзь не цэлую лекцыю! Хаця, зразумела, і гэтага часу было замала, бо да нас прыехалі сусветна вядомыя шапэназнаўцы, многія з якіх займаюцца сваёй праблематыкай не адзін дзесятак гадоў: з Маскоўскай дзяржаўнай кансерваторыі імя П. Чайкоўскага, Санкт-Пецярбургскай дзяржаўнай кансерваторыі імя М. Рымскага-Корсакава, Нацыянальнай акадэміі музыкі Украіны імя П. Чайкоўскага, Польскага Універсітэту навук, Польскага цэнтру музычнай інфармацыі, Літоўскай акадэміі музыкі і тэатра, Ерэванскай дзяржаўнай кансерваторыі імя Камітаса.

Канцэпцыя праекту, зададзеная ўжо самой назвай канферэнцыі, прадугледжвала максімальна шырокае кола даследчых меркаванняў і думак, мастацкіх і кампазітарскіх ацэнак і паралеляў, музычных успамінаў і рэінтэрпрэтацый творчасці вялікага кампазітара. У выніку вылучыліся дзве асноўныя «тэмы»: творчасць Шапэна – і ўласна яго жыццё, сама асоба кампазітара. Кожная з тэм раскрывалася ў розных формах: у навуковых працах даследчыкаў і «жывым гуку» канцэртнага выканання (лаўрэат міжнародных конкурсаў І. Сяргей, народны артыст Беларусі, лаўрэат Дзяржаўнай прэміі РБ І. Алоўнікаў, заслужаны дзеяч мастацтваў РБ, прафесар Л. Шэламенцава), у экспазіцыі «Музы восені», складзенай з работ студэнтаў і магістрантаў Беларускай дзяржаўнай акадэміі мастацтваў, у выставе выданняў і дакументаў, прысвечанай 200-годдзю са дня нараджэння Шапэна, у відэапрэзентацыі фільму «Шапэн. Жаданне кахання».

Рознымі былі і абраныя пункты гледжання. Адзін з іх можна было акрэсліць як часавы: ад трактовак музыкі Шапэна яго сучаснікамі да шапэнаўскіх «традыцый» і павеваў у музычным мадэрнізме і кампазітарскіх тэхніках пісьма ХХ ст. Другі кірунак роздумаў аказаўся, так бы мовіць, «геаграфічным»: у яго коле апынуўся не толькі ўласна Шапэн, але і, шырэй, музыка польскіх, літоўскіх творцаў, а разам з тым – ліцвінская музычная культура, традыцыі выканання Шапэна ў Ізраілі. Іншымі словамі, усё, што тычылася цудоўнай усюдыіснасці творчай аўры кампазітара.

Надзвычай актуальнай тэмай канферэнцыі паўсталі таксама дачыненні Шапэна да культурнай прасторы Беларусі. Менавіта гэтаму быў прысвечаны даклад В. Дадзіёмавай «Матэрыялы аб жыцці і творчасці Фрыдэрыка Шапэна як крыніца інфармацыі аб гісторыі музычнай культуры Беларусі», прачытаны ў дзень адкрыцця свята ў канцэртнай зале Акадэміі. Кампазітар, які, паводле слоў дакладчыка, «не ведаў нават назвы Беларусь”», паўстаў праз разгорнутую сістэму рознага кшталту дачыненняў – сяброўскіх, настаўніцкіх, музычных (стылёвых, вобразных, жанравых і да т. п.) – неад’емным «кампанентам» нацыянальнай мастацкай і, шырэй, творчай культуры. У свой час гэта былі стасункі «сына-ліцвіна» з прадстаўнікамі эміграцыі (А. Міцкевіч, А. Незабытоўскі, В. Рыпіньскі), цёплыя зносіны з Н. Ордам; далей – уплывы на творчасць С. Манюшкі, А. Радзівіла, В. Жыўнага, М. Карловіча; праз стагоддзе – на музычнае мысленне Э. Тырманд, Г. Вагнера і інш. Так Шапэн апынаецца непарыўна звязаным з мастацтвам беларускіх зямель у розныя часы і да сённяшняга дня. Такім чынам, яшчэ раз была даказана ісціна аб прыналежнасці і не-прыналежнасці Мастака самому сабе, свайму часу, свайму краю, сваёй культуры. Такая шматпланавасць поглядаў на спадчыну Шапэна ў стане ўзбагаціць уяўленні нашых сучаснікаў і нашчадкаў аб яго ўнёску ў сусветную культуру ва ўсім разгорце часа і прасторы.

Афіцыйнае завяршэнне канферэнцыі не азначала канчатковую кропку ці нават узнёслы клічнік у зацікаўленым асэнсаванні ўзнятых праблем. Водгукі ад гэтых пасяджэнняў і дакладаў будуць разыходзіцца яшчэ доўга. Праз нейкі час будуць выдадзены матэрыялы канферэнцыі, а ўжо зараз наша бібліятэка папоўнілася падарункамі, перададзенымі гасцямі і ўдзельнікамі, – гэта, вядома, шматлікія выданні на розных мовах, прысвечаныя Фрыдэрыку Шапэну і яго творчасці.

Таццяна Трафімчук

(V курс, аддз. музыказнаўства)

 

Гармония «гармонікаў»

22 ноября 2010 года в Киеве в рамках Соглашения о сотрудничестве между Белорусской государственной академией музыки и Национальной музыкальной академией Украины им. П.И. Чайковского состоялся концерт белорусского баянного оркестра «Art-Harmonicum» под управлением Владимира Михайловича Черникова.

Концерт оркестра вызвал широкий резонанс в кругу украинских зрителей и был высоко оценен профессурой и студентами украинской Академии музыки, а также Киевского института музыки им. Р.М. Глиэра. Успех выступления коллектива определили высокий профессиональный уровень музыкантов и прекрасно составленная программа, в которую вошли произведения современных белорусских, русских, украинских и зарубежных композиторов. В благодарственном письме ректору белорусской Академии музыки Е.Н. Дуловой ректор Национальной музыкальной академии Украины В.И. Рожок не только высказал слова признательности в адрес оркестра, но и выразил надежду на активизацию украинско-белорусских связей, расширение сотрудничества между учебными заведениями.

В настоящее время состав оркестра «Art-Harmonicum» насчитывает 35 человек, все они являются студентами Академии. Вместе с оркестром в поездке принимали участие трое солистов: преподаватель Минского государственного училища им. М.И. Глинки Татьяна Иванова (балалайка), выпускница Академии Вероника Прадед (цимбалы), студент I курса Антон Жданов (ударные инструменты).

«Art-Harmonicum» ведет активную концертную деятельность. В 2009 году состоялись концерты оркестра в Пинске, Могилёве и Минске, а в 2010 году коллектив успел выступить в Столбцах и Киеве. По словам художественного руководителя и дирижера оркестра В.М. Черникова, «однотембровость оркестра, с одной стороны, представляет для исполнителей определённую сложность: красочная выразительность музыки отходит на второй план; с другой стороны, тембровая монохромность предполагает тончайшую работу над артикуляцией и штрихами, компенсируя однотембровое звучание».

Репертуар оркестра разнообразен: «Art-Harmonicum» исполняет музыку С. Рахманинова, И. Стравинского, Д. Шостаковича. Студенты III курса имеют возможность проходить дирижёрскую практику на базе оркестра, поэтому в учебных целях в репертуар коллектива включены переложения произведений И.С. Баха, Л. Бетховена, А. Дворжака, Э. Грига. Особое внимание коллектив уделяет исполнению музыки современных белорусских авторов. В.М. Черниковым были сделаны переложения произведений В. Кузнецова, в том числе «Суламифи», «Средневековой музыки» и «Жалейки». Сотрудничать с оркестром могут и молодые композиторы: так, в прошлом году баянным оркестром была исполнены сочинения студентов Н. Латушко и Е. Сенкевич. 

От всей души пожелаем оркестру «Art-Harmonicum» радости творческого поиска, интересных путешествий и блестящих выступлений!

Марина Сысоева

(V курс, отд.  музыковедения)

 

Фантазіруйце, калі ласка!

10 і 13 снежня 2010 г. на сцэне Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі адбылася прэм’ера оперы Уладзіміра Кур’яна “Фантазія”.

Больш як праз чвэрць стагоддзя кампазітар вярнуўся да сваёй дыпломнай работы 1994 года, каб пераасэнсаваць яе асобныя ідэі і прадставіць ўжо практычна новую оперу на суд шырокага гледача. Тыя, хто не трапілі ў гэтыя вечары ў канцэртную залу, страцілі шмат. Яркія, запамінальныя мелодыі, вельмі сакавіты і спецыфічны гумар, арыгінальная пастаноўка... Тут не было пышных дэкарацый, модных сцэнічных строяў і нават заслоны, усё – па-мінімалістычнаму проста, але ярка і каларытна.

Напэўна, прыкладна так магла б выглядаць сцэна Александрыйскага тэатра ў халодны снежанькі вечар далёкага 1850-га года, калі ўпершыню ўбачыла святло рампы камедыя Казьмы Пруткова. Вадэвіль «Фантазія» быў першым, вельмі яркім, хвосткім, цікавым творам гэтага «літаратара», пад маскай якога хаваліся адразу некалькі рэальных аўтараў. Некалькі слоў пра сюжэт вадэвіля: галоўныя персанажы – шасцёра жаніхоў і цётачка Аграфена Панкрацьеўна, якая хоча аддаць замуж сваю выхаванку Лізаньку, але больш яна любіць свайго сабачку Фантазію, і калі раптам той знікае, Аграфена ставіць умову: хто знойдзе Фантазію, той і будзе жаніхом. Глядач XIX стагоддзя бачыў гэту п’есу са сцэны толькі аднойчы. Публіка, якая прыйшла тады ў Александрыйскі тэатр, не ведала, што рабіць: ці то крыўдзіцца, ці то смяяцца. Абралі першае. «Фантазія» у вельмі камічнай форме высмейвала тагачасныя норавы: сквапнасць, глупства, крытыкавала сучасны тэатр, яго пастаноўкі і даводзіла гэта да абсурду.

Гісторыя ж кур’янаўскай «Фантазіі», паводле слоў кампазітара, прыблізна такая: «Калі я быў студэнтам кансерваторыі, аднойчы прагуляў заняткі па марксізму-ленінізму, бо ў рукі мне патрапіла п'еса Казьмы Пруткова». Вось так: прачытаў камедыю – і загарэўся пісаць оперу: «У траіх братоў Жамчужнікавых і Аляксея Талстога, што пісалі пад іменем Пруткова, была вельмі “вострая мова”: афарызмы, анекдоты, прыказкі. І мне, 30-гадоваму, тады ўсё гэта было цікава. Прачытаў літаральна ўзахлёб – і думаю, а чаму б і мне не напісаць штосьці падобнае, толькі ў музыцы?». Напярэдадні дзяржаўнага іспыту па кампазіцыі першая палова цалкам завершанага твора была агучана сіламі сяброў-студэнтаў пад кіраўніцтвам аўтара і нават запісана ў побытавых умовах, з аднаго мікрафона, утварыўшы, тым не менш, даволі годны дэма-варыянт.

Нягледзячы на ўсё, опера трапіла «ў стол», праляжала на паліцы шмат гадоў. Літаральна два гады таму кампазітар вярнуўся да свайго колішняга твора: пераінструментаваў яго, зрабіўшы замест камернага складу, дзе амаль кожны музыкант пачуваў сябе салістам, паўнавартасную сімфанічную партытуру, перапрацаваў фінал, прычым усё гэта – па просьбе тагачаснага мастацкага савета Нацыянальнага акадэмічнага Вялікага тэатра оперы і балета Беларусі. Але тэатр хутка пераехаў з «камернага» Дома афіцэраў на адноўленую Вялікую сцэну і камічная аднаактоўка стала яму непатрэбнай. Толькі у снежні 2010-га опера атрымала сваё сцэнічнае ўвасабленне. «Фантазіраваць» узяліся рэжысёры Ганна Маторная і Вольга Бураўлёва: менавіта яны паставілі гэту оперу на сцэне Акадэміі музыкі. За пультам быў дырыжор тэатра Іван Касцяхін. Агромністую працу правялі канцэртмайстар Ірына Прышчэпчык і, канешне, нашы студэнты-энтузіясты.

«Кто из нас, женихов, получит руку Лизаветы Платоновны?» – экспрэсіўна, нярвова спявалі прэтэндэнты. А шматлікія слухачы (у большасці сваёй – прафесійныя музыканты), што прыходзілі ў гэтыя вечары на спектакль, атрымлвалі асалоду ад сакавітага гумару, адметнай музычнай мовы гэтага твору. Дарэчы, на прэм’еры «Фантазіі» прысутнічаў і былы выкладчык Уладзіміра Кур’яна, народны артыст Беларусі, прафесар Дзмітрый Смольскі: «Я гэтую оперу ведаю даўно, гэта была яшчэ дыпломная работа Уладзіміра. Яна вельмі цікавая: глядзіцца і слухаецца вельмі нова і свежа. Болей бы такіх твораў!». І, адпаведна, паболей бы іх пастановак! Бо, нягледзячы на вельмі ўдалую прэм’еру, пакуль дакладна невядома, калі гэта опера пойдзе яшчэ. Так што – фантазіруйце!

Кацярына Круглінская

(V курс, аддз. музыказнаўства)

 

Учитель и ученики: к 100-летию со дня рождения П.П. Подковырова

15 декабря 2010 г. в концертном зале Белорусской государственной академии музыки состоялся вечер памяти композитора, заслуженного деятеля искусств Беларуси, доцента кафедры композиции Петра Петровича Подковырова (1910–1977).

100-летие со дня рождения – прекрасный повод не только для воспоминаний, но и для более точной, апробированной временем оценки творческой деятельности. В своих выступлениях ученики П.П. Подковырова – народный артист Беларуси Валерий Иванов, композиторы Олег Залётнев, Валерий Каретников, доцент кафедры композиции Лариса Мурашко, – представили многогранный портрет композитора, открыли аудитории ранее неизвестные качества его личности и факты биографии, рассказали об особенностях его педагогической работы.

Особенностью концерта было то, что его программа включала камерные произведения не только Подковырова, но и белорусских композиторов сразу трех поколений: прозвучали Сонатина Василия Золотарева, в классе композиции которого будущий классик овладевал профессиональным мастерством, а также сочинения учеников Петра Петровича. Основу же концертной программы составили камерные вокальные и инструментальные произведения самого Подковырова: Элегическое трио, Романс и Импровизация для скрипки и фортепиано, «Свята ўраджаю» и Сказка для фортепиано, вокальный цикл «Английская сюита» на стихи английских поэтов, прелюдии и др. Как своеобразное «музыкальное приношение» Учителю прозвучали сочинения его учеников: Каприччио для скрипки и фортепиано Станислава Носко, «Старадаўнія гадзiннiкi» Виктора Помозова, Элегия и «Гарэзлiвае чарцяня» Ларисы Мурашко, «Вяртанне да спадчыны» Валерия Иванова, Романс из цикла «Русская песня» на стихи А. Кольцова Олега Залётнева, Струнное трио Валерия Каретникова. Некоторые из произведений исполнялись впервые.

Исполнителями выступили музыканты разного профессионального уровня. На одной сцене с народными артистами Беларуси Игорем Оловниковым и Натальей Рудневой выступили и совсем юные исполнители – Р. Молчанский (ученик 1-го класса ДМШ № 10), А. Прокопенко (ученик ДМШ № 11) и А. Кузнецова (учащаяся Республиканской гимназии-колледжа при БГАМ). В концерте также приняли участие ансамбли: квартет флейт «Нимфы» (руководитель – Нина Авраменко), квартет деревянных духовых инструментов «Ривьера» (руководитель – Максим Рассоха), два инструментальных трио, в составах которых были А. Багринцев, Н. Коротин, А. Пинчукова и Е. Сердюкова, А. Игнатович, А. Тетерич, дуэты Е. Пукст и М. Трубкиной, В. Сальжик и Н. Кавецкой и др.

Примечательно, что большинство сочинений концертной программы ранее достаточно редко звучали со сцены, практически не было возможности найти и соответствующие аудиоматериалы. В настоящее время у всех желающих есть возможность ознакомиться с видео- и аудиозаписями, сделанными во время концерта, в фонотеке Академии или на кафедре композиции. Особую благодарность хочется выразить доценту кафедры композиции Ларисе Фёдоровне Мурашко за прекрасную организацию и проведение концертной программы.

Ольга Лойко

(V курс, отд. музыковедения)

«Tenorino»

23 декабря 2010 г. в концертном зале Белорусской государственной академии музыки состоялся вечер вокальной музыки под названием «Тенорино».

Предрождественские концерты всегда отличаются особой тёплой атмосферой, волшебной аурой и оставляют неизгладимое впечатление в сердцах слушателей. Не стал исключением и этот концерт. Праздничное настроение было создано не только рождественскими декорациями, которые напоминали о недавно прошедшем концерте «Подарок к Рождеству». Особый тон вечеру задали молодые ведущие, студенты вокального отделения Юлия Олисевич и Роман Крукович. Ведение концерта в форме диалога, насыщенного добрым юмором, придало особую нотку и всему концерту.

В соответствии с названием вечера, выступали студенты-тенора кафедры пения (исключение составили лишь Людмила Карпук и Елена Таболич). Зритель смог воочию убедиться, каким мастерством обладает молодое поколение вокалистов Беларуси. Наряду с начинающими исполнителями подготовительного отделения (Павел Петров), в концерте принимали участие и музыканты, признанные на мировой сцене: так, с недавних гастролей вернулся студент четвёртого курса, солист Национального академического театра оперы и балета Беларуси Эдуард Мартынюк, исполнивший арию Каварадосси из оперы Дж. Пуччини «Тоска» и ариозо Канио из оперы Р. Леонкавалло «Паяцы». Выступление певцов покорило публику необычайной искренностью. Зал очень тепло принял песню «Ах ты, душечка» в исполнении Александра Михнюка. Особым артистизмом было отмечено выступление Романа Круковича и Елены Таболич, которые спели дуэт из оперы Г. Доницетти «Любовный напиток».

Кроме белорусских студентов, публику порадовали китайские вокалисты, которые пели как на итальянском, так и на русском языках. Абсолютно покорил магистрант Го Вэй, который исполнил «Плач Федерико» из оперы Ж. Бизе «Арлезианка» и старинный романс «Скажите, девушки, подружке вашей». Непосредственностью исполнения на русском языке отличился студент 4 курса Чжэ Тун.

На протяжении всего вечера слушатели имели возможность погрузиться в разнообразный репертуар, в котором были представлены арии и дуэты из итальянских опер, русские («Вот мчится тройка удалая») и белорусские песни («Белая бярозанька» в исполнении Александра Гелаха). Перед зрителями то проносились образы знойной Испании («Пара Гранада» в исполнении Сергея Подовалова), то известный портрет непостоянного итальянского Герцога («Песенка Герцога» из оперы Дж. Верди «Риголетто» в исполнении Романа Лопеса).

В заключение концерта участники преподнесли публике замечательный подарок – совместное исполнение известной песни «O sole mia». Богатое звучание девяти теноров стало достойным завершением программы. Организаторы вечера пообещали в ближайшем будущем осуществить серию подобных концертов, участниками программы которых станут баритоны, сопрано, меццо-сопрано. Так что внимательно следите за анонсами!

Инга Демьянович

(V курс, отд. музыковедения)

 

ИЗДАНИЯ Академии ЗА 2010 ГОД: ПРОБЛЕМАТИКА И АКТУАЛЬНОСТЬ В КОНТЕКСТЕ НАУЧНО-МЕТОДИЧЕСКОЙ МЫСЛИ

Белорусской государственной академией музыки в 2010 году было выпущено семь научных и методических изданий. Порадовало не только их количество, но и тот факт, что свет увидели труды как опытных белорусских ученых, так и молодых исследователей – студентов, магистрантов, аспирантов нашего вуза.

Новым словом в области белорусского музыкального фольклора стала монография В.М. Прибыловой «Музычны ландшафт песенна-абрадавых традыцый Масленіцы Верхняга Падняпроўя». Основной задачей этого труда стало рассмотрение указанного песенно-обрядового пласта в аспектах его интонационности, характера масленичного ритуала, а также систематики существующих песенных форм. Таким образом, как свидетельствует автор, «становіцца магчымым акрэсліць масленічныя мелаарэалы на ўсёй прасторы верхнедняпроўскага басейна», что, следовательно, рождает новый взгляд на поставленную проблему. В поле зрения исследователя вошли вопросы методологии изучения масленичных песенно-обрядовых форм, характеристика особенностей обрядового комплекса, а также специфика распространения масленичных песен в пределах Верхнего Приднепровья. В книгу вошли также картографические материалы и разнообразные музыкальные примеры, оформленные как два приложения, и, что особо ценно, компакт-диск «Музычныя традыцыі Масленіцы Беларускага Падняпроўя», дающий возможность более подробно ознакомиться с исследуемыми песенными образцами.

Одним из наиболее ценных и актуальных трудов стало долгожданное учебное пособие Л.А. Волковой «История белорусской музыки ХХ века. Симфония», предназначенное для студентов высших учебных заведений. В первом разделе – «Жанр симфонии в контексте белорусской музыки ХХ века» – рассматриваются вопросы типологии жанра симфонии и классификации ее разновидностей, периодизация ее исторического развития в белорусской музыке, а также образно-смысловые концепции в контексте белорусской художественной культуры. Второй раздел – «Симфония рубежа 50–60-х – первой половины 1970-х годов» – имеет в основе обширную характеристику конфликтно-драматической симфонии, распространенной в названный период. Помимо рассмотрения её в условиях развития национального симфонизма, автором исследуются особенности тематизма и тематического развития, а также основные структурно-композиционные принципы названного типа. В последнем разделе – «Симфония второй половины 1970–1990-х годов» – главной задачей становится рассмотрение трех разновидностей указанного жанра: концертной, камерной и вокальной симфоний. Исследователь приходит к выводу, что «качественные преобразования жанра симфонии, происходящие в белорусской музыке ХХ в., обогащают и развивают национальную симфоническую традицию, включая её в современный художественный контекст европейского симфонизма». Учебное пособие обогащено множеством музыкальных примеров из произведений Л. Абелиовича, Г. Вагнера, Е. Глебова и Д. Смольского, творчество которых явилось показательным в контексте развития симфонического жанра. Несомненно, данный труд станет одним из основных в курсе истории белорусской музыки ХХ века.

Не менее важен сборник статей «Современное музыкознание в мировом научном пространстве», составленный на основе материалов одноимённого Международного симпозиума, проводившегося в Академии музыки с 1 по 4 сентября 2009 года. Научное содержание книги определено проблематикой докладов и посвящено различным аспектам современной истории и теории музыки, музыкальной текстологии и этномузыкологии. Среди авторов статей – выдающиеся ученые-музыковеды, представители крупнейших научных и образовательных центров мира из Австрии, Беларуси, Бельгии, Германии, Италии, Литвы и других стран. В соответствии с названием секций конференции, статьи объединены в четыре раздела: 1. Этномузыкология в ХХІ веке: исторические и этнические аспекты традиционных музыкальных культур; 2. Собрания сочинений композиторов: крупнейшие современные музыкально-издательские проекты; 3. Стравинский: между Востоком и Западом; 4. Шостакович и его окружение. В рамках данной статьи невозможно передать содержание каждого из прозвучавших докладов, однако необходимо упомянуть, что они были посвящены общим проблемам состояния современной этномузыкологической науки, вопросам изучения традиционных музыкальных культур, процессам их взаимодействия, проблемам работы с музыкальным текстом при подготовке его к изданию, пересмотру важнейших понятий музыкальной текстологии и т.д. Отдельные разделы сборника явились отражением нового взгляда на жизнь и творчество Д. Шостаковича и И. Стравинского, где рассмотрены философско-биографические и культурологические проблемы их профессиональной деятельности, стилистические особенности авторского письма, судьба композиторского наследия в контексте современной отечественной и зарубежной науки и другие проблемы, волнующие исследователей. Если состоявшийся симпозиум был назван одним из уникальных мероприятий, когда-либо проводившихся в Беларуси, то вышедший на его основе сборник – настоящее открытие года, призванное приумножить научные знания в области белорусского (как, впрочем, и мирового) музыкознания.

Интересным и содержательным является труд «Современные проблемы композиторского творчества». Состоящий исключительно из публикаций аспирантов Академии музыки, этот сборник посвящен различным тематическим направлениям, среди которых разнообразные аспекты творчества С. Прокофьева, Р. Щедрина, Р. Глиэра, П. Хиндемита, К. Пендерецкого, В. Кузнецова и др.; проблемы развития белорусского музыкального искусства (к примеру, претворение фольклорных форм в кантатно-ораториальных сочинениях, эволюция жанра фортепианного трио), публикации по зарубежной музыке (электроакустические сочинения польских композиторов 1990–2000 гг., амплуа и вокально-исполнительские техники в традиционном музыкальном театре Китая). В целом, данный труд является свидетельством плодотворного исследовательского труда молодых ученых, что, в свою очередь, доказывает высокий потенциал будущего белорусской науки.

Несколько изданных книг посвящены истории, теории и методике исполнительского искусства. Особого внимания заслуживает сборник статей «Теория и практика профессиональной исполнительской и педагогической подготовки в высшей музыкальной школе», состоящий из материалов преподавателей и аспирантов кафедр фортепиано, истории и теории исполнительства. В разделе «Музыкальное образование» рассматриваются вопросы теории музыкального образования (В.Л. Яконюк, К.И. Степанцевич), теории и практики изучения педагогического репертуара (А.И. Самусенко, К.М. Булыго, Е.А. Пилипенко). Вопросам полифонической музыки посвящена статья Е.М. Метельской «“Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах”: первое знакомство с баховским хронотопом»; в работах А.Е. Лебедевой и И.Ю. Оношко педагогический репертуар рассматривается в историко-теоретическом ракурсе. Второй раздел сборника – «Музыкальное исполнительское искусство» – включает статьи по историко-теоретической проблематике фортепианного (А.И. Химченко, Л.А. Орлова), баянного (В.А. Бабарико, Д.В. Мироненко) и вокального (Л.Л. Лазарчик, Т.В. Сернова) исполнительского искусства. В отдельный подраздел выделены работы, в которых рассматриваются вопросы интерпретации индивидуальных композиторских стилей, в том числе, белорусских композиторов: Г. Гореловой (В.Д. Кокушкин, М.И. Ахвердова), В. Войтика (К.Е. Яськов), а также классиков мирового музыкального искусства: П. Чайковского (В.Н. Сахарова), И.-Н. Гуммеля, Дж. Фильда, И. Мошелеса (Е.С. Адаева). Проблеме интерпретации произведений циклической структуры посвящена статья П.Н. Якубчёнка «Целостность циклической структуры как проблема композиторского творчества».   

Чрезвычайно важным пособием для будущих профессиональных певцов является книга «Истоки современной белорусской школы пения», написанная народным артистом РСФСР, доцентом кафедры сольного пения Э.И. Пелагейченко. В нее вошли ценные исторические сведения о развитии певческого искусства в период XVI–XVII вв. (школы Дж. Царлино, Л. Цаккони, Дж. Каччини, О. Дуранте, М. Преториус), XVIII в. (А. Гароде, Ф. Ламперти и др.) и XX вв. (Э. Карузо, Дж. Барра Караччоло), а также характеристика особенностей староитальянского и русского (в том числе, петербургского и московского) вокального искусства. Отдельным блоком выделена вокальная школа итальянца Мануэля Гарсиа, характеристике которой автор отводит значительное место. Привлекает внимание обширная глава «Собственная метода и школа пения», в которой подробно освещены разнообразные вопросы подготовки студента-вокалиста. Венчает пособие характеристика белорусской школы пения, в рамках которых перечислены знакомые нам имена оперных солистов и преподавателей Академии музыки, внесших неоценимый вклад в развитие певческого искусства. Представляется, что эта книга может быть полезна и интересна не только студентам творческих вузов, но и любителям оперного пения.

К исследованиям, имеющим отношение к иным национальным культурам, примыкает монография китайского музыковеда Пан Вэя «Соната в фортепианном искусстве Китая». Снабженная интереснейшими музыкальными примерами из творчества китайских композиторов, она раскрывает вопросы становления и развития сонатного жанра в Китае, своеобразия воплощения сонатного стиля, а также жанрово-стилистические и драматургические особенности фортепианных сонат. На наш взгляд, это исследование является нестандартным и оригинальным в русле белорусского образовательного процесса, и посему должно быть принято во внимание и частично внесено в курс истории музыкальных культур Евразии.

В заключение хочется пожелать белорусским ученым высоких профессиональных результатов в дальнейших научных исследованиях и, конечно, творческого вдохновения, которое является обязательным условием создания перспективных и качественных материалов. Несомненно, этому должно способствовать накопление не только теоретического, но и практического опыта, являющегося необходимой предпосылкой для появления на свет новых научно-методических концепций и взглядов.

Елена Корягина

(V курс, отд. музыковедения)

 

А свадьба пела и плясала

Студенческие каникулы – ещё и время свадеб. Особенно на пятом курсе. Правда, музыковеды и тут успевают внести в празднование свою долю аналитики. Что ж, попробуем и мы, как говорится, «сравнить две картинки и найти отличия». Действительно, почему бы не взглянуть на современную свадьбу сквозь призму белорусских традиций? И найти (или, наоборот, не найти) в теперешних «обрядовых действах» то, что передалось от предков в трансформированном виде. 

Традиционная белорусская свадьба привлекала внимание путешественников и исследователей уже в XVI столетии, но особенно большое количество свидетельств и описаний свадьбы из самых различных областей Беларуси было записано в XIX столетии. Благодаря этому традиционный обряд известен почти в своем первоначальном виде, а многие традиционные черты сохранились и до сегодняшнего времени.

Традиционным зачастую остаётся сам ход всего свадебного действа. Так, накануне свадьбы невеста и ее подруги устраивают девичник, который является ни чем иным как видоизмененным девичьим вечером или сборной субботой, обрядом, где подруги невесты плели ей свадебный венок. Неизменными остались сборы жениха и невесты, которые при этом приобрели более эстетический и менее обрядовый характер. Одним из самых популярных и устойчивых традиционных обрядов является обряд выкупа невесты. В современной свадьбе это череда шутливых испытаний для жениха, который должен на пути к возлюбленной преодолеть самые различные препятствия – от банки с компотом и каверзных вопросов до песни в честь невесты. В традиционной свадьбе препятствия были серьёзней, а регламент действующих лиц был более строгим – невесту выкупали у её старшей сестры, а подруги могли и вовсе закрыть ворота и заставить жениха чуть ли не штурмом брать двор невесты. Неизменным же осталось настроение веселья, а также обязательные шутки в адрес жениха. Так же, как и сотни лет назад, жених и невеста едут в ЗАГС или к венцу порознь, а обратно – вместе. По-прежнему широко распространен обычай обсыпать зерном и окроплять святой водой свадебный поезд, что обязательно должны сделать родители невесты.

После венчания (или росписи) следующим главным пунктом свадьбы является собственно свадебное застолье. По обычаю молодые должны были посетить кладбище и почтить предков. В современной свадьбе эта традиция приобретает самые различные формы: молодые едут к вечному огню, к братским могилам, на Остров Слёз и даже к памятнику Максиму Богдановичу. При этом часто цель поездки не в желании почтить предков, а в возможности сделать красивую фотосессию, что в современной свадьбе важнее.

Сохранился еще один важнейший постулат традиционной свадьбы: чем веселее свадьба, тем счастливее жизнь молодоженов. Достижение заветной цели – весёлой и эффектной свадьбы – достигается при этом весьма разнообразными способами. Естественно, что со временем изменились и сами развлечения – появились различные конкурсы, чего традиционная свадьба не предполагала. В ход идет абсолютно все, границей выступает лишь предел фантазии и финансовых возможностей. И здесь на первый план выходит персонаж, без которого свадьбу теперь просто невозможно представить – тамада. В традиционной свадьбе тоже был такой человек, который активно веселил гостей и предлагал тосты, звали его «дружко» или «маршалок». Но это был не случайный и не чужой человек, а близкий родственник, желательно крёстный отец одного из молодоженов. Он распоряжался ходом веселья, вёл свадьбу. Теперь же его функции полностью взял на себя гибрид советского массовика-затейника, буржуазного аниматора и грузинского распорядителя застолья. Тамада объявляет тосты, организовывает конкурсы, развлекает гостей и одновременно их знакомит, так как большинство из них до этого момента никогда не встречались друг с другом. И в традиционной и в современной свадьбе неизменным осталось наличие танцев. Причем в остаточной форме сохранились некоторые обрядовые танцы. Так, молодые обязательно танцуют первый танец, который может быть и простым вальсом, и непростым постановочным номером: опять же, все зависит только от возможностей молодоженов. Первый танец новобрачным предлагают станцевать и в ЗАГСе, и непосредственно перед началом застолья. Ещё одним непременным атрибутом и современной и традиционной свадьбы является одаривание молодых. Раньше одаривание было связано с целым комплексом обрядов, среди которых можно отметить «коровай» в южной части Беларуси и «наделение» в северной. Так, в Полесье молодых одаривали в конце свадьбы, а за подарок получали кусок «коровая», который символизировал объединение двух родов – жениха и невесты.

Традиционная свадьба отличалась не только детальным воплощением всех тонкостей в каждом этапе обряда, но и своей протяжённостью. Она могла длиться от трёх дней до недели. Существовала такая поговорка: «Казала вяселлю і качарга – гуляй ад нядзелі да чацвярга». Теперь свадьбу успевают сыграть за два, а то и за один день, что вполне соответствует расписанию выходных на рабочей неделе. Хотя – можно праздновать и все каникулы, особенно в общаге. Было бы желание, фантазия и… «money-money». Так что – нескучной вам свадьбы! Или воспоминаний / мечтаний о ней. А мне лично – успешного завершения диплома про белорусские свадебные традиции. Эх, доля музыковедческая!..

Наталья Дягель

(V курс, отд. музыковедения)

 

Апантаны музыкай: аўтарскі вечар яўгена паплаўскага

16 лютага 2011 г. ў канцэртнай зале Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі адбылася адметная культурная падзея – аўтарскі вечар Яўгена Паплаўскага.

Пры ўсёй вядомасці беларускага кампазітара (а яго творы неаднаразова гучалі на міжнародных фестывалях і конкурсах сучаснай музыкі ў розных краінах свету) дзіўна і нават парадаксальна, што гэта быў яго першы аўтарскі канцэрт, але заканамерна, што сабраў ён паўнюткую залу зацікаўленых і адухоўленых слухачоў. Дарэчы, сярод іх, што асабліва прыемна, прысутнічалі настаўнікі і творчыя сябры Яўгена Паплаўскага: старшыня Беларускага саюза кампазітараў Iгар Лучанок, а таксама яго калегі Віктар Войцік, Радаслава Аладава, Таццяна Песнякевіч і іншыя.

Праграма вечара вылучалася цэльнасцю канцэпцыі і стылістычнай «маналітнасцю»: яна цалкам складалася з харавых твораў a cappella. Праграма прагучала ў бездакорным выкананні заслужанага калектыву краіны – Акадэмічнага хору Нацыянальнай дзяржаўнай тэлерадыёкампаніі Рэспублікі Беларусь пад кіраўніцтвам яго галоўнага дырыжора Паўла Шэпелева; партыі сола выконвалі А. Галоўская, В. Рузіна, Г. Чарнецкая (сапрана), Ю. Воляк, С. Даражок, В. Дзярбун-Навіцкая (мецца-сапрана), А. Міхнюк (тэнар), А. Кавалеўскі (барытон), К. Батурын (бас).

Музыка для хору, як заўважыла вядучая кандыдат мастацтвазнаўства Наталля Ганул, з’яўляецца люстэркам эмацыйнага свету Я. Паплаўскага і займае значнае месца ў разнастайнай жанравай сістэме яго творчасці. Першыя харавыя творы былі напісаны ім яшчэ ў сярэдзіне 80-х гадоў («Три стихотворения на слова А. Фета», кантаты «Бацькаўшчына», «Колокола моей Руси» і інш.), а ў 2000-м харавы цыкл «Пагода ўжо позняй восені» для змешанага хору і ўдарных на сл. Л. Стафа прынёс аўтару званне лаўрэата міжнароднага конкурсу кампазітараў.

Канцэртная праграма з’яднала чатыры харавыя цыклы Я. Паплаўскага, большую частку складалі опусы 2000-х гадоў. Усе творы ўжо былі так ці іначай фрагментарна прадстаўлены ў розных творчых праектах, але на гэтым канцэрце яны ўпершыню гучалі цалкам. Таму вечарыну ў пэўным сэнсе можна было назваць прэзентацыяй харавых прэм’ер кампазітара. Невыпадкова канцэрт у поўным аб’ёме запісваўся Беларускім радыё – для далейшых трансляцый у радыёэфіры, у тым ліку на замежжа.

Тэматычную накіраванасць усіх твораў аб’ядноўвала звяртанне да культурнай спадчыны нашай краіны ад старадаўніх культава-релігійных тэкстаў да беларускай паэтычнай класікі першай паловы XX стагоддзя. Акрамя таго, уся праграма, як падкрэсліла Н. Ганул, была знітавана таксама сімвалам Прыгажосці, што скразной ідэяй праходзіў праз кожны твор Я. Паплаўскага, выяўляючыся ў розных семантычных адценнях: хараство прыроды роднага краю, таямніца мацярынства, маральная прыгажосць і прыгажосць чалавечай душы… Да таго ж, кожны цыкл меў сваё «персанальнае» прысвячэнне, што нібы ахутвала яго семантычнае поле дадатковым арэолам сэнсу. Так, тэма глыбокай духоўнасці спалучылася з узнёсласцю і асаблівым релігійным пачуццём у цыкле для змешанага хору без суправаджэння «На Нараджэнне Хрыстова і Каляды» (2006). Шасцічасткавы твор, прысвечаны 550-годдзю рымска-каталіцкай парафіі ў Поразаве і 100-годдзю касцёла свсв. Сымона і Алены ў Мінску (на тэксты з малітоўніка гэтага касцёла), стаўся «спробай дакрануцца да нечага таямнічага, сакральнага» (Н. Ганул).

Зацікаўленасць кампазітара гісторыяй і музычным жыццём Беларусі, яе старадаўняй культурай плённа выявілася ва Усяночным чуванні Давыдкаўскага ірмалагіёна (канец XVII – пачатак XVIII стст.) для змешанага хору без суправаджэння (2004, твор прысвечаны Цэзару Карпіньскаму, які ў свой час быў дырэктарам Польскага Інстытута ў Мінску). Кампазітар звярнуўся да двух нумароў старадаўняга зборніка («Благослови, душе моя, Господа» і «Блажен муж»), стварыўшы сваё кампазітарскае прачытанне, заснаванае на беражлівым стаўленні да першавытока і ўзбагачэнні яго сучаснымі музычна-выразнымі здабыткамі. У абедзвюх частках паланілі чысціня пачуцця і асаблівая гарманійная прыгажосць, падкрэсленая цудоўным дакладным выкананнем.

Асаблівай дынамікай, цікавымі выканальніцкімі эфектамі ўразіў канцэрт «Мой ціхі дом» для змешанага хору без суправаджэння на словы Ларысы Геніюш, Янкі Купалы і Якуба Коласа (1987, прысвечаны бацьку кампазітара – Уладзіміру Казіміравічу Паплаўскаму). Нібы па-новаму, свежа і з яшчэ большай цеплынёй і пранікнёнасцю «загучалі» тыя паэтычныя радкі, што адбіліся, напэўна, з дзяцінства ў сэрцы кожнага беларуса! (Дарэчы, 100-гадовы юбілей беларускай паэтэсы Л. Геніюш, аднаго з любімых паэтаў Я. Паплаўскага, прайшоў, на жаль, летась незаўважна...) Маляўнічы гукапіс музыкі спрыяў складанню сапраўднага адчування шырокай аб’ёмнай прасторы («У вечным боры», «Нехта ноччу», «Водгулле»).

Кантату «Родныя вобразы» (2007) для змешанага хору і ўдарных на словы Янкі Купалы і Якуба Коласа кампазітар прысвечаў 125-годдзю паэтаў. Твор прасякнуты глыбокай паэтычнай думкай, вобразамі роднай зямлі, яе лёсу. Шматлікія ўдарныя (вібрафон, марымбафон, том-том, званочкі, тарэлкі, там-там і іншыя) не перагружалі харавой тканіны (партыі выконвалі А. Дубікаў, С. Дваранчык і А. Ждановіч). Наадварот, эканомнае і заўсёды трапнае выкарыстанне ўдарных дадавала ў агульнае харавое палатно свежыя гука-фарбы (напрыклад, чыстае і празрыстае гучанне званочкаў асцярожна і мякка «падсвятляла» харавыя спевы ў першай частцы «На Купалле»). Пры гэтым уключенне ў партытуру ўдарных з пэўнай вышынёй гуку ўяўляла складанасць для выканання, бо патрабавала ад хору ўважлівасці і вельмі дакладнай гукавышыннасці. Апошняе было з майстэрствам зроблена, напрыклад, у частцы «На шляху», дзе нечакана ўступаў марымбафон, пакідаючы незабыўнае ўражанне.

Аўтарскі вечар Яўгена Паплаўскага – яскравае сведчанне высокага майстэрства харавога пісьма кампазітара, шматграннасці творчай дзейнасці аўтара, у асобе якога спалучаецца творца, даследчык, асветнік, філосаф. I сапраўды, па словах Н. Ганул, «ён апантаны музыкай, апантаны любоўю да Радзімы…». Мы ўпэўнены, што першы аўтарскі канцэрт Я. Паплаўскага стане добрым пачаткам, зрабіўшы нас сведкамі новых творчых сустрэч з кампазітарам і яго музыкай, а ў хуткім часе, 29 сакавіка, у Нацыянальнай бібліятэцы Беларусі адбудзецца прэзентацыя серыі выданняў «Музычная спадчына Рэчы Паспалітай з Расійскай Нацыянальнай бібліятэкі», падрыхтаванай пад кіраўніцтвам Я. Паплаўскага. 

Валерыя Рыдкіна

(IV курс, аддз. музыказнаўства)

 

Вялізны інструмент з таўстымі струнамі

Канцэртная зала Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі стала напаўняцца ўдзячнымі слухачамі літаральна з першых дзён другога семестра. Прычым ледзь не кожная вечарына станавілася не проста ўнікальнай па складу выканаўцаў і зместу праграмы, а яшчэ і ўтрымлівала тое ці іншае творчае адкрыццё. Так, 17 лютага 2011 г. гучала кантрабасовая музыкі: іспыт перад публікай трымалі магістранты класа прафесара, заслужанага артыста Беларусі Мікалая Крывашэева – лаўрэат міжнародных конкурсаў Павел Сідарэнка і кітаянка Дзін Юаньюань.

Мікалай Аляксеевіч ужо неаднойчы ініцыяваў правядзенне разнастайных кантрабасовых вечарын – не толькі тых, праз якія павінны прайсці магістранты пад час свайго навучання. У свой час ён нават выступіў з прапановай арганізаваць у Беларускім саюзе кампазітараў конкурс на лепшы твор для саліруючага кантрабаса (у любым інструментальным складзе). І кантрабасовы рэпертуар адразу папоўніўся некалькімі адметнымі беларускімі творамі – віртуознымі і шмат у чым эксперыментальнымі. Гучала беларуская музыка і на гэтым канцэрце, склаўшы пад час яго штосьці накшталт «сумеснага» беларуска-кітайскага праекту: прыгожую, меладычную Арыю Уладзіміра Саўчыка, якую той напісаў некалькі гадоў таму для свайго сына-кантрабасіста, выканала Дзін Юаньюань (між іншым, жаночае выканальніцтва на кантрабасе куды радзейшае за мужчынскае).

Увогуле ж, праграма канцэрта ўражвала сваёй разнастайнасцю і цікавасцю, бо гучала музыка розных стылёвых напрамкаў і творчых школ – ад классікі да сучаснасці. Тут быў і Канцэрт В.А. Моцарта для кантрабаса і фартэпіяна ў пералажэнні Э. Нанні, і Саната П. Хіндэміта, а таксама Інтэрмеца і Тарантэла Р. Гліэра. З асаблівай увагай слухачы сачылі за творамі тых музыкантаў, якія самі былі бліскучымі кантрабасістамі, закладаючы асновы сольнага віртуознага выканальніцтва на гэтым інструменце: прагучалі п’еса «Стары Робін Грэй» Дж. Батэзіні і Канцэрт для кантрабаса Сяргея Кусявіцкага.

Пасля канцэрта Павел Сідарэнка з радасцю распавёў пра свайго выкладчыка:

– Мікалай Аляксеевіч такія канцэрты свайго класа праводзіць штогод, нават, здараецца, па некалькі на год. Ён жа сам канцэртуючы музыкант, таму добра разумее, наколькі важную ролю адыгрываюць выступленні не толькі на закрытых акадэмічных канцэртах, але і для шырокай публікі. Да таго ж, Крывашэеў працуе ў Дзяржаўным акадэмічным сімфанічным аркестры Беларусі, і ўжо некаторы час мы з ім калегі: я таксама іграю ў гэтым калектыве. Так што перадача ведаў, уменняў, нават нейкіх прафесійных сакрэтаў працягваецца і па-за класам. У класе ж заўсёды пануе атмасфера ўзаемапаразумення, добразычлівасці, спагады. Ён гатовы дапамагчы ў любой сітуацыі. І не толькі як педагог, але і папросту як блізкі сябра і нават сваяк. Нам, вучням, працаваць з ім вельмі прыемна. А ўжо як яму з намі – гэта, вядома, ад нас саміх залежыць: возьмем мы ад выкладчыка тое, што ён нам дае, ці не. Дарэчы, Мікалай Аляксеевіч навучае яшчэ і ўласным прыкладам. Летась у сваёй кваліфікацыйнай працы я аналізаваў яго выкананне (у відэазапісу) Санаты для кантрабаса сола Вячаслава Кузняцова. Гэта саната перамагла на колішнім конкурсе лепшых твораў для кантрабаса, была прысвечана Крывашэеву, і ён стаў яе першым выканаўцам, дадаткова даказаўшы, наколькі цікавай і выйгрышнай для нашых музыкантаў можа быць беларуская музыка. Сапраўды, усе кантрабасісты любяць выконваць творы эпохі рамантызму – найперш, італьянца Батэзіні, рускага Сяргея Кусявіцкага, а таксама класіцысцкія опусы – аўстрыйскага кантрабасіста і кампазітара Іаганеса Шпергера, нямецкага кампазітара и скрыпача Дзітэрса фон Дзітэрсдорфа. Беларускія ж творы вымушаюць яшчэ больш шукаць у выкананні чагосьці «свайго». Дарэчы, тую Арыю Уладзіміра Саўчыка, якую выконвала кітайская магістранта, я таксама іграў – год таму. У Вячаслава Кузняцова, акрамя згаданай Санаты, ёсць таксама кантрабасовая Бурлеска: я выконваў яе. Што ж да кантрабасовых санат, дык, акрамя Кузняцова, іх пісалі таксама Галіна Гарэлава (яе Саната для кантрабаса і фартэпіяна таксама ўвайшла ў пераможны спіс таго конкурсу ў Саюзе кампазітараў, пра які я згадваў) і, яшчэ раней, Анатоль Багатыроў (яго Саната таксама напісана для кантрабаса і фартэпіяна). Увогуле ж, любое сольнае выступленне кантрабасіста – гэта штораз чарговая спроба пераканаць шырокую публіку, што гэты «вялізны інструмент з таўстымі струнамі» можа і спяваць, і «танчыць», дэманструючы высокую ступень віртуознасці і прыгажосці гучання.

Што ж, у справядлівасці ўсіх гэтых выказванняў можна было пераканацца даволі хутка: літаральна праз некалькі тыдняў, 26 сакавіка 2011 г., у той жа канцэртнай зале БДАМ адбыўся аднавечаровы фестываль кантрабасовага мастацтва, прысвечаны памяці Ігнація Салодчанкі (1888–1950) – заснавальніка беларускай кантрабасовай школы. Завадатарам гэтай вечарыны выступіў М. Крывашэеў. Са змястоўным уступным словам (дакладней, суцэльнай лекцыяй пра І. Салодчанку) выступіў старшы выкладчык кафедры альта, віяланчэлі, кантрабаса Уладзімір Пулянкоў. А ў канцэрце ўзялі ўдзел музыканты розных пакаленняў – прадстаўнікі не толькі Акадэміі музыкі, але і Рэспубліканскай гімназіі-каледжа пры БДАМ. Сярод іншых выступіў і згаданы вышэй П. Сідарэнка (дададзім, што ягоны наступны сольны выхад – у канцэрце 3 красавіка ў Малой зале імя Р.Шырмы Беларускай дзяржаўнай філармоніі). На ўшанаванне памяці майстра прыехаў і наш малады кантрабасіст Андрэй Шынкевіч – лаўрэат шматлікіх міжнародных конкурсаў, які цяпер жыве і працуе ў Гамбургу, ўмацоўваючы прэстыж нашай выканальніцкай школы. Дарэчы, 5 красавіка Андрэй Шынкевіч павінен зноў выступіць у канцэртнай зале нашай Акадэміі музыкі – сачыце за навінамі і афішамі!

Вікторыя Драпала

(III курс, аддз. музыказнаўства)

 

Памяти великой певицы

18 февраля 2011 г. в камерном зале им. Л.П. Александровской Национального академического Большого театра оперы и балета Республики Беларусь состоялся вечер, посвященный 107-летию со дня рождения народной артистки СССР, лауреата Государственной премии СССР Ларисы Помпеевны Александровской.

Начало вечера было невероятным: в исполнении самой Л.П. Александровской прозвучал романс А.С. Даргомыжского и слушатели как заворожённые внимали магическому голосу. Затем состоялось открытие бюста великой певицы. Образ певицы, воплощённый скульптором Владимиром Слободчиковым, оказался очень одухотворенным и теперь будет украшать этот зал. Открывая бюст великой певице, Генеральный директор театра Владимир Гридюшко отметил, что она стояла у истоков театра, став легендой и гордостью отечественного оперного искусства. В наследии певицы – десятки сольных партий (Кармен, Маргарита, Аида, Графиня, Кончаковна и др.) и сотни спектаклей с её участием. В театре с появлением Л.П. Александровской началась новая эпоха: в начале 1950-х годов она была главным режиссёром и художественным руководителем театра, как никто другой, понимала «дыхание зала» и, избегая штампов, каждый раз находила что-то новое в трактовке своих героинь, её любили и восхищались. И, просто, Лариса Помпеевна была замечательной женщиной с открытым сердцем! Будучи человеком огромного таланта, она притягивала к себе выдающиеся личности: такие, как режиссер Борис Александрович Покровский, который называл ее «думой и камертоном белорусского искусства», как концертмейстер Семён Львович Толкачёв и др.

Много тёплых слов в адрес Ларисы Помпеевны прозвучало из уст племянницы, доктора философских наук, профессора Ариадны Борисовны Ладыгиной, которая много лет преподавала в нашей Академии музыки. Чтобы увековечить память великой певицы, она кропотливо собирала материалы и написала о ней книгу. Слова благодарности высказали коллеги оперной дивы: народный артист Беларуси Виктор Чернобаев, заслуженный артист Республики Беларусь Виктор Стрельченя. И, конечно же, дань памяти отдали ведущие певцы белорусской оперной сцены: Владимир Громов, Оксана Якушевич, Юрий Городецкий, Анна Гурьева, Илья Сильчуков, Инна Русиновская, Татьяна Гаврилова, Наталья Акинина, Янош Нелепа, Екатерина Головлева, Василий Мингалев, Елена Шведова, Марина Аксенцова, Андрей Валентьев, Алла Губа-Плоскина, Александр Краснодубский, Ярослав Петров. Они исполнили любимые партии Л.П. Александровской из опер «Кармен» Ж. Бизе, «Фауст» Ш. Гуно, «Хованщина» М. Мусоргского, «Любовный напиток» и «Лючия ди Ламмермур» Г. Доницетти, «Трубадур» Дж. Верди, «Снегурочка» Н. Римского-Корсакова, а также романсы М. Глинки, П. Чайковского, С. Рахманинова и др.

Каждый человек, который соприкасался с её творчеством и слышал чарующую красоту голоса, понимает, что Л.П. Александровская является тем гением, выдающейся личностью, память о которой сохранится на века.

Александра Беть

(III курс, отд. музыковедения)

 

«От простого…»

Под таким названием 22 февраля 2011 г. прошёл концерт цимбальной музыки в Малом зале им. Г. Ширмы Белорусской государственной филармонии. Это была далеко не первая встреча с лауреатом восьми международных конкурсов, аспиранткой Белорусской государственной академии музыки Вероникой Прадед.

Ежегодные концерты с её участием становятся доброй традицией. Каждый из концертов поражает своей оригинальностью, неповторимостью, незабываемостью. Программа их объединена определённой идеей, всегда новой и креативной, а произведения выстроены в строгой логической последовательности. Очень важно, что исполняются произведения только белорусских композиторов и только те, которые в оригинале предназначались для цимбал. На такие концерты солистка всегда приглашает самих композиторов, и уже одно их присутствие в зале создает особую творческую атмосферу, незримую связь между авторами, исполнителями и слушателями – истинное триединство Музыки! Каждый раз меняются составы исполнителей, с которыми выступает Вероника. В этом году в концерте участвовала пианистка Екатерина Марецкая. Творческое сотрудничество молодых исполнительниц отличается, как отметила ведущая концерта, кандидат искусствоведения Наталия Ганул, «особым духом романтичности», проникновенностью, профессионализмом, огромной ответственностью перед каждой нотой, написанной композитором.

В. Прадед блестяще применяет в своих выступлениях некоторые принципы инструментального театра, стремится к гармонии слышимого и видимого, большое значение придаёт своему сценическому облику. Так, в прошлом году, исполняя неофольклорные произведения, она вышла в «неофольклорном» платье, где народные мотивы сплетались с модерном, во втором же отделении исполнялась более академическая, но очень колористическая, с современными и неожиданными приёмами звукоизвлечения музыка, и на цимбалистке оказалось необычное по цветовой гамме вечернее платье. Ещё более удивительным стало нынешнее превращение: в первом отделении девушки предстали перед публикой в длинных концертных платьях с причёсками «под старину», что вызывало ассоциации с белорусскими красавицами ХIХ века, а во втором отделении на них были уже современные наряды, причём Вероника всех шокировала (в хорошем смысле этого слова, т.е. в высшей степени удивила) «модерновым» голубым париком, которого не ожидал увидеть никто.

В основе концерта лежала идея, выраженная в названии: от простого к сложному. В первом отделении были представлены произведения, написанные для детей, второе отделение посвящено современной авангардной музыке. Исполнительница стремилась не противопоставить «простое» и «сложное», а совместить их, привести к гармонии. Простые детские произведения исполнялись на недосягаемо сложном исполнительском уровне, и, напротив, сложные авангардные – максимально просто, будто играючи. Но это вовсе не так просто! Ведь детскую музыку нужно сыграть так, чтобы она произвела впечатление на слушателей и смогла заинтересовать начинающих музыкантов. На мой взгляд, с этой задачей В. Прадед и Е. Марецкая справились блестяще: сочинения звучали легко и виртуозно.

Открывался концерт сочинениями Виктора Войтика «Ожидание весны» (1987) и Рондо «Мотыльки» (1990), для которых характерна яркая образность, использование звукоизобразительных элементов. Познавательным и очень увлекательным стало «путешествие по ладам» – популярный среди юных исполнителей цикл Галины Гореловой «Семь пьес в ладах» (1987). Разнообразие приёмов, включая игру с сурдиной, и особое слышание тембра цимбал были продемонстрированы в Сюите для цимбал и фортепиано (1968) Сергея Кортеса. Как всегда у В. Прадед, в концерте было много премьер, среди которых – Три пьесы для цимбал и фортепиано Сергея Янковича («Кролик и Вини-пух», «Весёлый клоун», полька «Петушки»), написанные в 2010 г. для Международного конкурса им. И. Жиновича в 2012 г., а также «Капельки» для цимбал соло (2009), «Як Лявоніха з Лявонам» и по-настоящему волшебная «Засынайка» Евгения Ларионова, которые явились первым знакомством этого композитора с тембром и возможностями цимбал. Своеобразным «мостиком» от простого к сложному стали произведения Вячеслава Кузнецова, давно получившие признание не только в ДМШ, но и на международных конкурсах: Три пьесы для цимбал и фортепиано («Танец», «Будильник», «Карусель») (1999), «Бурлеска» (1990) и «Скерцо» (1991).

Во втором отделении прозвучали сочинения особого пласта музыки – авангарда. Их сущность очень точно выразила Н. Ганул, процитировав слова Г. Канчели: «Музыка настолько абстрактна по своей сути, что её надо слушать и ощущать». Выполнить эти требования-пожелания было легко, ведь главной идеей этого отделения стала уже упомянутая формула: о сложном говорить просто! Открыли второе отделение произведения В. Кузнецова Соната для цимбал соло в пяти частях (1989) и «Сарабанда» (1997). Особо хочется отметить его Диалог-аллюзию «Игра для двоих» (1999), где представлены архетипы авангарда – дух игры и соревнования. Тонкое сочетание современной техники и острой гармонии продемонстрировала Соната-импровизация Ларисы Мурашко в трёх медитациях для цимбал соло (Монолог – Диалог– Стремление). Исполнив в заключение концерта «Дивертисмент» для цимбал и приготовленного рояля Виктора Копытько, исполнители вновь воплотили главную идею второго отделения – простое понимание сложных идей. Сочинению уже 35 лет, но впервые после премьеры новая его интерпретация была представлена В. Прадед и Е. Марецкой, которые заменили постоянных исполнителей этого произведения – Ангелину Ткачёву и самого автора. Новый творческий дуэт прекрасно справился и со «взаимообменом» музыкальными инструментами: В. Прадед играла на рояле, а Е. Марецкая – на цимбалах. Профессиональное и незабываемое исполнение разных по жанру, стилю, музыкальному языку произведений произвело на слушателей большое впечатление. Дуэт почти после каждого произведения вызывали на бис! В конце концерта исполнители ещё раз продемонстрировали свой профессионализм, блистательно исполнив на бис «Бомбу» Г. Гореловой.

Мастерское исполнение «простого», музыки для детей является импульсом к исполнению этих произведений в детских школах и на самых разных сценах, лёгкое же и простое исполнение сложных произведений – импульсом к их звучанию на международных конкурсах и фестивалях. Концерт «От простого…» стал ярким подтверждением того, насколько разнообразен белорусский репертуар цимбальной музыки. Более того, именно благодаря таким выдающимся исполнителям, как В. Прадед и Е. Марецкая, возникает заинтересованность композиторов в создании новых сочинений для цимбал!

Ольга Романюк

(IV курс, отд. музыковедения)

 

«Часовые пояса» Московской консерватории

Традиция проведения творческих встреч и мастер-классов существует в Белорусской государственной академии музыки уже более пятидесяти лет. 2 марта 2011 г. в малом зале второго корпуса состоялась творческая встреча с заведующим кафедрой духовых ансамблей Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского, доктором искусствоведения, профессором Валерием Владимировичем Березиным. 3 марта после его мастер-класса студенты кафедры деревянных духовых инструментов дали концерт.

2 марта в зале собрались педагоги и студенты разных специальностей, не только духовики, но и музыковеды, проявившие интерес к вопросам исполнительства. И это не случайно: В.В. Березин принадлежит к выдающемуся поколению музыкантов, которые, по сути, перевернули представление о духовом исполнительстве, о них заговорили не только как об исполнителях, но и исследователях, активно работающих в области педагогики и методики преподавания. Под влиянием своего педагога Юрия Алексеевича Усова В.В. Березин начал вести научную деятельность и издавать труды. Он является автором и составителем ряда учебных программ, исследований в области духовой музыки, лауреатом Всероссийского конкурса по гуманитарным наукам.

Встретившись с белорусскими музыкантами, российский гость стремился рассказать о творческой деятельности исполнителей Московской консерватории, очертить основные проблемы в процессе обучения духовиков. Он особо подчеркнул значение Московской консерватории как своеобразного перекрёстка различных культурных традиций, где объединяются представители разных национальностей: помимо российских студентов в консерватории обучаются молодые музыканты из Беларуси, Украины, Казахстана, Молдовы, Китая и других стран. Приятно было услышать мнение профессора о том, что белорусские студенты выделяются большим трудолюбием, целеустремлённостью, добросовестностью, широким музыкальным кругозором, хорошей музыкальной подготовкой.

Одной из важнейших проблем музыкального образования В.В. Березин назвал дефицит. недобор учеников по духовым специальностям на всех уровнях музыкального образования, начиная от детских музыкальных школ (когда по разным причинам родители не хотят учить детей музыке) до высших учебных заведений. Присутствующие в зале преподаватели отметили, что эта проблема и для Беларуси является актуальной. Другая проблема, по мнению В.В. Березина, заключается в недостаточной профессиональной подготовке: часто абитуриенты и студенты не подготовлены в музыкальном плане, у них отсутствует слуховой опыт по своей специальности, в отличие от пианистов, которые хорошо знакомы с различными исполнительскими версиями произведений, духовики часто не знают лучших исполнителей на своём инструменте. Для выхода из сложившейся ситуации необходимо приучать учащихся к посещению концертов, к участию в вечерах класса, что может быть хорошей формой самопрезентации педагога и его воспитанников. Помимо того, необходимо стремиться к большему творческому общению непосредственно между самими педагогами и учениками.

В ходе беседы были затронуты вопросы организации учебного процесса в России и Беларуси. В Московской государственной консерватории отсутствует обучение по многим гуманитарным предметам, существующим в Белорусской государственной академии музыки, среди которых философия музыки, основы идеологии, политология, экономическая теория и др., там большее внимание уделяется специальным предметам. Так, если в БГАМ на каждый учебный год на занятия по специальности со своим педагогом духовикам отведено по 80 часов (т.е. за пять лет обучения – 400 часов), то в МГК количество часов в разные годы обучения варьируется: по 80 часов занимаются студенты IIIV курсов, а на первый и последний годы обучения приходится по 120 часов. Это имеет свою логику, поскольку на I курсе необходимо адаптировать студента к занятиям в новых условиях, избавить его от возможных ранее приобретенных ошибочных навыков, а на V курсе идет целенаправленная подготовка к госэкзаменам и дальнейшей самостоятельной исполнительской деятельности. Итоговая сумма – 480 часов, это больше, нежели у нас, на 80 часов, т.е. практически на учебный год. Есть свои особенности и в изучении других специальных дисциплин: так, камерный ансамбль в БГАМ начинается с III курса, а в МГК – на год раньше, зато у нас большее внимание уделено оркестровому классу – 3 раза в неделю против 2-х раз в неделю в МГК. Различия между учебными заведениями связаны и с вопросами трудоустройства выпускников: по окончании нашей Академии действует система обязательного распределения, которая не распространяется лишь на иностранцев и некоторые категории студентов, а в МГК всем выдаются свободные дипломы. Ещё одним важным отличием является существование в МГК факультета исторического и современного исполнительского искусства, где обучают игре на инструментах эпохи барокко, и студенты с энтузиазмом создают самые невероятные по составу и звучанию ансамбли.

Эти и многие другие сведения вызвали горячую заинтересованность присутствующих, активно задавались вопросы, а обсуждение многих поставленных проблем и даже дискуссии продолжались и после окончания творческой встречи.

Татьяна Осейко

(III курс,  отд. музыковедения)

 

Композиторский детектив: бывают ли среды по пятницам?

4 марта 2011 г. в зале Белорусского союза композиторов состоялся необычный вечер, интригующе названный «Музыкальные среды по пятницам… Новая камерная музыка».

Вечер стал «концертом белорусских премьер»: практически все произведения звучали со сцены впервые, причём каждое сопровождалось авторским пояснением, нетривиальными ответами композиторов на заранее заданные им вопросы о современной музыке. Живой диалог композитора и слушателя (ведущая – Наталия Ганул) придал атмосфере зала особую эмоциональную открытость и привлекательность. Внося в нашу концертную жизнь новый творческий заряд весеннего настроения, он не только продолжил традиции «музыкальных сред», проходивших ранее в этой творческой организации, но негласно был посвящен юбилею выдающегося композитора и педагога Галины Константиновны Гореловой.

Программа концерта отличалось разнообразием образов, жанров и инструментальных составов. Открыли концерт сочинения Галины Гореловой «Время слабости человека и цветов» и «Поклон сеньору Боттезини» для скрипки и контрабаса в исполнении Любови Хвалей и Андрея Баранова. В своём предисловии к исполнению Г. Горелова подчеркнула необычность избранного ею инструментального состава. Композитору удалось передать в форме диалога контрастных тембров огромное разнообразие образов – от созерцательно-пасторальных до предельно экспрессивных. Изобретательностью в трактовке привычного тембра удивило и сочинение Владимира Курьяна «Часы» для цимбал и фортепиано в исполнении Александры Денисени и Евгении Радюк. Метко подмеченное композитором сходство тиканья часов с пиццикато цимбал выросло в музыкальное произведение со своей не механической, а живой «дышащей» драматургией. Вячеслав Кузнецов свое произведение загадочно обозначил как «обращение к одной известной личности», предупредив, что в нотном тексте содержится монограмма. Глубокий по философскому замыслу, мужественно-сдержанный «Хорал для Петра Ильича» был замечательно исполнен пианисткой Екатериной Николаевой.

С особым нетерпением ждала публика исполнения сочинений молодых композиторов, недавних студентов Академии музыки – Ольги Подгайской и Константина Яськова. После небольшого рассказа о поисках собственного стиля К. Яськов представил слушателям сочинение для двух скрипок «Ludus mobile ||: танец ИНЬ и ЯНЬ о глубочайшей пустоте» в исполнении Алексея Охотникова и Валентины Трусевич. Особым всепокоряющим оптимизмом наполнило зал сочинение Ольги Подгайской «Покровитель», созданное специально для этого концерта. Вдохновенно исполненное Алесей Воропаевой (гобой), Антоном Лазовским (ударные) и Екатериной Николаевой (фортепиано) оно захватило публику мелодической изысканностью, тембровой изобретательностью и свежестью. «CHRONOS» Владимира Корольчука продолжил начатую в начале концерта В. Курьяном тему времени, но в другом решении: он предложил слушателям погрузиться в музыкально-философское размышление «о жизни времени». Сочинение прозвучало в интерпретации пианистки Анны Романович. Настоящим украшением концерта стало участие мэтров белорусского исполнительства Владимира Петрова (баритон) и Георгия Каранта (фортепиано). В их блестящем исполнении романс Сергея Кортеса «Нищий» на слова М. Лермонтова звучал особенно драматично и убедительно. Два произведения были продемонстрированы в записи: «Ностальгия» для голоса, электрогитары и камерного оркестра Дмитрия Смольского в исполнении ансамбля «Rage», и «Ангустия» для гитары и камерного оркестра Галины Гореловой, записанная оркестром Национальной гостелерадиокомпании Беларуси (дирижер – Чеслав Грабовский, солист – Игорь Сиротинский). Финалом концерта стало своеобразное «музыкальное приношение» – «Сюита-Ричеркар» Виктора Войтика в 4-х частях, адресованная Г. Гореловой. Автор написал сюиту специально для концерта и использовал монограмму Г. Гореловой. «Сюиту-Ричеркар» исполнили Юлия Посеренина (флейта), Илона Лесь (виолончель) и Вероника Прадед (цимбалы).

Под щедрые аплодисменты благодарной публики В. Войтик пригласил на сцену композиторов, чьи произведения исполнялись в этот вечер, и ведущую. Публику ожидал настоящий сюрприз, ведь в руках каждого композитора, вместо привычных карандашей и листов партитурной бумаги, оказался музыкальный инструмент! Замечательный ансамбль в составе В. Курьяна-цимбалиста, В. Корольчука-трубача, В. Кузнецова-контрабасиста, О. Подгайской-аккордеонистки, Н. Ганул-пианистки, ударников В. Войтика и К. Яськова зажигательно исполнил всем знакомую музыку из детективного сериала об Эркюле Пуаро. Действительно, разве композиторское творчество не такой же «детектив», разгадываемый музыкантами-исполнителями и, вместе с ними, слушателями?

 Любовь Шапко

(III курс, отд. музыковедения)

 

Музыкальный мир Ф. Листа-аббата

16 марта 2011 г. в концертном зале Белорусской государственной академии музыки состоялся концерт, посвященный 200-летию со дня рождения Ференца Листа.

В прошлом году музыкальный мир праздновал 200-летие со дня рождения Ф. Шопена и Р. Шумана, в нынешнем году – Ференца Листа: по всему миру проходят торжества, связанные со знаменательной юбилейной датой выдающегося венгерского композитора. Не исключением стала и наша Академия музыки, в стенах которой началась череда концертов, посвященных этому юбилею.

Ференц Лист известен не только как пианист-виртуоз, дирижер и композитор-романтик, создатель шедевров в жанрах фортепианной и симфонической музыки, но и как автор духовных хоровых сочинений – кантат, ораторий, месс. Духовные произведения композитора, к сожалению, не часто звучат со сцен белорусских концертных залов, поэтому весьма неожиданным и приятным стало исполнение кантаты «Via Crucis» и хоральной мессы «Missa choralis» Ф. Листа студентами вокально-хорового факультета Академии музыки под управлением лауреата международного конкурса Марии Янушкевич, партию органа исполнила лауреат международных конкурсов Ольга Подгайская.

Музыка кантаты «Via Crucis», повествующая о крёстном пути Иисуса Христа на Голгофу, своим возвышенным тоном, отрешённым от всего земного, позволила зрителям перенестись на 2000 лет назад и вместе с Христом пройти весь этот путь. Наряду с необыкновенно одухотворённым звучанием хора, довольно значительными явились инструментальные фрагменты сочинения с элементами изобразительности. Эти музыкальные эпизоды дали возможность слушателям не только насладиться чудесными звучанием органа, но и осмыслить происходящее событие.

В «Missa choralis» («Хоральной мессе») хору предоставилась возможность в ещё большей мере проявить исполнительское мастерство. Партия органа, весьма значительная в предшествующем сочинении, в мессе выполняет лишь роль аккомпанемента, и на первый план выходит звучание хора. Хоровому коллективу удалось красочно отразить все образно-эмоциональные оттенки произведения, связанные с индивидуализированно-личностным характером музыки. Это создало значительный контраст по отношению к прозвучавшей ранее кантате. Наиболее выразительно были исполнены Сredo, Sanctus и Agnus Dei.

Духовные сочинения Ф. Листа не только продемонстрировали высокий профессиональный уровень хорового коллектива студентов, но и позволили увидеть творчество выдающегося композитора-романтика с совершенно другой стороны: слушатели смогли погрузиться в музыкальный мир Листа-аббата – глубоко верующего христианина.

Светлана Хвощёва

(IV курс, отд. музыковедения)

 

Минск – Тбилиси: есть контакт

Продолжают расширяться творческие связи нашего вуза с консерваториями близкого и далекого зарубежья: 18 марта 2011 г. в Большом зале Белорусской государственной академии музыки состоялся концерт, который явился началом творческого содружества нашей Alma mater с Тбилисской государственной консерваторией имени Вано Сараджишвили.

Открылся вечер тёплыми приветственными словами ректоров обоих музыкальных вузов. Народная артистка Грузии, лауреат международных конкурсов, профессор Манана Доиджашвили сердечно поблагодарила доктора искусствоведения, профессора Екатерину Николаевну Дулову, а также преподавателей и студентов за горячий приём, и отправилась за сцену, чтобы подготовиться к выступлению в качестве пианистки. В исполнении минских коллективов прозвучали квартеты белорусского и грузинского композиторов, а затем в ансамбле с М. Доиджашвили – Фортепианный квинтет И. Брамса.

Обсудить прозвучавшее мы также решили если не кварто-квинтетом, то хотя бы дуэтом, причем музыковедческим.

Наталья Шуман: Редко увидишь «играющего тренера» со столь внушительным списком регалий. Манана Доиджашвили просто поразила! Её выход на сцену и исполнение Брамса стал настоящей кульминацией!

Ирина Машковская: Меня тоже переполняют эмоции, но всё же давай по порядку. В состав программы концерта вошли произведения различных стилевых направлений. Открылась она Первым струнным квартетом белорусского композитора Владимира Курьяна. Произведение, созданное в 1984 году, прозвучало в исполнении студентов оркестрового факультета Татьяны Вайлаповой, Евгения Чабровского, Марии Портянко и Михаила Обровца.

Н. Ш.: Квартет прозвучал на высоком профессиональном уровне, продемонстрировав грузинским коллегам превосходные исполнительские и композиторские возможности нашей Alma mater.

И. М: Меня особенно впечатлило высокое качество звукоизвлечения всех участников квартета. Как музыковед, отмечу и некоторые стилистические особенности этого, не скрою, понравившегося мне сочинения. Четыре его части словно представляли многоликую жизнь. В первой жёсткие кластеры, сменившиеся певучей темой скрипки, выразили несоответствие мечты художника суровой реальности. Вторая часть, выполняя в цикле роль скерцо, внесла новое веяние в музыкальном плане: элементы рок-музыки совместно с чёткими ритмами изображали, на мой взгляд, ту самую суровую реальность, с которой художник справиться пока не смог. Исполненная довольно убедительно благодаря хорошей фразировке, скерцозная часть сменилась лирико-жанровым эпизодом. Не найдя реализации собственной мечты в окружающей жизни, художник скрылся от невзгод на лоне природы. В качестве эффектного артикуляционного приёма композитор применил яркие глиссандо в партии скрипок. Завершить концепцию всего сочинения автор решил в романтическом духе: трагедия всё-таки настигла художника, как ни пытался он её избежать. В целом, сочинение удивило новизной стиля, ведь в нём сочетались черты новоромантической музыки с элементами современной рок-культуры, певучий мелодизм тем с недифференцированными кластерными звукообразованиями.

Н. Ш.: Шестой квартет грузинского композитора Сулхана Цинцадзе произвел на публику такое же ошеломляющее впечатление. Стройная трёхчастная композиция была исполнена словно на одном дыхании. Осталось ощущение, что автор музыки, размышляя над философской дилеммой, нашёл ответ в финальной части. На мой взгляд, концепции этих сочинений во многом схожи: это проблема художника-творца и его времени, решённая в трагическом ключе. Но не забудем о главной интриге нашего концерта – выступлении госпожи Мананы Доиджашвили!

И. М: В финале концерта свершилось то, чего все ожидали с самого начала: совместно с Минским струнным квартетом Белгосфилармонии, в состав которого входят Юрий Герман, Алексей Власенко, Владимир Химорода и Денис Скляров, «играющий» ректор исполнила Фортепианный квинтет ор. 34 Иоганнеса Брамса. После первых аккордов даже те зрители, которые, быть может, настороженно отнеслись к такому сюрпризу (ведь, наверное, тяжело совмещать высокую руководящую должность с регулярными занятиями за инструментом), поняли, что если человек талантлив, то он может успеть всё. Уверенная техничная игра в сочетании с грамотной фразировкой и отличным звуком, идеальное чувство ансамбля покорили всех присутствующих. Слушатели благодарили артистов стоя, а это, наверное, одна из самых больших наград.

Н. Ш: Великолепная техника и эмоциональная насыщенность исполнения буквально взорвали зал нескончаемыми аплодисментами! И это стало не только финалом, но и многообещающим началом.

И. М: Началом долгой и плодотворной дружбы между нашими вузами и самим музыкантами.

Ирина Машковская, Наталья Шуман

(III курс, отд. музыковедения)

 

Беларусь – наша песня

18 марта 2011 г. в концертном зале Белорусской государственной академии музыки состоялся заключительный концерт лауреатов кафедрального конкурса «Беларусь – моя песня» на лучшее исполнение белорусского произведения.

Инициатором проведения конкурса стала заведующая кафедрой пения, заслуженная артистка РБ Людмила Колос, а приняли в нём участие студенты отделения пения вокально-хорового факультета. В состав жюри вошли педагоги кафедры пения: народная артистка Беларуси Людмила Каспорская (председатель), заслуженный артист России Николай Моисеенко, старший преподаватель Дина Трухан-Богданова и студентка магистратуры Анна Ситник. Конкурсная программа включала исполнение двух произведений, одно из которых должно было принадлежать белорусскому композитору. Приятной неожиданностью стало участие Чэнь Хао Бинь и Сяо Сикун из Китайской Народной Республики, которые продемонстрировали свой интерес к исполнению белорусской музыки.

Торжественная часть заключительного концерта состояла из приветственного слова Л. Колос и вручения наград. Щедрость жюри не знала предела: в старшей группе – пять лауреатов, в младшей – семь и один дипломант.

Открыл концерт, исполнив романс В. Дорохина «Оливия», студент V курса, яркий тенор с красивыми верхними нотами Александр Ковалёв (класс профессора Леонида Ивашкова, 2-я премия в старшей группе). Тёплым и проникновенным исполнением старинного романса С. Кашеварова «Тишина» порадовал первокурсник Александр Гелах (класс народного артиста России Эдуарда Пелагейченко, 1-я премия в младшей группе). Стоит отметить и совсем юных исполнителей: Максима Тричука (класс Н. Моисеенко, 1-я премия), который исполнил романс Демона из одноименной оперы А. Рубинштейна, и Екатерину Штирц (класс Д. Трухан-Богдановой, 2-я премия), покорившую публику своим артистизмом.

Из старшей группы участников конкурса красотой, необычайной мощью голоса выделялся студент III курса Дмитрий Сиваков (класс Н. Моисеенко, 1-я премия). Очень тепло принял зал исполнение Романа Круковича (класс Э. Пелагейченко, 1-я премия), певца, который всегда отличался необычайной артистичностью. Блестящим завершением концерта стало выступление студентки III курса Людмилы Карпук (класс Л. Колас).

В целом участники и лауреаты конкурса продемонстрировали отличные вокальные данные и уже серьезные успехи на музыкальном поприще, гордо заявили о своих талантах и стремлении постигать новые высоты музыкального искусства. 

Марта Данусевич

(II курс, отд. пения)

 

Молодая классика

20 марта 2011 г. в концертном зале Академии музыки состоялось очередное выступление оркестра «Молодая Беларусь» под управлением народного артиста Беларуси, профессора Михаила Козинца.

В программе нашли отражение два выдающихся события: 200-летие Ференца Листа, в честь которого были исполнены «Прелюды» и Фортепианный концерт № 2 (солистка – Наталья Котова), и премьерное исполнение Четырнадцатой симфонии народного артиста Беларуси, профессора Дмитрия Смольского. Оркестр, состоящий из студентов Академии, продемонстрировал не просто очень высокий исполнительский уровень, а настоящее мастерство: известные произведения заиграли яркими, сочными красками.

По-новому прозвучала и Симфония № 14 Д. Смольского (впервые её исполнил Национальный академический симфонический оркестр Беларуси во главе с маэстро Александром Анисимовым в Белорусской государственной филармонии в 2010 г.). М. Козинец давно известен своим заинтересованным отношением к исполнению национальной музыкальной классики прошлого и современности, а в том, что творчество Д. Смольского – классика современности, убеждены все, кто знаком с его музыкой. И не только в нашей стране! Та же «Молодая Беларусь» не раз исполняла его партитуры в Германии с зарубежными солистами и всегда с невероятным успехом. Д. Смольский – признанный корифей в области симфонической музыки. В своих творческих исканиях он продолжает раскрывать новые выразительные возможности жанров. Симфония № 14 представляет собой целостный, интонационно спаянный системой лейтмотивов четырехчастный цикл (Lento, Andantino, Presto, Animato). Источником вдохновения послужило творчество П. Чайковского, которому произведение и посвящено. Д. Смольский использует известные фрагменты из балета «Щелкунчик», оперы «Евгений Онегин», из 3-ей части Шестой симфонии и др., однако преобразованы они даже по характеру. Другим объединяющим мелодическим комплексом стал авторский тематизм, интонации которого развиваются и взаимодействуют с темами П. Чайковского. Богатая оркестровка и прекрасное исполнение помогли слушателям глубоко проникнуть в оригинальный замысел цикла.

Одно лишь омрачило настроение – неумение некоторых слушателей, опоздавших на концерт, вести себя в зрительном зале: их долгое рассаживание-пересаживание, шум и шорох в зале мешали исполнителям сосредоточиться и начать игру. Может быть, стоит попробовать приходить чуть раньше? Занять лучшие места на концертах «Молодой Беларуси» действительно не так просто – выступления этого коллектива всегда аншлаговые, в том числе и за рубежом. Представленная программа была показана и во Франции: коллектив отправился в консерваторию г. Нанси с ответным визитом буквально через день после минского концерта. Восторженный приём, аплодисменты, цветы… Французская публика приняла наших музыкантов и новую симфонию Д. Смольского с необыкновенным воодушевлением.

Екатерина Куропятник

(III курс, отд. музыковедения)

 

Солистам, заслуженным и их концертмейстерам браво!

21 марта 2011 г. в концертном зале Белорусской государственной академии музыки состоялся вечер вокальной и инструментальной музыки.

Исполнительский состав концерта можно назвать по-настоящему звёздным: солировали молодые лауреаты международных и национальных конкурсов и признанные мэтры – заслуженные артисты Беларуси. Все выступления объединяло фортепианное сопровождение студентов кафедры концертмейстерского мастерства. Слушатели смогли насладиться разнообразной и многотембровой программой, драматургия которой основывалась на гармоничном чередовании вокальных и инструментальных номеров. К сожалению, в концерте приняли участие не все заявленные артисты, пустовали и места в зрительском зале, однако артисты были награждены бурными овациями присутствующих.

Уже с первых минут настроение было задано конкурсным кларнетовым соло А. Мессаже в исполнении Петра Науменко. Виртуозная игра опытного исполнителя – так можно сказать и об этом номере, и о последующих. Организаторы приняли интересное решение, дав прозвучать этому произведению дважды: Дмитрий Ярошевич, естественно, продемонстрировал собственную интерпретацию. П. Науменко выступал дважды, как и Марина Ильина, которая заставила исконно русскую балалайку «излучать» огненные испано-мексиканские мотивы. Нельзя не сказать и о драматичной скрипке в руках Марии Оводок, и о звучании то поэтическом, то задорном цимбал Татьяны Шумаковой.

В исполнении вокалистов Яноша Нелепы, Александра Авраменко, Инны Русиновской прозвучали романсы П. Чайковского, С. Рахманинова, И. Брамса, белорусских классиков А. Богатырёва, Г. Пукста и др. И. Русиновская при втором своём выходе создала необычайно выразительный образ Лизы из «Пиковой дамы» П. Чайковского. Удивительный калейдоскоп настроений в «Трёх песнях Дона Кихота» М. Равеля передал Олег Ковалевский, спевший их на французском – языке оригинала. Очень впечатлил дуэт Татьяны Цыбульской, артистично исполнившей арию Концепции из оперы М. Равеля «Испанский час», и пианиста Евгения Галанова, известного своей яркой и виртуозной игрой. Большой честью для всех присутствующих стало появление на сцене заслуженной артистки РБ Людмилы Златовой с лирическими романсами Э. Грига и С. Рахманинова. Последний неповторимый штрих в концерте поставил заключительный номер, в котором блистала скрипачка Влада Бережная. В её исполнении прозвучали «Цыганские напевы» П. Сарасате. Прекрасное звукоизвлечение, филигранная динамика, буквально поющая, говорящая и плачущая скрипка – всё это характеризует игру В. Бережной. Публика слушала её выступление затаив дыхание, чтобы затем наполнить зал громогласными аплодисментами и возгласами «Браво!». Можно с уверенностью утверждать, что такой оценки заслуживал весь прошедший концерт.

Мария Нестерова

(III курс, отд. музыковедения)

 

Концертмейстер: пианист или «оркестр»?

Результатом творческого сотрудничества Белорусской государственной академии музыки и Белорусской государственной филармонией стали мастер-классы по фортепиано и концертмейстерскому мастерству профессора Университета искусств г. Эссена (Германия) Бориса Блоха. Мастер-классы состоялись 21 и 22 марта 2011 г., а накануне в Большом зале филармонии солист блестяще исполнил Пятый фортепианный концерт Л. Бетховена.

Яркий представитель московской исполнительской школы (выпускник Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского по классу профессора Д.А. Башкирова) Борис Эмильевич Блох ведёт активную концертную деятельность в разных странах мира. Белорусскую академию музыки он посещает не впервые: в прошлом году им проводились уроки мастерства для молодых музыкантов и их педагогов. 20 апреля он выступит в сольным концертом на фестивале «Минская весна», а в мае  приедет на государственный экзамен в качестве председателя Государственной комиссии.

21 марта уникальная возможность трехчасового занятия по концертмейстерскому искусству выпала студентке V курса Светлане Морозовой (фортепиано) и солистке филармонии Татьяне Цыбульской (вокал). Удалось охватить несколько произведений разных жанров: были представлены ария Анны (№ 17) из «Времён года» Й. Гайдна, ария Лизы «Откуда эти слёзы…» из «Пиковой дамы» П. Чайковского, романсы «Цветок» К. Метнера и «Сердце стучит» И. Штрауса. В исполнении оперных арий главной задачей концертмейстера, по мнению профессора, является воссоздание оркестровых красок, поэтому для точной передачи тембра того или иного инструмента необходимо слышать «играемую» арию в оригинальном звучании, в романсах же, напротив, профессор обращал внимание на «фортепианность» звучания. Борис Эмильевич давал ценные указания, касающиеся агогики, динамики, артикуляции, аппликатуры, педализации, обращал внимание на точность соблюдения композиторского стиля и содержание поэтического текста.  

Высокий профессионализм, эмоциональная самоотдача, глубокое проникновение в музыкальный текст, корректное общение с исполнителями – основные качества работы Бориса Блоха по концертмейстерскому классу. Участники мастер-класса проявили глубочайший интерес и высказали восторженные мнения о маэстро.  

Вера Шнайдер

(III курс, отд. музыковедения)

 

Быть русским – это культура

Лауреат международных конкурсов, концертирующий пианист, оперный дирижер, профессор Борис Блох мгновенно приковывает к себе пристальное внимание. Он выступает как солист с американскими оркестрами Кливленда, Хьюстона, Питтсбурга, Ванкувера, Нью-Орлеана, является частым гостем международных музыкальных фестивалей в Зальцбурге, Берлине, Люцерне, Мариенбаде, Болонье, его приглашают в качестве члена жюри на престижные международные конкурсы пианистов. Являясь гражданином США, Борис Блох в настоящее время проживает в Германии.

Второй год подряд маэстро даёт мастер-классы по специальности фортепиано и концертмейстерскому мастерству в Белорусской государственной академии музыки, делится со студентами секретами своего педагогического и исполнительского опыта.

 Прежде, чем приступать к работе над произведением, надо его послушать. Слушать можно и нужно, слушать не только фортепианную игру для пианистов или скрипичную для скрипачей, но и оперную, симфоническую и камерную музыку. Если Вы будете представлять звук в ушах, то обязательно сможете его изобразить!

Во время работы со студентами маэстро уделяет внимание каждой мелочи. В выборе темпа он советует опираться на мелкие длительности:

 Я бы для себя пропел, а отсюда уже выбрал нужный темп, указывая на такт, он начинает напевать.

 В аппликатуре, – продолжает Борис Эмильевич, ни в коем случае нельзя бояться первого пальца, его следует включать в работу. Лучшая аппликатура та, в которой реже занимаешься подменой.

Как известно, Борис Блох был музыкальным руководителем Одесского академического театра оперы и балета, с 1991 г, занимаясь дирижёрской деятельностью, выступал в Италии, Австрии, Германии, России, Украине, поэтому особое его внимание направлено на оркестровое звучание рояля. Главным, по мнению маэстро, является передача оркестровых красок инструментов на фортепиано:

 Если произведение написано для оркестра, я не хочу слышать рояль! Вот здесь звучит соло гобоя. Это же один из самых прелестных инструментов! Так покажите нам его чудесное пение!

В классе царит атмосфера свободы, творчества и какого-то тихого восторга. Все с замиранием сердца ждут, когда же маэстро начнёт играть. Набрасывая тёмно-синий пиджак, Борис Эмильевич садится за рояль и неожиданно начинает подпевать солистке, создавая своеобразное трио. Потом также резко прекращает игру и продолжает:

 Видите, обращаясь к студентке, я не сразу беру педаль. Вздохните здесь. Ощутите баланс: скромный аккомпанемент в левой руке и важное соло в правой.

И тут же добавляет:

 Вы должны сыграть форте полным оркестровым звучанием, а вот пиано должно быть мягким, с педалью.

Он опускает пальцы на клавиши, и рояль начинает звучать как-то по-особенному: трепетно и в то же время мощно.

Борис Эмильевич не просто великий пианист, но и великий артист. Помимо правильной аппликатуры, ясной динамики, педализации и точных длительностей, большое значение он уделяет образному содержанию произведения:

 О чём это вступление? [работа идёт над арией Лизы из оперы «Пиковая дама» П. Чайковского]. Это не просто душевные переживания, это состояние огромной тревоги. Лиза в смятении чувств, что-то случится непредвиденное: либо страшная любовь, либо страшная гибель. И мы должны почувствовать, что сейчас такое стечение обстоятельств обрушится на весь мир! А здесь совершенно обыденные слова: «прикажете помочь раздеться?», «уж поздно», но какая страшная музыка стоит за ними! Чайковский понимает, что происходит с его героями, поэтому слова не имеют для него значения».

Он начинает играть: гремит рояль, бушует буря. Вдруг останавливается и, наклонившись вперёд, замирает у самых клавишей на фермате… Такое ощущение, будто звуки, поднимаясь над роялем, начинают парить в воздухе.

Русская музыка – одна из любимейших страниц репертуара Бориса Эмильевича:

 Когда я имею возможность включить в программы сочинения русских композиторов, я чувствую их как самую заветную, интимную часть своего выступления. Русский репертуар связывает меня самыми прочными нитями с Родиной. Чем дольше я живу на Западе, тем больше ощущаю себя воспитанником и представителем русской фортепианной школы. При этом я имел возможность впитывать новые влияния, сохраняя твёрдые основы блестящей русской школы, русской культуры.

Интересно отношение профессора к «классическим шлягерам»:

 Мне несколько неловко представлять публике то, что «затёрто до дыр». Возможно, так даёт о себе знать моя творческая совесть. К популярным сочинениям нужно обращаться, если чувствуешь, что можешь сказать что-то новое. Я всегда стремился включать в свои программы незаигранные произведения, ведь фортепианная литература бездонна, и так увлекательно открывать шедевры, о которых либо никто не знает, либо их просто позабыли.

 Пока молодые, надо получать серьезные знания и умения, не оставлять «на потом», больше изучать произведений, делать репертуар и, конечно, слушать! – вот в чём, по мнению Бориса Эмильевича Блоха, заключается секрет успеха.

 Юлия Кононович

(IV курс, отд. хорового дирижирования)

 

Любовь в каждом звуке

Я никогда не понимал

Искусства музыки священной,

А ныне слух мой различал

В ней чей-то голос сокровенный.

Я полюбил в ней ту мечту

И те души моей волненья,

Что всю былую красоту

Волной приносят из забвенья.

Под звуки прошлое встает

И близким кажется и ясным:

То для меня мечта поет,

То веет таинством прекрасным.

                                             А. Блок

28 марта 2011 г. в концертном зале Белорусской государственной академии музыки состоялся вечер вокальной лирики немецких композиторов-романтиков, поэтично названный «Чарующая тайна романтического романса».

В концерте прозвучали камерно-вокальные сочинения Р. Шумана, И. Брамса, Р. Вагнера, Х. Вольфа, Г. Малера и Р. Штрауса в исполнении лауреатов международных конкурсов Татьяны Цыбульской, Юлии Пугачевой, солистов Белорусской государственной филармонии Тамары Ремез, Натальи Березиной, заслуженной артистки РБ Тамары Печинской. Аккомпанировали им студенты, воспитанники класса старшего преподавателя Елены Борисовны Алексеевой Елена Езубчик, Ольга Омельянчик, Ольга Тарасевич, Екатерина Васильева, Алексей Соболь, Жанна Казарина.  

Концерт изобиловал многообразием романтических тем: здесь и первая любовь, и трепет взволнованного сердца, и горечь разлуки, и тягостные мысли о смерти и одиночестве. Калейдоскоп экспрессивных образов «Итальянских песен» Х. Вольфа, тонких психологических монологов из «Круга песен» на стихи Г. Гейне Р. Шумана, мрачных настроений романсов из вокального цикла на стихи М. Везендонг Р. Вагнера, красочных и живописных вокальных миниатюр Г. Малера и И. Брамса, страстной лирики песен Р. Штрауса буквально захватил сердца как исполнителей, так и восхищенной аудитории. В каждом звуке чувствовалась любовь талантливых музыкантов не только к музыке немецких романтиков, но и к ансамблевому музицированию. А потому – прочь музыковедческую терминологию! Эмоциональный тон концерта смогут передать лишь строки поэтессы Натальи Исаевой (Горецкой):

Когда звучит напев старинный,

Он будто призывает нас

Уйти за ним дорогой длинной

Туда, где встретит нас романс.

Он истомит и очарует,

Заставит верить и любить,

Где сердце заново тоскует,

И вечер дивный не забыть…

Анастасия Буряк

(IV курс, отд. музыковедения)

 

Vivat fugue

28 марта 2011 г. в Белорусской государственной академии музыки состоялся I Академический концерт-конкурс музыковедческих фуг.

Свои способности в области композиции демонстрировали музыковеды IIIV курсов – студенты кандидата искусствоведения, доцента кафедры теории музыки Николая Васильевича Шиманского и кандидата искусствоведения, доцента кафедры теории музыки Елены Викторовны Куракиной. На конкурс были представлены следующие произведения: Лойко Ольга (V курс) – двойная фуга для струнного квартета в классическом стиле, Машковская Ирина (IV курс) – двойная четырёхголосная романтическая фуга для фортепиано, Нестерова Мария (III курс) – двойная четырёхголосная романтическая фуга для фортепиано, Осейко Татьяна (III курс) – двойная четырёхголосная романтическая фуга для фортепиано, Рыдкина Валерия (IV курс) – органная четырёхголосная фуга в барочном стиле, Скаль Светлана (III курс) – двойная четырёхголосная фуга для органа в барочном стиле, Шапко Любовь (III курс) – двойная четырёххголосная романтическая фуга для фортепиано, Шнайдер Вера (III курс) – двойная четырёхголосная фуга для органа в барочном стиле, Шуман Наталья (III курс) – трехголосная фуга для фортепиано в барочном стиле.

Оценивали сочинения педагоги Академии: заведующий кафедрой фортепиано, профессор Борис Исаакович Спектор (председатель жюри), проректор по научной работе, кандидат искусствоведения, старший преподаватель кафедры теории музыки Наталья Олеговна Арутюнова, кандидат искусствоведения, руководитель класса органа Владимир Васильевич Невдах, кандидат искусствоведения, доцент кафедры теории музыки Елена Викторовна Куракина.

Концерт-конкурс прошёл в тёплой обстановке, во время исполнения фуг зрители с огромным интересом вслушивались в каждый звук, в каждую тему. И это неудивительно! Авторы фуг демонстрировали разнообразие тематизма («как разные персонажи в литературном произведении» – сравнила темы своей фуги Мария Нестерова), отличное знание контрапунктической техники и формообразования, а перед исполнением комментировали особенности строения, содержания, формы, контрапункта. Некоторые в качестве предисловия читали стихотворения, сочиненные ими накануне. Вот некоторые из них:

 

Если такие разные,

Тихие или страстные,

Скромные или властные

Не могут жить друг без друга…

Значит, это фуга.

 

Если идущим рядом

Под градом и снегопадом,

Другой дороги не надо,

Не страшен ни дождь, ни вьюга…

Значит, это фуга.

 

И если однажды услышишь

Как звезды поют на небе

И тебе улыбаются в шутку,

Прислушайся на минутку.

Может быть, это тоже фуга?..

                                                 Любовь Шапко

                   ***

Как-то раз доцент наш строгий

Огласил нам приговор:

«Нынче не унесть вам ноги.

Труд вам тяжкий, мне – задор!

Разучили правил много,

А на практике – провал!

Принесите завтра строго

Уйму тем, не то – подвал!»

Напугали мы друг друга,

Контрапункты понесли.

Так и получилась фуга:

 

Имитации спасли.

 

Формализм не принимаем!

Ученичеству конец!

Главное – искусство, знаем.

И за это нам венец!

                                           Ирина Машковская

                   ***

Фуга четырехголосная органная,

Задумка в ней есть гениальная.

Символ эпохи ты услышишь –

Секвенцию «златую» в теме.

Собой всю фугу заполняя,

Звучит секвенция не умолкая.

                                          Вера Шнайдер

 

Самую высокую оценку получили участницы, которые сами представляли публике свои сочинения. Но были и приглашенные исполнители, тем более, что и фуги создавались для разных составов: струнный квартет первокурсников (первая скрипка – Юлия Окулич, вторая скрипка – Наталья Танчик, альт – Екатерина Ананич, виолончель – Алина Деликанова), орган (Екатерина Николаева, Мария Янушкевич); фортепиано (Лилия Сусько, Мария Медведь, Александр Сколобан).

В выборе победителей участвовали не только члены жюри, но и зрители. Результаты голосования были такими: 1-е место, лучшее исполнение, приз зрительских симпатий – Ирина Машковская, 2-е место – Мария Нестерова, 3-е место – Валерия Рыдкина. Пока шёл подсчет голосов, публика не скучала, а наслаждалась пением студенток-вокалисток класса Людмилы Ивановны Щербаковой, концертмейстером выступила – Екатерина Слободницкая. Прозвучали ария из кантаты № 68 И.С. Баха в исполнении Ольги Железко, ария Клеопатры из оперы «Юлий Цезарь» Г.Ф. Генделя в исполнении Елены Гавриловой, «Incarnatus dei» из «Неоконченной мессы» В.А. Моцарта в исполнении Ирины Лой.

Каждый, кто побывал на этом вечере, получил массу впечатлений и заряд положительной энергии. Отрадно и то, что проведение подобных мероприятий станет доброй традицией в Академии музыке и будет активизировать творческий потенциал студентов. Ведь, как сказал когда-то Р. Шуман, «в искусстве не творится ничего без великого энтузиазма».  

                                                             Александра Беть

(III курс, отд. музыковедения)

 

XIII конкурс на лучшую обработку народных тем

28 апреля 2011 г. в концертном зале второго корпуса Белорусской государственной академии музыки состоялся XIII конкурс на лучшую обработку народных тем.

Начиная с 1999 г. это мероприятие, организованное по инициативе заведующего кафедрой инструментовки профессора Вячеслава Владимировича Кузнецова, ежегодно аккумулирует творческие силы студентов народного отделения. По традиции конкурс прошёл в форме состязания-концерта. Активная подготовка конкурсантов началась практически с начала учебного года, а точнее – с октября, когда были объявлены отобранные преподавателями темы шести белорусских народных песен, на одну из которых студенты должны были создать свои музыкальные обработки или оригинальные сочинения в свободной форме. Непростую задачу определения победителей решали члены жюри: профессора Вячеслав Владимирович Кузнецов (председатель) и Виктор Антонович Войтик, доценты Владимир Николаевич Корольчук, Николай Константинович Литвин и Сергей Иванович Янкович. В итоге, после долгих совещаний и даже споров, было названо небывалое число финалистов: три призовых места разделили сразу семеро конкурсантов!

Победителем стала студентка III курса Ирина Свитич (класс В.В. Кузнецова). Представленное ею сочинение под концептуальным названием «Князь Сапега. Сумная музыка ў камянi» ярко прозвучало в исполнении оркестра белорусских народных инструментов под управлением художественного руководителя и главного дирижера коллектива – старшего преподавателя Александра Высоцкого. Тут решение жюри было единогласно. Романтический дух, эмоциональная открытость интонации в сочетании с уравновешенностью формы и тщательно выстроенной кульминацией, находчивость в оперировании красками оркестра – всё это обеспечило работе бесспорную победу. Второе место разделили сразу три студенческие работы. Две из них создали студенты класса С.И. Янковича: это «Эпiчная фрэска» на тему белорусской народнай песни «Ой, на моры» Ольги Курьян (IV курс), исполненная оркестром белорусских народных инструментов под управлением автора, и «Размышление. Фантазия на тему белорусской народной песни На балоце касец косiць” для баяна» третьекурсника Андрея Кулúша (сочинение прозвучало в исполнении автора). Второй приз был заслуженно присуждён также Ольге Леончук, студентке VI курса класса Н.К. Литвина, представившей Балладу для двух цимбал и фортепиано (на цимбалах играли Ника Елистратова и Елена Коваленко, партию фортепиано исполнила Алина Страшкевич). Третье место досталось работе, в создании которой участвовал авторский коллектив студентов III курса: Ирина Карнажицкая, Павел Ловец (класс Н.К. Литвина) и Юлия Качановская (класс В.Н. Корольчука) исполнили написанные ими Вариации на две белорусские темы для домры, балалайки и баяна (И. Карнажицкая – домра, П. Ловец – баян, Ю. Качановская – балалайка).

Очень достойно прозвучали и другие сочинения. Среди них Баллада для баяна и скрипки Александра Ясинского (III курс, класс В.А. Войтика), которую автор исполнил со скрипачкой Ольгой Машанской. Отметим также два произведения, написанные в одном жанре: это Фантазия на тему белорусской народной песни «Ой, у полi пры далiне» для баяна, гитары и виолончели Александры Бузун и Фантазия на тему белорусской народной песни «Ой, на моры» для гитары соло Натальи Драгуновой (обе – студентки класса В.Н. Корольчука). Музыкальную обработку А. Бузун, привлекшую, в частности, удачно выбранным тембровым сочетанием инструментов, исполнили Александр Ясинский, Анна Короткина и Инна Кускова, а сочинение Н. Драгуновой – гитарист Алексей Доропиевич. Хорошо выступили и две студентки IV курса, предложившие сочинения с «весенними» программными названиями и исполнявшие в них партию цимбал: Виктория Муллаярова (класс С.И. Янковича) с произведением «Апрель в Париже» для цимбал и баяна (партию баяна исполнил Григорий Хвисевич) и Анна Савко (класс старшего преподавателя О.И. Ходоско) с пьесой «Весеннее утро. Музыкальная зарисовка для двух цимбал» (на вторых цимбалах играла Илона Петрошкевич).

Прекрасным и уместным дополнением к концерту стали два внеконкурсные сочинения. Одно из них, «Музыкальный каламбур» на тему белорусской народной песни «Падушачка» для фортепиано в 4 руки студентки III курса Ники Елистратовой, оказалось блестящей «интермедией» и вызвало бурную одобрительную реакцию слушателей, значительно повысив эмоциональный тонус зала (исполнители – Н. Елистратова и Виктория Богданова). Завершило концерт яркое выступление аккордеониста Ивана Засимовича, который сыграл свою «Фольклорную зарисовку Жили у бабуси». Это сочинение, которое уже приобрело некоторую популярность и было удостоено 2 премии на Международном конкурсе «Аккохолидей» в Киеве, также заслужило воодушевленные аплодисменты.

Как видим, число 13, под которым проходил конкурс, оказалось для многих счастливым. Поздравляем победителей! Можно порадоваться, что регулярное проведение конкурсов на лучшую обработку народных тем стало не только традицией, но, благодаря усилиям кафедры инструментовки, и неотъемлемым этапом учебного процесса. Думается, подобные конкурсы необходимы и для студентов других отделений, так как они раскрепощают творческую инициативу учащихся, позволяют более свободно и креативно подходить к предмету, укрепляют их интерес и любовь к национальному фольклорному наследию.

Валерия Рыдкина

(IV курс, отд. музыковедения)

 

Матылькі ці трэлі д’ябла?

13 мая 2011 г. у канцэртнай зале Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі адбыўся сольны канцэрт лаўрэата міжнародных конкурсаў, стыпендыята спецыяльнага фонда Прэзідэнта Рэспублікі Беларусь па падтрымцы таленавітай моладзі, выдатнай выканаўцы на цымбалах Надзеі Каракулька (клас прафесара, народнага артыста Беларусі Яўгена Пятровіча Гладкова).

У цымбальным выкананні гучалі самыя разнастайныя творы: ад музыкі эпохі Барока да сачыненняў сучасных кампазітараў. Партыю фартэпіяна выконвала лаўрэат міжнародных конкурсаў Таццяна Рабая. У канцэрце прымалі ўдзел лаўрэат міжнародных конкурсаў Марыя Мілюта (флейта), Ганна Рубанец (скрыпка). 

Канцэрт быў адкрыты двума клавірнымі санатамі Даменіка Скарлаці, следам за якімі мы пачулі скрыпічную санату Джузэпэ Тарціні «Трэлі Д’ябла» ў пералажэнні для цымбалаў і фартэпіяна. Майстэрства выканаўцы было настолькі высокім, што ў яе цымбалах з’яўлялася водгулле то клавесіну, то чароўнай д’ябальскай скрыпкі. Яшчэ больш раскрыліся віртуозныя магчымасці Надзеі Каракулька ў Венгерскай рапсодыі № 2 Феранца Ліста. Свежым подыхам уявілася выкананне Сюіты для флейты piccolo, скрыпкі і цымбалаў «Тры фальклорныя матывы» («Зязюля кукавала», «Жартоўная», «Вечар») Галіны Гарэлавай.

У другім аддзяленні была прадстаўлена музыка ХХ стагоддзя: Дзесяць прэлюдый з ор. 34 Дзмітрыя Шастаковіча, Танга «Смерць анёла» Астара П’яцолы, а ў заключэнне – Фантазія на тэмы з оперы Мікалая Рымскага-Корсакава «Залаты пеўнік». Ды ўсё ж сапраўднай кульмінацыяй канцэрта сталі вельмі цікавыя, шмат у чым незвычайныя цымбальныя творы сучасных беларускіх кампазітараў: Варыяцыі для цымбалаў-сола «Перазвоны» Уладзіміра Кур’яна і Ронда для цымбалаў і фартэпіяна «Матылькі» Віктара Войціка.

Настасся Вікторчык

(IV курс, аддз. музыказнаўства)

 

Жизнь – театр: о работе театральной студии

Знакомство. За время учёбы мне казалось, что для полной самореализации студентов в Академии музыки, одном из самых творческих вузов страны, чего-то не хватает. И вот это «что-то» у нас появилось открылась театральная студия! Всё началось поздним зимним вечером в аудитории № 410. Около тридцати студентов, желающих развивать актёрские способности, рассредоточились по залу. Поскольку многие из нас впервые видели друг друга и тем более руководителя студии, студентку режиссёрского факультета Академии искусств Ирину Богданову, всем было предложено представиться в творческой форме. Некоторые сразу засмущались и заняли позицию сторонних наблюдателей, однако в актерском деле главное – «избавиться от зажима», поэтому к концу встречи, глядя на своих более смелых товарищей, они также смогли раскрыться. Чего только ни придумывали студенты: играли на рояле, пели, читали стихи, а кто-то просто упал на пол, и это было оценено высшим баллом, ведь первый шаг к раскрепощению был сделан. В театре, как и в жизни, действует закон естественного отбора, выживают самые увлечённые и преданные делу люди, поэтому с каждым занятием нас становилось меньше, однако работать становилось всё интереснее. Ирина Богданова придумывала новые увлекательные задания, коллективные и индивидуальные этюды на темы изобретения летательного аппарата и философского камня, предлагала передать состояния холода и страха, изобразить какой-либо предмет, воспроизвести звучание различных природных шумов и многое-многое другое.

Настоящая любовь может оживить даже ледяное сердце. На каждом занятии, выполняя те или иные задания, студенты шли к главной цели – выступлению на сцене. Наше «боевое крещение» состоялось в День всех влюблённых 14 февраля в холле альма-матер. Идея руководителя студии состояла в том, чтобы показать чудесную силу любви, оживляющую рутинную жизнь людей, замкнувшихся в своем маленьком мирке и не замечающих среди обыденных вещей и повседневных забот обыкновенное чудо. Началось представление почти незаметно: артисты затерялись в потоке спешащих по своим делам студентов. Затем участвовавшие в постановке стали изображать людей, занятых повседневными делами: охранника с рацией, дворника с метлой, подростка в наушниках, художника с мольбертом, вечно спешашего политика с мобильным телефоном, девушку, раздающую флайеры. Постепенно движения людей становились резкими, автоматическими, как будто однообразная жизнь превратила их в бездушные манекены и каждый стал частицей механического сердца. Неизвестно, долго ли продолжалась эта рутина, если бы не появилась пара влюбленных, которая «принесла» трепещущее, зажжённое любовью сердце. Ребята по очереди «брали» его в руки (биение сердца удавалось изобразить с помощью звуков, издаваемых с закрытым ртом, и синхронных движений ладоней) и... оживали. Каждый из участников перфоманса очень осторожно «передавал» зрителям сердце-птицу, способную улететь, стоит только отвлечься, отвести взгляд. Особо хочется отметить уместно подобранное режиссёром для этого театрального действа музыкальное оформление, точно передающее происходящее на импровизированной сцене.

Итак, первое выступление актеров театральной студии произвело впечатление на присутствующих, они уходили с одухотворенными лицами. Казалось, что люди, «прикоснувшиеся» к ожившему сердцу, хоть на мгновение смогли забыть о своих заботах и вспомнить о настоящем чуде.

Живые статуи: скульптуры или люди? Так получилось, что театральный кружок проявлял себя в основном по каким-либо праздникам, нельзя было обойти вниманием и Международный женский день. На этот раз задача артистов состояла в том, чтобы в фойе концертного зала развлечь и угостить конфетами женщин, педагогов и студенток. Для этого понадобились две пары одетых в старинном духе молодых людей: парни – во фраках и цилиндрах, девушки – в роскошных старинных платьях. От нас требовалось изящно двигаться в духе эпохи, импровизировать, создавать новые разнообразные композиции и застывать на минуту, словно статуи. Нашей с Володей Грушецким паре удалось даже угостить ректора Екатерину Николаевну Дулову и сфотографироваться с ней.

В гостях у Маленькой ведьмы. В конце учебного года, 20 мая, театральная студия преподнесла очередной сюрприз: был поставлен детский спектакль по мотивам немецкой сказки «Маленькая ведьма». Первоначально думали сыграть кукольное представление, однако эта идея пришлась по вкусу не всем участникам, и было решено остановиться на драматическом театре. Сюжет сказки в общих чертах таков. Маленькой ведьме во что бы то ни стало захотелось попасть на бал взрослых ведьм, проходивший каждый год на высокой горе Блоксберг. Её туда не пустили, но обещали пригласить в следующем году, если она будет долго учиться, чтобы стать настоящей хорошей ведьмой. Однако наша ведьмочка вместе с верным другом вороном Абрахасом неверно истолковала пожелания взрослых ведьм и решила, что быть хорошей – значит делать только хорошие дела. Весь год она помогала людям и, естественно, провалила экзамен, зато смогла стать… маленькой феей.

Артистам студии, несмотря на небольшое количество репетиций, удалось создать яркие образы Маленькой и Главной ведьм, Бабушки, Девочки, Извозчика и даже Лошадки. Все мы играли сразу по несколько ролей: и основных персонажей, и ведьм на шабаше. Исполнительница главной роли Анастасия Перевозникова раскрылась как талантливая актриса, в которой сочеталось не только природное обаяние, но и умение правильно «прочесть» образ Маленькой ведьмы – капризной и, по сути, вредной девчонки. Главный мужской образ – ворон Абрахас – был сыгран Владимиром Грушецким. Известно, что животных, хоть и сказочных, представлять довольно трудно, однако молодой артист постарался показать гордую «осанку» птицы и её голос: знаменитое Володино «каррр!» потом вспоминали все участники спектакля. Елена Машковская отлично справилась с ролью Бабушки, пришедшей в лес за хворостом, ей удалось точно передать и старческий тембр, и походку пожилой деревенской женщины. Одной из самых интересных сцен в постановке стал эпизод, в котором извозчик-пьянчуга издевается над своей лошадкой: он её не кормил, а только заставлял работать и ещё удивлялся, почему животное отказывается это делать. Роль Извозчика досталась Алексею Пилатову, который на премьере, что называется, вошёл в раж и вдоволь насмешил зрителей. Вячеслав Петько, исполнитель роли Лошадки, также отлично справился со своей актерской задачей, очень похоже изобразив ковыляние хромого коня и сам образ измученного домашнего животного. Сильной стороной спектакля стали массовые сцены, где каждый из участников исполнял роль ведьмы на балу. Главную из них сыграла актриса Ольга Носкович, замечательно перевоплотившись во властную повелительницу шабаша, одним взмахом руки командующую всеми своими подчиненными. Очень хорошо и харизматично сыграла ведьму и Наталья Рудько, которая сумела придать своему облику колдовской шарм.

Особо следует отметить реквизит и декорации. Все идеи по их созданию принадлежали Ирине Богдановой, а в воплощении участвовали и артисты. Что же получилось? Из папье-маше была сделана волшебная чашечка с какао, из ватина – мягонькая белая тучка, из которой в конце представления сыпались конфеты, раздаваемые зрителям. Гору Блоксберг, где проходил шабаш ведьм, мы сшили из раскрашенных простыней. Замечательной находкой Ирины Богдановой стал образ помощника на сцене, который исполнял все чудеса, а также всю «чёрную» работу по подготовке реквизита. Виталий Грищенко справился со своей задачей не только очень «чисто», но и, главное, творчески: например, в последней сцене, где в волшебном костре сгорают все атрибуты Плохой ведьмы, ему удалось показать настоящий захватывающий танец огня. Как в профессиональном театре, в этой постановке присутствовало световое и музыкальное оформление. Руководитель студии принесла прожектор, что позволило актёрам почувствовать себя на реальной сцене, хотя действо проходило в уже привычном для всех 410-м классе. В зависимости от характера эпизода, свет в зале то полностью исчезал, то включался вновь, а в сценах на горе Блоксберг с помощью обычного прожектора режиссёру удалось создать настоящее «светопредставление», что в сочетании с музыкальным оформлением произвело, по отзывам зрителей, сильное впечатление. Звуковая палитра спектакля складывалась из специально подобранных музыкальных фрагментов, среди которых были как широко известные (тема колокольчиков из оперы В.А. Моцарта «Волшебная флейта»), так и созданные непосредственно к постановке этого представления витебским композитором-аранжировщиком, другом руководителя студии.

Всеми присутствующими было отмечено, что спектакль удался на славу. В этом учебном году «Маленькая ведьма» будет возобновлена в новом составе, и, по задумке режиссёра и актёров, его также увидят дети. Занятия театральной студии Академии музыки проводятся по понедельникам и средам в 19.00 в аудитории № 425. Приходите!

 Ирина Пилатова

(V курс, отд. музыковедения)

 

Симфония. И не только!

Доцент кафедры истории музыки, кандидат искусствоведения Людмила Анатольевна Волкова в 2009 году представила на суд читателей монографию «История белорусской музыки XX века. Симфония» (Минск: Белорусская государственная академия музыки, 2009. – 156 с.: ноты.).

Охват большого количества творческих персоналий и созданных ими произведений позволил автору воссоздать целостную картину зарождения, развития и совершенствования симфонической музыки отечественных композиторов – от первых образцов белорусского симфонизма до творческих экспериментов ныне живущих музыкантов.

Проследить путь становления конкретного жанра от самых его истоков до того вида, в котором он предстаёт перед взором наших современников, – задача не самая простая, но, вне всякого сомнения, чрезвычайно важная. За сравнительно короткий период своего существования белорусская композиторская школа сумела достичь определённых высот, пройдя ускоренный путь развития от простейших обработок народных мелодий к современной стилистике, отвечающей новейшим тенденциям музыкального искусства ХХ века. Всего за несколько десятилетий облик музыкальных произведений, вышедших из-под пера отечественных мастеров, изменился до неузнаваемости, впрочем, как и мышление человека, творящего в условиях стремительной смены событий, взглядов и художественных убеждений. Белорусское музыкознание пестрит разрозненными исследованиями о тех или иных явлениях музыкальной жизни страны, музыкантах и произведениях, в данной же книге впервые представлена целостная картина развития белорусской симфонии за столетие. Способность увидеть жанр в горизонтальном историческом срезе позволяет автору глубже ощутить специфику художественных устремлений времени в их связях с общекультурными процессами.

Определяя характерные особенности белорусского симфонизма на разных этапах его становления, Л. Волкова кратко касается смежных искусств – литературы, театра, кино, рассматривая их как различные формы воплощения единого идейного замысла, диктуемого временем. Примечательно, что в исследовании неоднократно проводятся параллели с искусством других советских республик, поскольку становление композиторских школ в них проходило на фоне схожих историко-политических и социокультурных ситуаций.

Помимо музыкально-исторических вопросов автор сочла необходимым ввести в текст исследования некоторую информацию из области музыкальной теории, касающуюся отдельных средств музыкального языка и предшествующую их рассмотрению на примере белорусских симфоний. Такой подход к изложению материала представляется весьма целесообразным, поскольку, помимо уже состоявшихся профессиональных музыкантов, значительную часть читателей, несомненно, составят учащиеся и студенты, для которых данное издание может стать незаменимым учебным пособием. Ведь в настоящее время оно является наиболее целостным и системным исследованием белорусской симфонии, причём не только в отечественной, но и, несомненно, в мировой музыкальной науке.

Екатерина Берестова

(IV курс, отд. музыковедения)

 

Вулканическая энергия юбиляра: к 70-летию Е.П. Гладкова

14 ноября 2011 г. в концертном зале второго корпуса Белорусской государственной академии музыки состоялся вечер, посвященный 70-летию Евгения Петровича Гладкова – народного артиста Беларуси, председателя Ассоциации белорусских цимбалистов, профессора, заведующего кафедрой струнных народных инструментов Академии музыки, лауреата Специальной премии Президента РБ «За воспитание творческой молодежи».

Студенты, педагоги и композиторы чествовали Евгения Петровича – блестящего исполнителя-солиста на народных инструментах, подготовившего целую плеяду замечательных артистов и педагогов, организатора цимбального оркестра (совместно с И.И. Жиновичем) и ансамбля «Лілея» в нашей Академии. Программа концерта отражала хронологию профессионально-творческого пути юбиляра от освоения инструментов трёхструнного (балалайка) и четырёхструнного (домра), через «покорение» семи- и восьмиструнной гитары, к 62-м струнам белорусских цимбал того времени, к которым затем добавилось ещё 16 струн. Прибегнув к несложной арифметике (3+4+7+8+62+16=100), заметим, за свою творческую жизнь Е. Гладков освоил ровно 100 струн разных инструментов!

В качестве исполнителей выступили бывшие и нынешние ученики, лауреаты международных конкурсов. Ярким вступлением ко всему концерту в целом и блоку ансамблевых выступлений стало музыкальное поздравление от цимбалисток: пьесы «Белорусский сувенир» Д. Смольского – В. Кузнецова и «Музыкальные картинки Кубы» Б. Векслера исполнил квартет в составе Екатерины Васильковой, Татьяны Сталярик, Татьяны Сыровежкиной (все три – магистрантки Е. Гладкова) и Веры Шетько (концертмейстер – дипломант международных конкурсов Татьяна Рябая). Затем последовало «музыкальное приношение» от белорусских и российских балалаечников: концертный этюд «Зимний путь» народного артиста России и ректора Ростовской государственной консерватории им. С. Рахманинова А. Данилова блестяще исполнила дипломант всероссийского конкурса, старший преподаватель Марина Ильина. Музыкальный подарок от гитаристов преподнёс юбиляру лауреат международных конкурсов, доцент Евгений Гридюшко, сыграв переложение пьесы А. Лара «Гранада». Специально для именинника впервые прозвучало переложение для цимбал Рондо Л. Бетховена «Ярость по поводу пропавшего гроша» в исполнении лауреата международных конкурсов, ученицы Е. Гладкова Надежды Каракулько. Оригинальным стал подарок от белорусских домристов и мандолинистов: лауреаты международных конкурсов доцент Николай Марецкий и преподаватель Наталья Корсак сумели «вплести» в пьесу ЛАндерсона «Пустячок» текст поздравления и во время игры дружно скандировали: «По-здрав-ля-ем!». Благодаря этой творческой выдумке выступление трио (партию фортепиано, как и в предыдущем номере, исполняла Т. Рябая) сделало эмоциональный тон концерта-праздника ещё более радостным, задорным и весёлым.

Затем эстафета поздравлений была передана оркестру белорусских народных инструментов, художественным руководителем и дирижёром которого является Александр Высоцкий. Оркестр исполнил «Славянский танец» № 1 А. Дворжака, Танец Эгины и Вакханалию из балета «Спартак» А. Хачатуряна, «Испанский танец» А. Глазунова, затем прозвучали три номера из «Сюиты в старинном стиле» А. Шнитке (Балет, Менуэт и Фуга), в которых солировала ученица Е. Гладкова, лауреат международных конкурсов Елена Воронцова.

Самым ярким событием концерта, настоящей кульминацией праздника, помещённой как раз в точке его «золотого сечения», стала мировая премьера сочинения Вячеслава Кузнецова «Эйяфьятлайокудль, вулканическая музыка для оркестра» (2011). Первое исполнение пьесы было посвящено юбиляру. По утверждению В. Кузнецова, Е. Гладков умеет создавать своеобразные «энергетические толчки», посылать композиторам творческие импульсы к созданию произведений и сравнил полушутя его творческую активность с «энергетическим вулканом». Действительно, велика заслуга маэстро в том, что сочинения для струнных народных инструментов и, в особенности, цимбал занимают важное место в творчестве В. Кузнецова, В. Войтика, В. Курьяна, С. Янковича, В. Корольчука. Благодаря плодотворному сотрудничеству кафедр струнных народных инструментов и инструментовки формируется, с одной стороны, репертуар для цимбал и других народных инструментов, с другой стороны, новые опусы находят исполнителей и выход к слушателю. Без сомнения, это сотрудничество будет и далее продолжаться, расцветать и приносить творческие плоды. В произведении отразились черты, свойственные стилю композитора: яркие темброво-фонические и сонорные эффекты, особая энергетика ритма (отметим важную роль ударных инструментов), разнообразие типов взаимодействия голосов оркестра, самобытный народный тематизм. Звучание оркестра покорило слушателей своим радостным настроением и насыщенным звучанием, мощным энергетическим зарядом.

В рамках концерта рефреном звучали и обычные поздравления в адрес именинника. Приветственные слова, пожелания и подарки преподнесли юбиляру коллективы преподавателей Мозырьского государственного музыкального колледжа (в лице Людмилы Александровны Щурик) и Гимназии-колледжа искусств им. И. О. Ахремчика. От профессоров нашего вуза выступили председатель Ассоциации белорусских домристов и мандолинистов Галина Викторовна Осмоловская и заслуженная артистка РБ, почетный председатель Ассоциации белорусских домристов и мандолинистов Лариса Рыдлевская. Пожелаем и мы Евгению Петровичу неиссякаемой творческой энергии и дальнейших успехов в воспитании новых поколений студентов-исполнителей на белорусских народных инструментах!

Валерия Рыдкина

(V курс, отд. музыковедения)

 

Контрабас «с концепцией»

20 ноября 2011 г. в концертном зале Белгосфилармонии прозвучали кантата Дж. Перголези «Stabat Mater» (1735) для сопрано, альта, струнного квартета и органа, Соната для контрабаса соло В. Кузнецова (1996), сочинение О. Мессиана «И чаю воскрешения мертвых» («Et exprecto resurrectionem mortuorum», 1965) для деревянных, медных духовых и ансамбля металлических ударных инструментов.

Слушателям была предложена необычная музыкальная программа. Составленная и организованная главным дирижером Государственного академического симфонического оркестра, народным артистом Беларуси Александром Анисимовым, она показалась смелым, даже несколько рискованным решением. Судите сами: между крупным вокально-оркестровым опусом и монументальным «полотном» для духового оркестра должно было звучать двадцатиминутное… соло контрабаса! К тому же, три заявленные музыкальные номера программы разделял значительный стилевой и временной «разбег»: итальянский оперный классик первой половины XVIII-го, крупнейший французский композитор XX-го века и наш современник, творящий на рубеже столетий, выдающийся белорусский композитор Вячеслав Кузнецов. Как оказалось возможным объединить под одной «акколадой» столь контрастные исполнительские составы и авторов, принадлежащих разным историко-культурным эпохам? Попробуем раскрыть тайну замысла А. Анисимова.

Концерт обрамляли два многочастных произведения духовно-религиозной тематики, написанные на священные тексты. В первом отделении прозвучала кантата Джованни Батиста Перголези «Stabat Mater» (1735) для сопрано, альта, струнного квартета и органа. При этом «квартет» был усилен до струнной группы симфонического оркестра, а оргáнов было два – большой и «малый» (электроорган). Достойно выступил детский хор минской ДМШ им. Е. Глебова, освоивший это сложное тринадцатичастное произведение (руководители младшего и образцового детских хоров – Галина Аерова и Алексей Климович). Проникновенны были сольные номера в исполнении обладательниц прекрасных голосов Ирины Крикуновой (сопрано, Беларусь) и Олеси Петровой (меццо-сопрано, Россия).

Впервые в Минске прозвучало масштабное сочинение Оливье Мессиана «И чаю воскрешения мертвых» («Et exprecto resurrectionem mortuorum», 1965) для деревянных, медных духовых и ансамбля металлических ударных инструментов. С блеском и мощью исполненное оркестром под руководством А. Анисимова (аккордовые комплексы меди и колокольные звучности ударной группы воспринимались как пятна ослепительного света и радужные блики), оно стало ярким сияющим венцом концерта.

Между этими произведениями располагалась необычная «начинка». Второе отделение концерта открыла Соната для контрабаса соло (1996) Вячеслава Кузнецова – профессора, заведующего кафедрой инструментовки Белорусской государственной академии музыки, лауреата Государственной премии Беларуси, посвященная выдающемуся белорусскому контрабасисту, заслуженному артисту РБ, профессору Николаю Алексеевичу Кривошееву. По мнению композитора, контрабас имеет практически неограниченные выразительные возможности как сольный инструмент: «Его тембр может обладать широким спектром оттенков, его звучание может быть затаённым, нежным, удивительным и, напротив, агрессивным, резким, потусторонним. В то же время контрабас – виртуозный инструмент, позволяющий исполнителю раскрыть свои возможности». Контрабас таит в себе огромный театральный потенциал, диапазон «фоносферы» инструмента в этом сочинении очень широк и простирается от глубочайших недр самого низкого, грубого, «рычащего» звука до светлого sul tasto и легкого порхающего pizzicato.

Эмоционально насыщенный, динамический характер произведения и сложная концепция требуют полного эмоционального «включения» исполнителя, мобилизации всех его технических и артистических возможностей. Именно так, с высоким мастерством, глубокой прочувствованностью и артистизмом исполнял Сонату Н. Кривошеев. В этом концерте сочинение В. Кузнецова прозвучало в интерпретации талантливого ученика Н. Кривошеева – лауреата международных конкурсов, стипендиата Специального фонда Президента РБ по поддержке талантливой молодежи, артиста Государственного академического симфонического оркестра Павла Сидоренко. Он вошёл в класс Н. Кривошеева в 1999 г. во время учебы в Республиканской гимназии-колледже при Белорусской государственной академии музыки и под его же руководством окончил Академию в 2010 г. Молодой исполнитель эмоционально точно преподнёс характер каждой части и блестяще справился со всеми техническими трудностями произведения, безукоризненно освоив сложный текст (Epigraphe, Canone, Choral, Molto perpetuo, Recitativo и Epilogo, всё исполняются attacca). Ему удалось выразить и «тягучее» хоральное звучание, и неудержимую силу почти инфернального perpetuo, и другие зашифрованные в нотах образы. Сразу ощущалось, что учитель передал ученику всё своё мастерство. Хотелось бы лишь пожелать Павлу ещё большего эмоционального накала, «нерва» (особенно в напряжённо-драматических моментах с мощным динамическим крешендированием), а также ощущения внутренней связи, слитности между частями, единства целого.

На первый взгляд парадоксальный замысел дирижера – соединить, по его словам, «замечательную музыку Перголези, произведение талантливого белорусского композитора Кузнецова и сочинение гениального француза Мессиана» – оказался тщательно продуманным, просчитанным шагом, глубоко оправданной и органичной концепцией. Действительно, мощь и эмоциональная концентрация Сонаты В. Кузнецова оказались сопоставимы по значению с оркестровыми номерами программы. В заключение вечера А. Анисимов отметил: «Я очень дорожу этой концепцией. Надеюсь, вы оценили её по достоинству».

Валерия Рыдкина

(V курс, отд. музыковедения)

 

Памяти Педагога, Музыканта, Человека: К 90-летию В.Н. Воротникова  

Память о выдающихся педагогах Академии музыки живёт в сердцах последователей и продолжает вдохновлять нынешнее поколение музыкантов. Ярким свидетельством тому стал концерт, посвященный 90-летию со дня  рождения заслуженного деятеля культуры БССР Василия Николаевича Воротникова (1921–1979). Вечер состоялся 24 ноября 2011 г. в открывшемся недавно концертном зале «Верхний город».

Музыка жизни умолкнет, если оборвать струны памяти.

Джером К. Джером

Высокий профессионал, одарённый музыкант и человек большой внутренней культуры, Василий Николаевич многие годы неустанно служил в белорусской системе музыкального образования. После окончания в 1953 г. Белорусской государственной консерватории им. А.В. Луначарского по специальности «хоровое дирижирование» (класс доцента, заслуженного деятеля искусств БССР Н.Ф. Маслова) он работал преподавателем класса хорового дирижирования в консерватории, руководил хором в Доме культуры Минского автозавода, был заведующим учебной частью в Минском музыкальном училище им. М.И. Глинки. Почти четверть века В.Н. Воротников возглавлял ДМШ № 2 им. Н.И. Аладова, сделав её образцово-показательной. За свою активную деятельность он был награждён многими почётными грамотами.

Почтить память выдающегося педагога собрались его соратники и ученики, выпускники школы, где он работал, ныне – профессора, доценты Академии музыки и других вузов, а также исполнительские коллективы и молодые музыканты. Памятный концерт обрамлялся выступлениями хоровых коллективов: хора мальчиков и юношей Белорусского экзархата (дирижер – лауреат премии Президента РБ «За духовное возрождение» Таисия Миронова) и капеллы мальчиков ДМШ № 10 им. Е.А. Глебова (художественный руководитель и дирижёр – лауреат международных конкурсов Владимир Глушаков, партия фортепиано – Татьяна Глушакова). Ясные, чистые детские голоса, стиль и тематика произведений идеально вписывались в духовно-приподнятую атмосферу вечера. При этом образовалась целостная драматургия: от открывшей концерт литургической музыки сосредоточенно-молитвенного настроения («Отче наш» из Литургии Св. Иоанна Златоустого П. Чайковского, Стихира 6-го гласа знаменного распева «Воскресение Твое, Христе Спасе» и «Достойно есть» Д. Бортнянского) протягивалась смысловая нить к заключительным точкам программы («Ave verum» В.А. Моцарта, «Когда святые маршируют» К. Дженкинса и «Колыбельной для Светланы» Т. Хренникова).

Активное участие в концерте приняли студенты и концертмейстеры Академии музыки. Баянистка Инна Янига (класс профессора В.П. Писарчик) прекрасно передала характер пьесы Е. Дербенко «Падеспань». Акустика нового зала мягко «окутывала» и делала особенно нежным лирическое сопрано лауреата республиканского конкурса Ольги Железкой (класс старшего преподавателя Л.И. Щербаковой). Проникновенно исполненные ею в сопровождении Вероники Непорожней романс Л. Захлевного «Мілавіца» и белорусская народная «Полька-Янка» тронули сердца всех слушателей. Высокое техническое мастерство и чувственная насыщенность звука отличали дуэт скрипачки, лауреата международных конкурсов Натальи Суходоловой (класс доцента Р.Д. Кривель) и пианистки, дипломанта международных конкурсов Елены Афанасьевой, который исполнил виртуозную и темпераментную пьесу М. Равеля «Цыганка».

Замечательно выступили учащиеся Республиканского музыкального колледжа при БГАМ, лауреаты международных конкурсов Лидия Куксик и Александра Денисеня. Цимбалистки исполнили фрагменты из Концертной фантазии П. Сарасате на темы оперы Ж. Бизе «Кармен» (транскрипция сочинения для 2-х цимбал и партия фортепиано – лауреат международных конкурсов Ольга Левкович, руководитель Лариса Левкович). А. Денисеня (класс профессора Т.ПСергеенко) сыграла также сольную пьесу для цимбал «Акварель» ВВойтика, тонко передав настроение и пастельные тона произведения.

Ярким и запоминающимся стало выступление лауреата международных конкурсов, музыкального коллектива из числа преподавателей отделения струнных народных инструментов ДМШ № 2 «МАЗ-ансамбль» (художественный руководитель – Светлана Борейко, музыкальный консультант – Лев Маевский). Ансамбль исполнил «Золотую осень» ЕГлебова и обработки народных песен и танцев.

Ученики и  коллеги делились воспоминаниями, прозвучало много тёплых слов искренней благодарности. Среди выступавших были заслуженный деятель искусств РБ, профессор БГАМ М.Г. Солопов, награждённый недавно орденом ФСкорины, директор ДМШ № 10 им. Е. Глебова Т.А. Куницкая, доценты БГПУ им. М. Танка В.Н. Ященко и Т.П. Лезнёва, директор ДМШ № 11 А.Н. Попов. В заключение концерта сын знаменитого педагога, пианист-концертмейстер и педагог ДМШ № 3 Игорь Васильевич Воротников выразил благодарность всем пришедшим и выступившим. Нельзя не отметить огромный труд дочери  – Натальи Васильевны. Пианистка, выпускница Белорусской государственной академии музыки, преподаватель Республиканской музыкальной гимназии-колледжа при БГАМ, она недавно была награждена Почётной грамотой Белорусского союза композиторов за активное участие в пропаганде национального музыкального искусства. Скромно оставаясь «за кадром», Наталья Васильевна умело «дирижировала» всеми событиями. Во многом именно благодаря её идее, инициативе и организаторским усилиям этот памятный музыкальный вечер состоялся: она сумела подобрать замечательную музыкальную программу, включив произведения белорусских авторов, пригласила прекрасных исполнителей, подготовила стенд с биографическими материалами об отце.

Во время концерта казалось, будто Василий Николаевич с портрета, стоявшего в обрамлении цветов на краю сцены, внимал музыке и словам, освещая всех своим незримым присутствием и благословляя на служение Музыке. Струны памяти о Педагоге, Музыканте и Человеке будут долго звучать в наших сердцах.

Валерия Рыдкина

(V курс, отд.  музыковедения)

 

«Але хто яе пачуе?»: Канцэрт да 120-годдзя М. Багдановіча

снежня 2011 г. у Вялікай зале Беларускай дзяржаўнай філармоніі адбыўся канцэрт Дзяржаўнага акадэмічнага хору і сімфанічнага аркестра Нацыянальнай дзяржаўнай тэлерадыёкампаніі, прысвечаны 120-годдзю з дня нараджэння Максіма Багдановіча.

Ведай, брат малады, што ў грудзях у людзей

Сэрцы цвёрдые быццам з камення.

Разаб'ецца аб іх слабы верш заўсягды,

Не збудзіўшы святога сумлення.

Трэба з сталі каваць, гартаваць гібкі верш,

Абрабіць яго трэба с цярпеннем.

Як ударыш ты ім, – ён як звон зазвініць,

Брызнуць іскры з халодных каменняў.

                                                      М. Багдановіч

У праграме канцэрта былі прадстаўлены харавыя, вакальна-сімфанічныя і вакальна-інструментальныя творы сучасных беларускіх кампазітараў, былых выпускнікоў Акадэміі музыкі: загадчыка кафедры інструментоўкі Акадэміі музыкі Вячаслава Кузняцова, протаіерэя Андрэя Бандарэнкі з Гродна, рэдактара і гукарэжысёра Беларускага радыё Віктара Кісценя, аўтара і галоўнага арганізатара праекта Аліны Безенсон. Дый выканаўцы, а тым больш салісты, ледзь не скрозь з’яўляліся цяперашнімі ці былымі выхаванцамі нашай навучальнай установы: лаўрэаты міжнародных конкурсаў, знаныя вакалісты Янаш Нялепа, Алег Кавалеўскі, Вольга Рузіна, Святлана Даражок, і, галоўнае, малады дырыжор Юрый Караваеў, які зараз займаецца на аддзяленні оперна-сімфанічнага дырыжыравання.

У першым аддзяленні прагучалі часткі з кантаты для саліста і змешанага хору «Ціхія песні» Вячаслава Кузняцова. Аўтар невыпадкова назваў свой твор не проста кантатай, а «сумнай кантатай», абраўшы для яе самыя, бадай, тужлівыя вобразы лірыкі М. Багдановіча. Твор быў напісаны роўна дзесяцігоддзе таму, тады ж хорам радыё быў зроблены запіс, які захоўваўся ў фондах, гучаў у эфіры. Але гэта былі хіба асобныя часткі, цалкам гэты твор мы практычна не чулі – не пачулі, на жаль, і на гэты раз: прагучалі 8 частак з 10-ці.

Прэм’ерным атрымалася выкананне канцэрта Андрэя Бандарэнкі «У краіне светлай» для тэнара і змешанага хору. Як вядома, гэты верш ствараўся непасрэдна перад заўчаснай смерцю паэта, але ў ім няма чорнага трагізму. Адпаведна, і ў музыцы былі выкарыстаны светлыя, адухоўленыя гучанні, адпаведныя хрысціянскай маралі.

Напрыканцы ж аддзялення адбылася яшчэ адна прэм’ера: прагучала створаная непасрэдна для гэтага канцэрта паэма Аліны Безенсон «Над морам» для барытона, змешанага хору, фартэпіяна, арфы і ўдарных. Незвычайнае па інструментальным складзе суправаджэнне па-майстэрску выканалі Тэрэза Чарыева (арфа), Таццяна Лойша (фартэпіяна), Дзмітрый Сакавец і Аляксандр Дубікаў (ударныя). Зала літаральна выбухнула авацыямі, выказваючы сваё захапленне.

Не менш цікавым было і другое аддзяленне канцэрта, якое публіка прымала гэтак жа горача і аддана. Нас чаканала прэм’ера кантаты Віктара Кісценя «Ціхі вечар» для салістаў, змешанага хору, струннага аркестра і ўдарных. Як прызнаваўся напярэдадні аўтар, гэты твор у свой час вырашыў ягоны лёс, вымусіўшы змяніць кампазітарскую прафесію на працу рэдактара і гукарэжысёра радыё. Атрымалася гэта таму, што кампазітар пераканаўся ў немагчымасці арганізаваць выкананне свайго дзецішча. I пайшоўшы працаваць на радыё, стаў клапаціцца пра творы сваіх калег. Яму мы абавязаны шматлікімі радыётрансляцыямі філарманічных канцэртаў з беларускай музыкай. Сёння В. Кісцень – папраўдзе адзін з лепшых гукарэжысёраў, які добра разумее асаблівасці сучаснай акадэмічнай музыкі і робіць усё для яе як мага больш добрага ўвасаблення. Ён не стамляецца вывучаць лепшы замежны вопыт і паспяхова выкарыстоўвае яго ў сваёй практыцы. Да таго ж, не абмяжоўваецца адно трансляцыйнымі эфірамі, а выпускае лепшыя запісы на кампакт-дысках, папулярызуючы беларускую класіку сярод самай шырокай аўдыторыі.

Завяршаў канцэрт твор А. Безенсон – араторыя «Страцім-лебедзь» паводле аднайменнай балады М. Багдановіча для салістаў, змешанага хору і сімфанічнага аркестра у 10-ці частках, з аркестровым уступам і эпілогам. На канцэртнай эстрадзе гэты твор прагучаў упершыню. Створаный ў 2004-м, ён праз год быў запісаны на Беларускім радыё. Да гэтага запісу спрычыніліся сапраўдныя карыфеі нашага нацыянальнага выканальніцкага мастацтва: народны артыст СССР, легендарны хормайстар Віктар Роўда і не менш легендарны сімфанічны дырыжор Генадзь Праватораў. А вось канцэртнага выканання гэтага твора, аб чым яны марылі, паводле ўспамінаў А. Безенсон, так і не дачакаліся.

9 снежня, праз дзень, акурат у юбілей народзінаў М. Багдановіча адбылася ў філармоніі прэм’ера мюзікла-прытчы «Апокрыф» Ларысы Сімаковіч, яшчэ адной былой выхаванкі БДАМ. А два гады таму, нагадаем, у нашай Акадэміі ладзіўся студэнцкі конкурс на лепшы харавы твор паводле М. Багдановіча.

Творчасць гэтага генія нацыянальнай культуры і сёння застаецца невычэрпнай крыніцай натхнення для сучасных дзеячаў беларускага мастацтва, але ж надта доўга даводзіцца чакаць юбілеяў, каб тыя творы, нарэшце, пачуць. Можа, зноў-такі, гэта паводле М. Багдановіча? У яго вершы «Па-над белым пухам вішняў…» ёсць такія радкі: «Але хто яе пачуе? Можа толькі сам паэт». І хаця гэтыя словы былі сказаны пра нячутную песню лёгкага, шпаркага сінякрылага матылька, яны маюць, здаецца, самае прамое дачыненне ўласна да музыкі.

Настасся Буряк

(V курс, аддз. музыказнаўства)

 

Путешествие «по романтизму»

12 декабря 2011 г. в концертном зале Белорусской государственной академии музыки состоялся сольный концерт известного ирландского пианиста Майкла О’Рурка.

Выступая на самых престижных сценах мира и располагая огромным репертуаром, Майкл О’Рурк снискал особую известность как тонкий интерпретатор произведений Ф. Шопена, К. Дебюсси и М. Равеля. Что же услышали белорусские ценители музыки? В первом отделении он непревзойдённо исполнил Сонату Ф. Шуберта A-dur op. 120, четыре мазурки Ф. Шопена (ор. 33 № 2, ор. 30 № 4, ор. 17 № 4 и посмертный опус) и балладу № 3 ор. 47, во втором отделении – сюиту «Картинки с выставки» М. Мусоргского. Публика прикоснулась к музыкальному искусству трёх национальных школ австрийской, польской и русской, последовательность же исполнения этих произведений позволила совершить небольшой экскурс в историю развития фортепианной музыки XIX века. Соната Ф. Шуберта представила начальный этап становления романтизма, тесно связанный с венской классической школой, но являющий зарождение основных черт нового лирического камерного стиля. Произведения Ф. Шопена перенесли в более зрелый период романтизма со свойственным ему глубоко индивидуализированным и национально-характерным выражением мыслей и эмоций художника. «Картинки с выставки» с их довольно необычными и броскими чертами музыкального языка обратили слушателей к фортепианной музыке последней четверти XIX века, во многом предвещающей особенности искусства XX века.

В исполнении М. О’Рурка чувствовалось глубокое понимание сущности стиля каждого из композиторов. Основой творчества Шуберта, как известно, была песня, песенностью пронизаны его симфонические и камерно-инструментальные произведения, в том числе и Соната A-dur. Важно отметить мастерство передачи кантиленного характера музыки, свойственного в особенности первым двум частям сонаты. Необычайно бережное и мягкое звукоизлечение пианиста рождало свободно льющуюся мелодию, правдиво передающую интонации человеческого голоса, появлялось ощущение, будто инструмент действительно «поёт». В кульминационных эпизодах исполнитель ярко отображал контраст безмятежной кантилены и внезапно врывающегося драматичного речитатива. В финале, полном бравурных и стремительных пассажей, М. О’Рурк продемонстрировал блестящее техническое мастерство, подчеркнул танцевальный характер и тонкий юмор этой части, контрастирующей с кантиленностью, созерцательностью предыдущих. 

Неслучайным стало включение в программу сочинений Ф. Шопена, 200-летие которого отмечалось в 2010 г. Концертируя по Европе в сезоне 2010–2011 гг., М. О’Рурк неоднократно исполнял произведения польского классика в Дублине и Вильнюсе, Париже и Санкт-Петербурге, а ещё раньше, в 1994 г., за выдающееся исполнение произведений великого романтика пианист был награжден медалью Фредерика Шопена на родине композитора в Желязовой Воле. Необычайно непринуждённым, искренним прочтением мазурок покорил М. О’Рурк и минскую публику. В этих фортепианных миниатюрах особо впечатлило исполнение изысканной мелизматики, достигающей особой импровизационной свободы в мазурке ор. 17 № 24. В Балладе № 3 проявилось мастерство исполнения subito piano и тончайших нюансов.

В сюите «Картинки с выставки» М. Мусоргского М. О’Рурк на удивление естественно совместил камерность и монументальный фортепианный стиль, проявив не только виртуозность, но и быстроту образных перевоплощений. Исполнителю удалось объединить множество разнохарактерных зарисовок в целостную композицию, при этом каждый новый раздел возникал столь неожиданно, что слушатели едва поспевали за переключениями в новую образную сферу. Возвышенно-торжественное завершение сюиты было подчёркнуто поистине оркестровым звучанием инструмента.

После шквала аплодисментов М. О’Рурк «на бис» исполнил ноктюрн своего соотечественника – ирландца Дж. Фильда, предварив игру репликой на русском языке: «Очень тихо…». И, действительно, со сцены полилась необычайно одухотворенная кантилена, звучащая на невероятном pianissimo. Этот ноктюрн, возвратив слушателей к истокам романтического фортепианного стиля, придал «репризность» всему концерту. Каждый, вероятно, кто побывал на концерте и услышал эти музыкальные шедевры, унёс в сердце незабываемое ощущение Прекрасного.

Светлана Хвощёва

(V курс, отд. музыковедения)

 

В ансамбле с профессионализмом и новизной

13 декабря 2011 г. в зале второго корпуса Белорусской государственной академии музыки состоялся концерт камерной музыки, посвященный 80-летию нашей Alma mater.

В концерте приняли участие студенты класса камерного ансамбля доцента Л.Л. Дедук, ярко продемонстрировавшие искренний интерес к исполняемым произведениям, высокий уровень умений и навыков. Подобные концерты Лариса Леонидовна организует ежегодно, в том числе в Малом зале филармонии, подбирая каждый раз интересный репертуар и радуя публику новинками. К примеру, кто и когда слышал Фортепианный квинтет Саломона Ядассона – немецкого композитора и педагога конца XIX столетия? В прекрасном исполнении Екатерины Николаевой (фортепиано), Оксаны Карпинской (первая скрипка), Екатерины Кузминой (вторая скрипка), Алеси Юрковец (альт) и Майи Штукиной (виолончель) эта музыка просто заворожила слушателей. С первой ноты стало очевидно, что перед нами профессиональный коллектив, музыканты которого находятся в замечательной форме и способны мастерски решать поставленные перед ними творческие задачи.

Музыка Людвига ван Бетховена популярна среди исполнителей, хорошо известна и Соната № 1 ор. 24 ля минор для скрипки и фортепиано в трёх частях. Анастасия Бараненкова (скрипка) и Карина Акопова (фортепиано) привнесли особую «дуэтность», необыкновенное чувство ансамбля, которое не покидало музыкантов ни на секунду. Продолжил концерт дуэт Анны Шафрановской (флейта) и Екатерины Касперович (фортепиано) с исполнением первой части бетховенской Сонаты для флейты и фортепиано Си-бемоль мажор. Они играли безупречно и в техническом отношении, и с точки зрения ансамбля, и, что самое главное, достигли невероятно мягкого звучания. Эти же студентки прекрасно справились с интерпретацией далеко не простой Сюиты для флейты и фортепиано в трёх частях французского композитора первой трети XX века Шарля Мари Видора, вновь впечатлив зрителей аккуратным и красивым звуком. 

Завершился концерт исполнением также не самого известного сочинения советского композитора, ученика Д. Шостаковича и Н. Мясковского Германа Галынина. Его Трио в четырёх частях представили Екатерина Касперович (фортепиано), Анастасия Карпенко (скрипка) и Татьяна Ханецкая (виолончель). Своей стабильной, уверенной игрой они продемонстрировали профессиональную состоятельность, замечательную ансамблевую технику, а также далеко не рядовой уровень сольного исполнительства.

В зале царила доброжелательная и творческая атмосфера. Высокое исполнительское мастерство, дополненное новизной репертуара и умноженное на разнообразие жанров и стилей, могло бы стать примером не только для студентов, но и концертирующих профессионалов.

Алина Рогачёва

(V курс, отд. музыковедения)

 

В подарок зрителям!

2 марта 2012 г. в Белорусской государственной академии музыки состоялся концерт, посвящённый 80-летию нашей Академии и 15-летию установления дипломатических отношений между Республикой Беларусь и Боливарианской Республикой Венесуэла.

В очередной раз в стенах Академии музыки собрались лучшие белорусские и зарубежные музыканты. На одной сцене продемонстрировали блестящее исполнительское мастерство представители Беларуси, Венесуэлы и Японии. Такому созвездию талантов были удивлены, пожалуй, даже самые требовательные слушатели, завсегдатаи музыкальных вечеров консерватории.

Мероприятие открыли ректор БДАМ, доктор искусствоведения, профессор Екатерина Николаевна Дулова и Чрезвычайный и Полномочный посол Боливарианской Республики Венесуэла в Республике Беларусь Америко Диас Нуньес. Приветствуя гостей и участников торжества, они особо отметили важность таких творческих встреч для развития двусторонних отношений в сфере культуры. Библиотеке Академии были переданы в дар книжные и нотные издания.

В концерте принял участие коллектив, который постоянно сотрудничает как с Академией музыки, так и с посольством Венесуэлы – симфонический оркестр Национальной государственной телерадиокомпании Республики Беларусь. Под управлением венесуэльского дирижёра, первого секретаря посольства Боливарианской Республики Венесуэла Херардо Эстрада прозвучала музыка Л. Бетховена, И. Брамса, М. Бруха, П. Чайковского, К. Сен-Санса. В центре внимания публики оказались молодые солисты – лауреаты международных конкурсов, студенты Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского: в исполнении японского пианиста Йошито Нумасавы прозвучал Второй фортепианный концерт Л. Бетховена, венесуэлец Хосэ Грегорио Ньето поразил слушателей виртуозной игрой на виолончели.

В концертные выступления венесуэльского дирижёра с белорусским оркестром стало традицией включать латиноамериканскую музыку. Исполнение на бис популярного венесуэльского вальса Херардо Эстрада предварил словами: «В подарок зрителям!».

Екатерина Берестова

(IV курс, отд. музыковедения)

Брависсимо, Мирон Иванович!

13 марта 2012 г. в концертном зале второго корпуса Белорусской государственной академии музыки состоялся концерт баянистов и аккордеонистов – студентов класса профессора Мирона Ивановича Булы.

Состоялось не просто отчётное выступление класса и не обыгрывание музыкантов перед конкурсными выступлениями, концерт был приурочен к 65-летию заведующего кафедрой баяна и аккордеона М.И. Булы. Родился Мирон Иванович 8 марта, в день, когда принято поздравлять женщин, но в этот вечер всё получилось наоборот. С поздравлениями, со словами благодарности и пожеланиями новых творческих достижений выступила ректор БГАМ, доктор искусствоведения, профессор Екатерина Николаевна Дулова. Пространную речь, посвящённую юбиляру, произнёс один из старейших профессоров Михаил Григорьевич Солопов. Никакие, даже самые высокие эпитеты по отношению к юбиляру не могли показаться излишними, ведь он постоянно избирается председателем и членом жюри международных и республиканских конкурсов, входит в состав экспертного совета специального фонда Президента Республики Беларусь по поддержке талантливой молодёжи, ведёт общественную работу в Белорусском союзе музыкальных деятелей. И всё же главное для Мирона Ивановича – его ученики. Многие стали лауреатами международных и республиканских конкурсов, среди них есть музыканты, известные самому широкому кругу слушателей: это Александр Шувалов, который активно концертирует и выступает с Президентским оркестром, глава ансамбля «Гурзуф» Егор Забелов, автор музыки к театральным, в том числе и зарубежным постановкам. Сам же Мирон Иванович готов часами говорить о каждом из своих студентов – ему дорог каждый ученик!

Индивидуальные черты воспитанников класса М. И. Булы проявились на праздничном вечере, который длился более двух часов, но прошёл буквально на одном дыхании. Молодые музыканты в очередной раз доказали высочайший профессиональный уровень и увлечённость своим искусством. Незаурядное техническое мастерство, виртуозную технику, артистизм, стабильную манеру игры продемонстрировали Анастасия Кохно, Александр Тихомиров, Григорий Хвисевич. Владимир Борисюк, исполнив Токкату соль минор И.С. Баха и Скерцо Ф. Мендельсона из музыки к пьесе Шекспира «Сон в летнюю ночь», показал тонкое чувство стиля в сочетании с внутренней эмоциональной наполненностью. Яркое впечатление оставили Екатерина Жилич и Татьяна Паркалова: объединившись в дуэт, они проникновенно, с большим вкусом исполнили сочинение «Аве Мария» А. Пьяццоллы и сюиту «Костромские акварели» Н. Малыгина. Сергей Бутор в Токкате А. Хачатуряна увлёк своей энергией и темпераментом. Настоящую овацию публики вызвало артистическое, эмоционально насыщенное исполнение Викторией Жданович «Фрагилиссимо» Г. Хермоса. Студент третьего курса Андрей Цалко заявил о себе и как талантливый композитор: в исполнении дуэта «Концертино», в составе которого, помимо автора, входит и Владимир Борисюк, прозвучало его сочинение «Транскрипция» («Каприс»). Украсило концерт выступление студента из Китая Го Дун, который играл исключительно русскую музыку. Достойно, не уступая в мастерстве своим старшим коллегам, выступили и учащиеся Республиканской гимназии-колледжа при БГАМ Кирилл Алданов и Рашат Сафаров.

Добиться высоких профессиональных результатов им помогли педагогические методы Мирона Ивановича. Он не устаёт повторять, что к каждому необходимо найти индивидуальный подход, подобрать свой «ключик». За этим стоит и методика, и программа, и психологический уровень общения. Есть, однако, и нечто общее для всех: нужно не только играть, но и много слушать музыку, расширять кругозор, не ограничиваясь произведениям из учебных планов по истории музыки. Студент, по мнению Мирона Ивановича, должен «жить увлечённостью музыкой» и, конечно, быть влюблённым в свой инструмент. Всё это – любовь к музыке, интерес, увлечённость искусством – залог высоких профессиональных достижений на всех этапах роста, ведь рано или поздно ученик выходит из-под опеки педагога и важно, чтобы он умел развиваться самостоятельно.

Брависсимо, Мирон Иванович! Вы чуткий, одарённый музыкант и педагог, настоящий мастер своего дела, воистину обладающий великим даром свыше.

Татьяна Осейко

(IV курс, отд. музыковедения)

 

белорусско-шведский ансамбль «Morph» в Мальмё

Два года тому назад, 7 и 8 апреля 2010 г. мастер-классы в стенах Белорусской государственной академии музыки провёл известный шведский композитор Герман Мюнцинг. Это был уже третий визит Г. Мюнцинга в Минск, и состоялся он в рамках международного форума музыки и искусств «Intouch», организованного молодыми минскими музыкантами. Мастер-классы по импровизации гостя из Швеции, который использовал созданный им же экспериментальный электронный музыкальный инструмент «флексихорд», вызвали широкий резонанс среди студентов и преподавателей Академии музыки (рецензия).

Ответный визит представителей Белорусской государственной академии музыки в Академию музыки Мальмё состоялся в период с 30 марта по 8 апреля 2012 г. В рамках данного проекта проходило обучение наших студентов и преподавателей по предмету «Импровизация», была организована концертная деятельность международного вокально-инструментального ансамбля «Morph», в состав которого вошли шесть человек со шведской стороны и шесть – с белорусской (видео). Нашу Академию представляли студентки 3-го курса оркестрового факультета Илона Лесь и Елена Машковская, студентка 5-го курса вокально-хорового факультета Дарья Лукашик, студентка магистратуры фортепианного и композиторско-музыковедческого факультета Ирина Петкевич, концертмейстер кафедры камерного ансамбля, скрипачка Татьяна Омельяненко, преподаватель кафедры социально-гуманитарных дисциплин, руководитель группы Елены Владимировны Адамейко. Деятельность ансамбля была отмечена высокими оценками педагогов и сотрудников Академии в Мальмё. Преподаватель Мэгги Олин, например, в одной из социальных сетей написала: «This was such a great orchestra I loved to listen to you. Great improvisers, great meeting across countries, culture etc. Congrats to all of you!» («Этот ансамбль был самым замечательным из тех, которые мне доводилось слушать. Замечательные импровизаторы, замечательный кросс-культурный диалог между странами. Поздравляю всех вас!»). Достижения участников ансамбля также были отражены в статье одной из крупнейших газет Швеции.

Хочется отметить радушие и гостеприимство принимающей стороны: белорусским гостям не только обеспечили великолепное питание и проживание в отдельных апартаментах, но подготовили насыщенную культурную программу с поездками по городам королевства, посещением культурных достопримечательностей Швеции.

Вот как участники проекта отзываются о прошедшей поездке.

Илона Лесь: «Мне было очень интересно поучаствовать в данном международном музыкальном проекте. В первую очередь, это незабываемый опыт музыкального общения с талантливыми людьми. Мы очень много репетировали, делали различные музыкальные упражнения, общались. По характеру шведы очень похожи на белорусов, такие же добрые, открытые, гостеприимные. Это была отличная языковая практика. Замечательно, что есть такая возможность побывать в другой стране, приобщиться к другой культуре, увидеть новые места, получить яркие впечатления».

Ирина Петкевич: «В конце марта – начале апреля состоялась долгожданная поездка и встреча со шведским составом ансамбля "Morph", знакомство с преподавателями и руководством Академии музыки в Мальмё. Необычайно трогательной и волнительной была встреча с Германом и Маргарет Мюнцингами – создателями и идейными вдохновителями всего проекта. Все эти люди принимали живое участие в проекте и способствовали претворению его в жизнь. Ансамбль "Morph" наконец-то воссоединился! За время, проведённое в Мальмё, состоялось значительное количество мастер-классов по импровизации, более десяти совместных репетиций ансамбля, несколько концертов. Полученные знания применялись на практике. Встреча обогатила впечатлениями, дала много нового и полезного каждому. Будущие совместные концерты это подтвердят».

Елена Машковская: «Участие в репетициях и концертах шведско-белорусского ансамбля имровизационной музыки Morph стало неоценимым опытом. На мой взгляд, импровизация помогает развивать те качества, которые необходимы каждому настоящему музыканту. Во-первых, это внимание, которое должно быть сконцентрировано от первого до последнего звука и даже паузы, звучащей после него. Во-вторых, это чувство партнера: чтобы импровизация получилась удачной, необходимо превратить ансамбль в единый организм, в котором каждый музыкант точно знает, в какой момент он должен сыграть соло, в какой поддержать партию другого инструмента, а в какой промолчать (мы учились играть тишину). В-третьих, импровизационная музыка помогает развитию слуха. Для того чтобы звучание ансамбля, состоящего из 12и человек и играющих без нотного текста, не превратилось в хаос диссонансов, каждый должен прислушиваться к гармонии и чувствовать, какую тональность необходимо поддержать в данный момент. В-четвертых, игра в ансамбле способствует развитию чувства ритма. Одна из наших пьес так и называется Ритм” и основана на непростой ритмической формуле, которая должна исполняться всеми музыкантами одновременно. Это оказалось довольно сложной задачей, но, бесспорно, хорошей школой. И, наконец, в-пятых, импровизация помогает почувствовать свободу, ведь каждый раз, играя, мы создаем новое произведение, интересное и неповторимое».

Дарья Лукашик: «Это для меня был новый опыт. В инструментальном ансамбле я пела. Было очень интересно и необычно, ведь наша музыка была сплошной импровизацией. Наряду с репетициями мы участвовали в мастер-классах, и это помогло мне почувствовать большую свободу в исполнении, раскрепоститься. Нас прекрасно приняли, мы жили в хороших условиях. Помимо репетиций была организована экскурсия по консерватории, где мы смогли познакомиться с условиями и тамошней обстановкой, а также с педагогами и  ребятами, которые там обучаются. Для меня, как и для других, это очень интересный и полезный проект, который обогатил меня, расширил кругозор. Хочу, чтобы он развивался и дальше».

Елена Владимировна Адамейко: «Создание международного ансамбля по импровизации – уникальное явление как в культурном плане для представителей двух академий, так и в плане международного сотрудничества двух стран. В рамках данного проекта проводились совместные концерты и репетиции ансамбля, встречи с преподавателями и сотрудниками Академии музыки в Мальмё. Белорусской делегации выпала честь встретиться с директором Академии Стефаном Стормом, а также с начальником отдела международных связей Иокимом Нильсоном. Руководство Академии оказало радушный прием белорусским гостям, а также сделало оптимистичные прогнозы по поводу дальнейшего сотрудничества двух академий. Следует отметить высокий уровень мастерства белорусских музыкантов, о чем свидетельствуют многочисленные положительные отзывы сотрудников и преподавателей Академии музыки в Мальмё. Мне, как руководителю группы, было особенно приятно представлять за рубежом наш вуз, который отличается высоким уровнем подготовки специалистов».

Все участники ансамбля с белорусской стороны хотели бы выразить благодарность руководству Белорусской государственной академии музыки, а также всем людям, без поддержки которых данная поездка бы не состоялась бы. Данный проект, по нашему мнению, вышел за рамки музыкального сотрудничества двух музыкальных академий на более широкие просторы культурного сотрудничества между двумя странами. Теперь предполагается ответный визит шведской делегации в Белорусскую государственную академию музыки.

Е.В. Адамейко

преподаватель кафедры социально-гуманитарных дисциплин

 

К 90-летию со дня рождения Г.С. Глущенко

В этом году Калерия Иосифовна Степанцевичизвестный в Беларуси музыковед (исследователь, методист, педагог, кандидат искусствоведения, профессор Белорусской государственной академии музыки) – представила монографию «Георгий Семёнович Глущенко. К 90-летию со дня рождения. Статьи. Воспоминания. Документы: сборник статей» (Минск: ООО «Мэджик», 2012. 360 с.). Знаменательна сама дата появления этой книги: она вышла 5 мая в День печати и, одновременно, день рождения Георгия Семёновича. Калерия Иосифовна выражает глубокую благодарность издательству, всем сотрудникам редакции, и, в первую очередь, главному редактору – композитору Александру Будько, которые очень внимательно, с интересом и теплотой отнеслись к книге.

Очень интересной является концепция монографии, опирающаяся на статьи и воспоминания современников и самого Георгия Семёновича. По структуре сложилась внушительная работа из шести частей: «Штрихи к творческому портрету», «Война глазами Г. Глущенко и его современников», «Возвращение к жизни», «Динамика в научной деятельности Г.С. Глущенко (от студенческой дипломной работы до кандидатской и докторской диссертации)», «Некоторые неопубликованные статьи Г.С. Глущенко», «Г.С. Глущенко в памяти его близких, друзей, учеников и соратников». В книгу вошли не все материалы о Георгии Семёновиче, некоторые были опубликованы ранее в научно-теоретическом журнале «Весці Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі»: статьи М.Г. Солопова к 60-летию Победы «Этот день мы приближали как могли...» (№ 5, 2004) и К.И. Степанцевич «Скрипач, артиллерист, профессор. К 85-летию со дня рождения Г.С. Глущенко (№ 11, 2007). Не вошли в эту книгу и многие работы самого Г.С. Глущенко. Калерия Иосифовна планирует опубликовать сборник, где будут собраны все её статьи и Георгия Семёновича, а также их совместные работы. Это будет не первое подобное издание, многие из работ Г.С. Глущенко продолжают публиковаться уже после его смерти, среди них – статьи «Музыкальная жизнь и периодические издания в Беларуси на рубеже XIXXX столетий» («Весці», № 6, 2005) и «М.П. Мусоргский и С.В. Рахманинов в русской музыкальной публицистике конца ХIX начала ХХ векав» («Весці», № 10, 2007), учебное пособие под редакцией Г.С. Глущенко и К.И. Степанцевич «Белорусская музыка второй половины ХХ века (Минск, 2009).

В данной монографии воссоздаётся жизненный и творческий путь Г.С. Глущенко, многогранная педагогическая, научная и общественная деятельность. Собраны материалы не сторонним человеком, а верной спутницей его жизни, женой и другом. Работая вместе с Георгием Семёновичем в Белорусской государственной консерватории с 1957 года, Калерия Иосифовна знала его как никто другой и в быту, и по научной и педагогической деятельности. С момента своего знакомства молодые люди оказались необычайно близки друг другу по духу, мыслям и делам. Вместе они составляли красивейшую семейную пару, служили образцом преданности вечным идеалам искусства и красоты. По словам Калерии Иосифовны, их «общий девиз – быть всегда вместе, самозабвенно работать, заботиться друг о друге». Нередко, в шутку, о них говорили: «Эта пара неразделима, как будто содержит два организма в одном», а композитор Евгений Тикоцкий однажды так перефразировал В. Маяковского: «Говорим Глущенко – подразумеваем Степанцевич, говорим Степанцевич – подразумеваем Глущенко». У них было много общих интересов, они читали лекции, издавали книги (часто в соавторстве), писали научно-исследовательские и учебно-методические труды, посещали концерты и даже сами концертировали: Георгий Семёнович по своему первому музыкальному образованию был скрипачом, Калерия Иосифовна – пианисткой. Меня очень взволновали рентгеновские плёнки, показанные Калерией Иосифовной, вернее, их «содержание» – музыкальные записи послевоенных лет. Поскольку в те годы другие технические средства не были доступны, музыкальные записи делали на плёнках с изображением чьих-то ребер и позвоночников. Мне сразу вспомнился фильм «Стиляги», но здесь были представлены не запрещённые в те года «буржуазные веяния», а записи выступлений в 1949 году семейного скрипично-фортепианного дуэта с исполнением музыки Баха, Вьетана, Дворжака. К сожалению, в монографии представлено не много художественных фото с Георгием Семёновичем. Этот факт отметила сама Калерия Иосифовна: «Он любил делать снимки сам, в объектив попадала больше я, а его мало кто фотографировал, поэтому большинство таких снимков – официального плана».

К.И. Степанцевич сочла необходимым привлечь сохранившиеся в домашнем и вузовском архивах документы, публикации, письма, научные труды Г. С. Глущенко. Среди многочисленных исторических документов описания военных действий в Беларуси, протоколы заседаний ГМПИ имени Гнесиных и т. д. Некоторые официальные документы пришлось запрашивать из России и Украины: это копии протоколов защиты дипломной работы «В.Ф. Одоевский и русская музыкальная культура 20–60-х годов XIX века (опыт характеристики музыкально-критической деятельности)» в ГМПИ им. Гнесиных, защит кандидатской диссертации «Н.Д. Кашкин – музыкальный критик (оперно-драматургические проблемы)» в ЛОЛГК им. Н.А. Римского-Корсакова и докторской диссертации «Теоретико-методические основы русской музыкальной критики конца ХIX – начала ХХ века» в НИИЭФ им. М.Ф. Рыльского АН УССР. Всё это придаёт работе убедительность, в очередной раз подчёркивая достоверность и подлинность происходивших событий.

В книге раскрываются разные стороны личности Георгия Семёновича, в том числе – страницы его военной биографии. Основанные на воспоминаниях самого Г.С. Глущенко и его друзей, они поражают своей правдивостью. Перед нами предстаёт личная драма музыканта-скрипача, связанная с тяжёлым ранением. Потрясают воспоминания о Георгии Семеновиче его боевых товарищей, а также воспоминания Калерии Иосифовны, характеризующие его как гражданина-патриота, человека, преданного дружбе. Она рассказала, как вместе с мужем ездила по Беларуси, тот искал и находил захоронения друзей-фронтовиков: так, благодаря его усилиям было определено место захоронения Александра Полиновского, которого снарядом разорвало буквально на части, и по инициативе Георгия Семёновича именем этого героя была названа одна из общеобразовательных школ в Москве, откуда тот был родом.

Прочитав монографию, убеждаешься, что имя известного белорусского музыковеда, педагога, профессора, заслуженного работника Высшей школы БССР Г.С. Глущенко не забыто. Он предстаёт как разносторонне одарённый, профессиональный специалист, человек с богатым мировоззрением, раскрываются такие качества его личности, как патриотизм и героизм, проявленные в годы Великой Отечественной войны. Читатель получает яркое представление о высоких моральных качествах этого человека, его любви к окружающим людям, строгом, но доброжелательном педагоге, отличающемся высоким профессионализмом, умением глубоко и интересно подать материал в своих лекциях, почувствовать настроение аудитории. Нынешнее издание приурочено к 80-летнему юбилею Академии музыки. Рассчитана книга на широкий круг читателей и может быть интересна и полезна не только педагогам и студентам-музыковедам, но также музыкантам-исполнителям и просто любителям музыки, поскольку в ней показан целеустремлённый человек, гражданин-патриот, несомненно являющийся ярчайшим примером для подражания.

Татьяна Осейко

(V курс, отд. музыковедения)

 

второе рождение "Седой легенды" Дмитрия Смольского

9 и 10 сентября 2012 г. состоялось открытие юбилейного 80-го театрального сезона в Национальном академическом Большом театре оперы и балета Беларуси. Глубоко символично, что сезон начался с премьерного показа оперы «Седая легенда» композитора Дмитрия Брониславовича Смольского – одного из талантливейших и уважаемых профессоров нашей Академии. Исполнение это стало вторым рождением произведения, написанного в 1978 г. по одноименной повести Владимира Короткевича, ставшего либреттистом оперы, и тогда же поставленного режиссёром Семёном Штейном.

Театральный зал был переполнен, среди зрителей – преподаватели и студенты Академии музыки. Все с нетерпением ждали постановки оперы и задолго до спектакля раскупили билеты. Ожидания публики не были обмануты: опера с напряжённым лирико-драматическим сюжетом поразила точной и эмоционально ярко окрашенной передачей исторической атмосферы. С первых звуков увертюры слушатели ощутили особую напряжённость, которая будет характеризовать затем всё действие. Она проходит сквозь драматургически-узловые моменты действия – дуэты Любки с мужем, шляхтичем Кизгайло и с его крепостной, возлюбленной шляхтича Романа Ириной. В противоположность дуэтным номерам сольные высказывания героев были решены как некие моменты отстранения героев от драматических событий: таковы, например, арии Романа и Ирины, посвящённые теме Родины. Среди всех номеров оперы наиболее действенной стала массовая сцена захвата замка повстанцами. При её сценическом воплощении важная роль была отведена режиссеру по свету: картина наступающих и словно проходящих сквозь зрительный зал повстанцев с их нехитрым оружием – косами и вилами – оказалась очень внушительной, временами устрашающей благодаря эффектам мультимедиа. В целом же в постановке было довольно много моментов остановки действия, что не давало полностью погрузиться в пучину царящих внутри сюжета страстей и позволяло слушателям обратить внимание на некоторые детали, найти философский подтекст или просто наслаждаться музыкой.

Если обратиться к режиссерскому видению и сценическому воплощению постановки Михаилом Панджавидзе, то, по словам многих зрителей, после спектакля запомнилась не столько мастерски написанная, мелодичная, ярко-образная музыка, сколько откровенный натурализм постельной сцены Любки и Кизгайло, сцен повешения повстанцев и публичной казни, где Роману отсекают руки, а Ирину ослепляют. Режиссёру, к сожалению, не удалось найти такое сценическое решение, которое соответствовало бы романтическому характеру оперы. Наше поколение не может сравнить эту постановку с предыдущей, но мы можем сравнить её с телевизионным фильмом, который был снят по опере и представлен в фонотеке Академии. В нём действительно найдено точное соответствие музыкальной стилистике, достигнутое метафорически, художественно-выразительными средствами киноискусства.

Ольга Зуева

(III курс, отд. музыковедения)

 

НА ПУТИ К МАСТЕРСТВУ

2012-й – год 80-летия Белорусской государственной академии музыки и Год книги. Он сопровождается не только активной концертной деятельностью, но и изданием новых книг. Одна из них – «Мастерство кларнетиста. Советы учителя» профессора кафедры деревянных духовых инструментов В.П. Скороходова.

Эта книга является продолжением изданной в 2009 г. работы «Советы моим ученикам», в которой автор делился педагогическими наблюдениями, мыслями об исполнительском мастерстве. Один из главных тезисов нынешней работы – «Знание предмета и знание того, как надо этот предмет преподавать, – не одно и то же». Владимир Павлович уделяет большое внимание отношению педагога и ученика, работе с одарённой молодёжью («Если ученик талантлив…»), даёт юным музыкантам советы, как правильно заниматься, чтобы получить максимальную пользу. В книгу включены два сугубо практических очерка для молодых кларнетистов: «И снова о тростях (выбор, обыгрывание, уход)» и «Совершенствование штриха стаккато при игре на кларнете», где, помимо прочего, предложены нотные упражнения и методические приёмы, направленные на совершенствование технических возможностей исполнителя. Практическую направленность имеет также очерк «О важности игры в ансамбле», где рассматриваются такие навыки музыканта, как умение ощущать себя частью целого, выстраивать темп и ритм, использовать динамику, работать над чистотой интонации. Автор предлагает также анализ одиннадцати музыкальных произведений для кларнета, среди которых Концерты № 1 и № 2 К.М. Вебера, Соната для кларнета и фортепиано f-moll И. Брамса, Концерт A-dur В.А. Моцарта и др.

Несмотря на «кларнетовую» направленность, книга В.П. Скороходова будет интересна не только представителям этой специальности. Книгу можно рекомендовать всем музыкантам, поскольку автором затронуты многие общеисполнительские проблемы, вопросы взаимоотношений ученика и преподавателя, изложены взгляды на педагогическое мастерство в целом.

Ксения Сидорович

(III курс, отд. музыковедения)

 

Vivat, Alma Mater! 

14 декабря 2012 года Белорусская государственная академия музыки отмечала 80-летие со дня основания. Праздничный вечер в Большом зале Белгосфилармонии завершал череду мероприятий, посвящённых юбилею.

На протяжении всей предшествующей недели в зданиях Академии, филармонии и даже Национального академического Большого театра оперы и балета Беларуси проводились концерты и награждения, международная научная конференция и мастер-классы, музейные выставки старинных фотографий и нотных изданий. Поистине впечатляющий размах юбилейных торжеств был увенчан заключительным празднеством, название которого объединяет всю панораму событий: «Белорусская государственная академия музыки: вчера, сегодня, завтра». Для подготовки этого не просто концерта, но торжественного мероприятия были собраны значительные творческие, финансовые и организационные средства, позволившие продемонстрировать высший уровень проведения. Концертная программа состояла из сложнейших произведений, которые были поручены выдающимся руководителям музыкальных коллективов и солистам – лауреатам международных конкурсов, стипендиатам специального фона Президента РБ по поддержке талантливой молодёжи. На вечер были приглашены педагоги, сотрудники, студенты Академии музыки, представители областей, многочисленные зарубежные музыканты, педагоги и учёные, в том числе участники конференции. В преддверии концерта зрительский зал превратился в огромный музыкальный салон, в котором все присутствующие были знакомы друг с другом, делились впечатлениями о прошедших событиях, обсуждали творческие планы будущих.

Первыми музыкальными звуками, ознаменовавшими начало торжества, стали цимбальные: лауреат международных конкурсов Вероника Прадед исполнила недавнее произведение Виктора Войтика «Там, каля млына». Ещё одной «увертюрой» к праздничному вечеру стала одноименная партитура Дмитрия Смольского, чей юбилей – 75 лет – также празднуется в этом году. «Увертюра» прозвучала в исполнении симфонического оркестра Академии музыки под управлением Андрея Иванова.

Со сцены большого зала филармонии прозвучало большое количество поздравлений нашему уникальному учебному заведению, которое ректор Академии – доктор искусствоведения, профессор Екатерина Николаевна Дулова – назвала национальным достоянием Беларуси. Поздравление нашему учебному заведению прислал Президент Республики Беларусь Александр Григорьевич Лукашенко, торжество посетили высокие гости: вице-премьер РБ Анатолий Афанасьевич Тозик, министр образования Сергей Александрович Маскевич, министр культуры Борис Владимирович Светлов. Грамотами Совета министров, нагрудными знаками Министерства культуры и другими высокими наградами были отмечены многие заслуженные педагоги, среди которых Александр Михайлович Анисимов, Владимир Владимирович Будкевич, Николай Михайлович Волков, Юрий Николаевич Гильдюк, Галина Константиновна Горелова, Валентин Николаевич Елизарьев, Михаил Антонович Козинец, Николай Александрович Кривошеев, Елена Васильевна Куракина, Тамара Николаевна Нижникова,  Игорь Владимирович Оловников, Николай Иванович Севрюков, Татьяна Петровна Сергеенко, Людмила Сергеевна Шеломенцева, Светлана Константиновна Щукина. Некоторые были удостоены наград на прошедшем ранее учёном совете.

«Второй акт» торжественной части был посвящён укреплению научно-творческих связей с зарубежными консерваториями. Под гимн «Gaudeamus», который зал слушал стоя, Е.Н. Дулова присвоила звание почётного профессора Белорусской государственной академии музыки народному артисту России, профессору Московской государственной консерватории им. П. Чайковского Александру Зейликовичу Бондурянскому, профессору Парижской консерватории Жерому Перно, ректору Национальной музыкальной академии Украины им. П. Чайковского Владимиру Ивановичу Рожку.

Молодые ведущие концерта – Александра Иванова и Никита Фоминых, сменившие Екатерину Егорову, которая вела официальную часть, кратко изложили историю развития Белорусской академии музыки. В это время за их спинами на сцене собирался огромный исполнительский состав, интригующий публику. Силами камерного оркестра Академии, студенческого хора и Капеллы мальчиков Республиканской гимназии-колледжа при БГАМ был исполнен «Коронационный антем» Г.Ф. Генделя (дирижёр – Пётр Вандиловский). Затем смешанный хор уступил место двум молодым талантливым музыкантам – лауреатам международных конкурсов скрипачу Артёму Шишкову и пианисту Александру Музыкантову, которые вместе с камерным оркестром исполнили первую часть Концерта для скрипки и фортепиано с оркестром d-moll Ф. Мендельсона. Блестящий дуэт солистов, а также великолепное звучание скрипки Гварнери обеспечили выступлению безусловный успех, долго не позволявший публике отпустить со сцены музыкантов. Настоящей кульминацией праздничного вечера стало исполнение грандиозного произведения, потребовавшего длительной технической подготовки: Государственный академический симфонический оркестр РБ и симфонический оркестр Академии, символизируя тандем опыта и молодости, под управлением народного артиста Беларуси Александра Анисимова совместно исполнили «Поэму экстаза» А. Скрябина. Дирижёру мастерски удалось не только «собрать» воедино крупный исполнительский состав, но и донести сложную философскую концепцию произведения русского композитора. Мощные звуковые волны наполняли стены Большого зала, ошеломляя и восхищая зрителей. Несомненно, и эта музыка, и само торжество надолго останутся в памяти всех, кто присутствовал в тот день в филармонии.

Мария Нестерова

(III курс, отделение музыковедения)

 

 СНТО. Маленькие открытия и новые перспективы

16 апреля 2013 года в рамках XXII Международных чтений памяти Л.С. Мухаринской (1906–1987) «Музычная культура Беларусі і свету ў навуковым асэнсаванні» проводилась конференция студенческого научно-творческого общества «Музычная культура Беларусі ў навуковым асэнсаванні маладых даследчыкаў».

В конференции приняли участие магистранты и студенты IIV курсов. Вела заседание заведующая кафедрой истории музыки, кандидат искусствоведения, доцент Эльвира Анатольевна Олейникова. Темы докладов отличались разнообразием и многовекторностью, отражая современные и перспективные направления в развитии белорусского музыковедения: были представлены доклады об этнокультуре Беларуси – песенной и инструментальной (Ольга Заблоцкая, Ксения Сидорович), разработки в области анализа музыкальной формы (Анастасия Коновалова, Дарья Иванова), выступления, посвящённые старинным греческим и древнерусским песнопениям (Любовь Шпаковская, Ольга Суарес), исследования стилистических особенностей произведений различных композиторов (Елена Пилатова, Ирина Филимович, Екатерина Мороз), а также доклады-презентации о творчестве белорусских авторов (Дарья Сергей, Елена Вашкевич).

Открыл конференцию доклад студентки II курса Ольги Заблоцкой о специфике функционирования барабана в ансамблевой инструментальной музыке белорусов (научный руководитель – профессор Инна Дмитриевна Назина). Автор дала подробное описание строения инструмента, подчеркнув особенность его функционирования именно в ансамблевой практике белорусов, в отличие от многих других этнокультур, где барабан чаще всего распространён как сольный инструмент. Интересный и яркий доклад, связанный с мелодикой греческих песнопений, представила студентка V курса Любовь Шпаковская (научный руководитель – доцент Николай Васильевич Шиманский). Она детально, иллюстрируя доклад схемами и примерами, раскрыла особенности интонационного комплекса, специфику греческой системы песнопений и наметила пути развития данной системы. Гости конференции смогли послушать некоторые греческие песнопения в исполнении приглашённого хора, в составе которого была и сама Л. Шпаковская.

На конференции царила тёплая, дружественная атмосфера. Все участники и гости были заинтересованы в представленной тематике докладов, о чём свидетельствует немалое количество задаваемых вопросов и активных дискуссий. Безусловно, данное событие можно считать ещё одной важной ступенькой в развитии музыкальной науки, в собирании и исследовании наследия прошлого и открытии новых направлений в белорусском музыковедении.

Ксения Сидорович

(III курс, отделение музыковедения)

 

Бессмертие Аркадия Бессмертного: о профессоре – звуками скрипки

7 мая 2013 г. в рамках цикла концертов «Творческие портреты профессоров Белорусской государственной академии музыки» пошёл вечер, посвященный 120-летию со дня рождения талантливого скрипача, дирижера, педагога, основоположника кафедры струнно-смычковых инструментов, профессора А.Л. Бессмертного.

Открыл вечер профессор кафедры струнно-смычковых инструментов Анри Борисович Янпольский. В своеобразном «прологе» перед концертными выступлениями он раскрыл перед слушателями особенности уникальной личности и неповторимого мастерства Аркадия Львовича Бессмертного (18931955). Являясь продолжателем традиций знаменитого скрипача и дирижёра Л.С. Ауэра, А.Л. Бессмертный переосмыслил их и дал толчок развитию скрипичного исполнительства на новом уровне. Он стал одним из организаторов первого в Беларуси симфонического оркестра, создателем и первой скрипкой Государственного струнного квартета БССР (1934–41). Огромный вклад Аркадий Львович внёс в совершенствование музыкального образования в нашей стране, стоя у истоков народной консерватории в Витебске (1918), а затем Минского музыкального техникума. В 1932–55 гг. он преподавал в консерватории, где в 1946 г. был удостоен званий профессора и заслуженного артиста БССР.

В концерте приняли участие студенты IIIII курсов и выпускники классов профессора А.Б. Янпольского, доцента Р.Д. Кривель, старшего преподавателя Л.М. Калиновской и преподавателя А.Ф. Александрович. Партию фортепиано исполняли дипломанты международных конкурсов Е. Афанасьева, Н. Кавецкая, Е. Хайтина. Для концертного выступления была подобрана весьма разнообразная программа из произведений H. Паганини, М. Ельского, И. Альбениса, Ф. Крейслера, Ф. Ваксмана, Д. Каминского. Интерпретированы произведения были с огромным мастерством, виртуозно,  ярко и чувственно. Слушатели соприкоснулись с шедеврами мировой и белорусской национальной музыкальной культуры, получив незабываемые мгновения радости и духовного подъёма.

Данный концерт – часть большой работы по увековечиванию памяти преподавателей и музыкантов, которая ведётся в нашем учебном заведении. Цикл концертов «Творческие портреты профессоров Белорусской государственной академии музыки» никогда не утратит актуальности, ведь каждое новое поколение студентов должно заново знакомиться с тем неоценимым вкладом, который вносили и вносят в национальную культуру педагоги Академии.

Екатерина Вахтина

(III курс, отделение музыковедения)

Молодёжный любительский хор «Виссонъ»

18–20 мая 2013 г. хор студентов исполнительских специальностей Белорусской государственной академии музыки принял участие в работе Международного фестиваля университетской музыки (Festival International de Musique Universitaire www.fimu.com) во французском городе Бельфор.

В рамках фестиваля коллектив дал два запланированных концерта, где исполнил православные песнопения, обработки белорусских народных песен и сочинения белорусских композиторов. Выступления хора были украшены сольными вокальными и инструментальными номерами студентов. Большой ценностью для исполнителей стала возможность поделиться своей культурой. Как оказалось, представленная концертная программа заинтересовала зарубежную публику, о чём свидетельствовали долгие овации и вызовы на «бис» в заключение концерта. Путешествуя по Европе, невозможно было не запеть в Лейпциге у памятника И.С. Баху и в Праге на Карловом мосту – местах традиционного музицирования. Яркие впечатления у хористов остались после посещения двух польских городов Познани и Ченстоховы, а в Ясногорском монастыре утром под звуки фанфар удалось увидеть открытие чудотворной Ченстоховской иконы Божией Матери. Из поездки участники хора привезли море впечатлений и драгоценный опыт.

Молодёжный любительский хор «Виссонъ» был организован в сентябре 2010 г. Слово «виссонъ» в переводе с церковно-славянского означает «драгоценная тонкая ткань». Свое название хор ассоциирует в первую очередь с «музыкальной пряжей», плетением звуков. Уникальность коллектива состоит в том, что собран он преимущественно из молодых музыкантов разных специальностей (пианистов, певцов, музыковедов, композиторов, исполнителей на баяне, кларнете, саксофоне, гитаре и др.), что зачастую определяет содержание концертных программ, построенных на чередовании хоровых и сольных номеров. Очень ценным для хористов является систематичное накопление навыков, которые закрепляются и оттачиваются на концертах. Участником коллектива может стать каждый студент Академии музыки. Это регулярно (еженедельно) репетирующий хор, ставящий для себя основной целью обучение, что позволяет студентам инструментальных специальностей открывать секреты хорового искусства. Большую поддержку коллективу оказывает отдел по воспитательной работе с молодёжью нашей Академии.

Участников хора объединяют духовные устремления: большинство хористов несут послушание певчих и даже регентов на клиросах минских храмов. 15 октября 2011 г. Патриарший Экзарх всея Беларуси Митрополит Минский и Слуцкий Филарет дал письменное благословение на дальнейшую творческую деятельность коллектива. Центральное место в репертуаре коллектива занимает православная музыка (обиходные песнопения, старинные образцы, произведения современных авторов), однако исполняются также народные и светские сочинения. Коллектив является лауреатом международного и дипломантом республиканского конкурсов, принял участие в ряде фестивалей и проектов, в том числе в исполнении оратории «Страсти по Матфею» митрополита Илариона (Алфеева) в Большом зале Белгосфилармонии под руководством народного артиста Беларуси А. Анисимова. Коллективом был выпущен и первый CD-диск «С духовной программой…».

Алёна Высоцкая

(художественный руководитель хора)

 

© УО "Белорусская государственная академия музыки", 2001–2013